中国设计史论文题目有哪些及答案解析

中国设计史论文题目有哪些及答案解析

东西方设计绘画美学异同：东方以中国为代表的绘画审美基点在于“意味”，西方绘画的基点在于“再现”中国绘画最求形象之外的意，线条与超然的色彩更能充分表达主管情感，成为东方美术造型的主要手法。西方人致力于物象属性的研究，造型艺术便充分利用了自然科学，借助明暗规律光与色的关系，空间，体积，结构，运动的表现成为主要造型的依据。东方审美的本质在于尚意，领悟，对真实的理解是物体对应情思后“升华了的真实”，西方审美本质是尚形的，他们认为认为造型艺术的认识必须是由感性到理性的认识。而理性认识必须有明确的定义，审美必须有客观依据，有准确的概念，推斥了东方的“领悟性”重视自然给人的美感及生活体验的功用。东方：逻辑体系严谨，只可意会不可言传，“意足不求颜色似”如山水画讲究意境，讲究“澄怀味道”，“有无相成，虚实相生，灵气往来，无画处皆成妙境”。画面上用大面积的空白，大块的墨线与墨块，多视域的构图处理，成为东方人理解到有相辅相成的艺术创造中的宇宙和谐实体。西方人认为：“之所以世界千差万别就在于它们有各自都具有不同的数量关系。雕塑绘画等艺术的美在于‘数的和谐与比例'。一切造型艺术要依靠对数据恰如其分的把握”。如此自然最完美的比例节奏构成了重要依据完美的古希腊雕塑来自理想中比列的和谐与完美，神庙建筑来自几何图形的和谐统一，艺术史成了这种和谐与人感知的理想契合

印象派又称为“外光派”，产生于19世纪60年代的法国。1874年莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，印象派由此而得名。印象派是古典绘画和现代绘画的转折点。特别是后印象派的三位大师的影响（见后说明）。 印象派（又称作早期印象派，早期印象派没有完全脱离古典主义）代表画家：马奈（他的画作大多以纯粹的大红大黑为主色调，视觉震撼力强，《草地上的午餐》）， 莫奈（印象派的名称起源于莫奈的一幅画“日出·印象”，原来是被艺术界嘲笑的名词，后来成为他们的代表。莫奈其他特别有名的作品有：在《泰坦尼克号》中提到的 “睡莲”，他倡导在户外作画），雷诺阿（善用圆笔画法，有一种毛茸茸的感觉，象在浪漫的烟雾之中的感觉，于他年轻时在瓷器厂作过学徒，故在人像创作中运用了这种细腻的工艺手段，裸体与妇女形象占据他一生作品的主流。代表作《包厢》）、德加（他创造了以调色刀作画的画法，他选择的主题不是风景，而是肖象、赛马、音乐厅和剧场，对芭蕾舞尤感兴趣，作品多表现裸女和舞蹈演员，在众多代表人物中以运动感突出，雷诺阿、德加为人像画及肖像画画家）、西斯莱、毕沙罗（这两位是风景画家）。 新印象派（点彩派，分割主义）：为了充分发挥色调分割的效果，用不同的色点并列地构成画面，画法机械呆板、单纯追求形式，他们精心研究色彩理论和感觉现象，重视色彩的物理特性。画家有修拉(Georges Seurat 1859-1891)、西涅克(Paul Signac 1863-1935)，修拉的代表作品有《大碗岛星期日的下午》。 后印象派（Post-Impressionism），从印象派发展而来的一种西方油画流派。在十九世纪末，许多曾受到印象主义鼓舞的艺术家开始反对印象派，他们不满足于刻板片面的追求光色，强调作品要抒发艺术家的自我感受和主观感情，于是开始尝试对色彩及形体表现性因素的自觉运用，后印象派从此诞生。后印象派将形式主义艺术发挥到极致，几乎不顾及任何题材和内容。代表画家：塞尚(Paul Cezame 1839-1906)，现代绘画之父之称，立体派的奠基人。静物是他的长项，代表作《艾斯达克海湾》。画家高更(Panl Cauguiu 1848-1908)和 画家凡高(Vincent Van Gogh 1853-1890)是野兽派和表现主义的奠基人。凡高以跃动的线条，凸起的色彩表达主观感受和激动情绪，自然物体也能体现一种冲动的扭曲的力，创作方法为大堆大堆的颜料直接堆在画布上。作品有《向日葵》《星空》《吃土豆的人》《自画像》等。此外在一些美术史中：后印象派其他代表人物还有劳特列克（残疾贵族，下肢残疾，他的画作主要以红灯区的旅馆和酒吧中的妓女等下层人物为题材）。 欣赏后印象主义画家塞尚，凡高，高更的作品。 《静物：苹果与橘子》 该画中的各种物体，尽管没有像古典静物画中强调的那种真实的质感，但其坚实，硬挺而内在的形体结构给人以独特的感受。色彩单纯、响亮而饱和，在对比中又使画面富有明快的节奏感和韵六律。塞尚的这种理性分析与主观表现，引发了人们绘画观念上的变革。塞尚被20世纪的艺术家们称为“现代绘画之父”。 《向日葵》 这幅作品以包满而纯净的黄色调，展示了一个画家内心中似乎永远沸腾着的热情与活力，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久的激动。凡高那种狂放不羁的风格对后来的野兽主义绘画产生了很大影响。 《塔希提妇女》 这幅画是后印象主义另一位画家高更的作品。画家以饱满而浓烈的色彩、宽大而又果断的笔触、稚拙而又粗矿的线条，将两位土著妇女平实而又厚重的表现出来。画面给人一种浓郁的土著生活气息，充满浑朴天真，神秘而久远的原始感。高更的作品具有主观化的自然情境。 小结：后印象主义画派，注重如何在绘画中强调表现画家的主观情感和内心世界，不在片面追求外光和色彩效果在画面上产生的真实感觉，而是具有更为主观化的感情因素和象征性的精神观念。这种观念的变革，具有划时代的意义 后现代主义文化思潮是西方理性主义文化传统的反动，它孕育于西方现代文化的母胎中，是秉有西方传统文化基因又在后工业化语境中变异而产生的“文化幽灵”对当代文化、艺术产生了巨大的影响。后现代主义思潮本身并没有整齐清晰的模式和思想体系，在后现代主义的大旗下汇集着形形色色的流派、理论和假说。可以说，它是西方后工业社会中全面反叛性的思潮，它一反传统文化的一元性、整体性、中心性、纵深性、必然性、明晰性、稳定性、超越性，后现代主义文化思潮标举多元性、碎片性、边缘性、平面性、随机性、模糊性、差异性和世俗性，彻底否认了传统文艺的美学追求、文化信念和叙事规则，典型的后现代主义作品呈现出构理性、消解中小躲避崇高、零度叙事、表象拼贴、与大众文化和流的鲜明特点。 外国相对而言更前卫，很多平面设计更有涂鸦感，中国的设计，比外国的更讲求中庸，外国的多激情张扬，在现代中求原始，中国的更古典含蓄，多是在传统中求现代，比如比如建筑吧，中国有雕梁画栋，这和文化有莫大的联系，西方的比如那个拜战廷教堂建筑，就是显示金碧辉煌中国的不会用白和金黄搭配为主色，西方也不会把红和金黄像咱们这么用但两者同样显示出无比的贵气

对于工业设计/环艺设计/视传设计/交互设计考研学子而言，专业课的分数很大程度上决定了考研总体成绩，那么设计考研初试理论专业课在考试时一般有哪些题型呢？设计考研理论简介通常来说，设计考研理论考试一般有两种出题形式：设计知识和设计论述。设计知识指的是《世界现代设计史》、《中国工艺美术史》、《设计学概论》、《中国设计史》、《工业设计史》以及其他有关设计历史的书籍（根据目标院校的指定参考书而定）。考察的内容包括设计史中不同历史时期的设计流派、设计风格、设计思想、设计运动、著名设计师以及代表作品等；这些知识点一般以填空题、名词解释和简答题形式出现，因此考察的内容相对清晰易懂，按照《高频考点》中的内容背诵即可。设计论述指的是综合参考书内容，阐述个人对设计理论的理解，并结合参考书或设计前沿素材来论证该考题中的论点，这类考题一般以论述题形式出现。因此，在备考基础阶段，需认真阅读指定参考书至少三遍以上，清晰了解课本脉络、内在考点关联等隐性知识。出题形式多数院校的初试理论专业课一般包括以下几类题型：填空题、名词解释、简答题、论述题。题型解析1填空题填空题一般考察考生对于零碎知识点的掌握能力，在审题时注意判断属于哪一方面的题目，作答时注意考点的完整性，避免小错误。填空题考点一般为参考书中重要知识段落中的多个名词并列的词汇，或是著名设计人物、著名设计作品、独有性名词等。2名词解释此类考题一般考察考生对于高频考点的全方位理解，在作答时要条目清晰、要点准确。一般以某个设计运动、风格流派、著名设计作品、重要概念等为考察对象。3简答题此类考题一般考察考生对于基础知识和基本理论的掌握情况，在作答时要分点作答，尽可能把题目所要表达的含义全面的展示出来。一般较为深入地考察某个设计运动、风格流派、著名设计作品、重要概念等名词的某个方面，也可能以两个或多个名词进行比较的形式进行考察，亦或考察运动/流派之间的关联。简答题考察形式比名词解释更灵活。4论述题此类考题一般考察学生的综合能力，所出题目基本不限于书本知识，可与设计前沿、古代著名造物思想、事实等补充知识结合。这就要求考生在备考期间要多关注课外知识，将非书本知识与书本知识进行关联，便可有效补充论述题的素材。

什么设计方向呢。。。　　解析中国平面设计的方向　　摘要:本文结合工作实践，就中国平面设计的方向问题进行了认真探索，具有独到的创意。　　关键词:中国平面设计；方向；解析　　自我国实行改革开放以来，中国文化受到外来文化的影响，使我们的生活发生了深刻变化，平面设计也不例外。我们日常生活中的日用品、食品的包装从单一发展到现在的五彩斑斓，品种繁多，更加注重了美观与功能性相结合，设计理念更加人性化；我们手中的书籍从一色的文字发展到现在的读图时代，使我们在一种愉悦的氛围中来领略文学的魅力；走在城市的大街小巷，五花八门的广告充斥着我们的眼帘，使你无时无刻都在接受它们所传递的各种信息；每天有成千上万的人在互联网上畅游，网页设计使我们浏览文字的同时也感受到一种美的享受。这些都是平面设计给我们带来的便利和精神上的享受，但这其中却有很多作品在滥竽充数，在金钱利益的驱动下，有一些设计师为此而迷失了方向，误入了歧途。　　随着中国经济的迅猛发展和申奥的成功，带动了中国平面设计的新发展，但同时也暴露出发展速度过快而带来的负面影响，其中有许多作品远离了中国文化传统，缺少中国传统文化的气质。　　那么怎样在传统文化上继承和发展，最后达到“中国设计”的理想境界呢？　　经济决定了设计的市场，作为设计师有责任去引导这一市场，我们在这些项目中首先应该想到的是设计本身，因为我们不仅肩负的是我们的作品要具有更强的生命力，而且更重要的是它代表了中国。这也许有些高远，但正是因为这样，我们所用到的资料几乎都是来自国外的案例，例如可口可乐、耐克、肯德基、麦当劳、奔驰、宝马等等，而我们自己的却少的可怜。虽然这其中有很多历史和经济因素，但我们好多设计师却没有意识到这一点。改革开放的三十年来，是中国变化最大的三十年，但其中喜忧参半，向西方学的过多，自己本身的东西太少。　　纵观现在中国的平面设计作品，你会感叹其中的好作品太少了，这其中的根由主要是一些设计师严重缺乏职业道德，抄袭者有之，滥竽充数者有之。造成这一社会现象的根本原因，就是我们设计师队伍当中有相当大一部分人不负责任。俗话说，民族的，就是世界的。而我们许多设计师没有认识到中国传统文化在设计中的作用。向外国学习是必须的，也是我们所提倡的，但不能搞一味的拿来主义，不能缺乏中华传统文化的灵魂。不然的话，这样的作品就会脱离社会，就会变得空洞乏味。目前，中国也有许多优秀的设计作品，既具传统文化意识，又具有新时代的意义，例如中国申奥标志和2008年奥运会标志。融入了中国的太极、书法、篆刻，别具一格。虽然都使用了中国古老的传统文化，但却体现了中国文化与世界体育的完美结合。相反，现在的书籍比古代的装帧设计更加精美，纸张更为多样，颜色愈加多彩，但却丢失了古书当中最适合人体工程学的重点——手感。这两个例子形成了鲜明的对比，前者注重了传统，使我们在现代生活中领略了传统带给我们的美感和享受，后者是我们在读书过程中的一些不便，使我们更加向往传统，更加迷恋古书的书香气。　　中国改革开放以来，人民的生活水平得到了迅速提高，设计作品在我们的日常生活中的重要作用日显突出，这也给当代设计师提出了更高的要求。如果能正确把握中国设计的发展方向，将使我们的生活变得更加充实、更加丰富多彩。因此，作为一个设计师，首先应该明确自己的职责，你所倾心创作的每一件作品，在赏心悦目的同时，更重要的是要能给客户带来一定的经济效益，让消费者认可；其次，要弘扬中国的传统文化，使大众和世界更加了解中国；再次，是要确立起中国设计在世界的地位，让我们的学生以及我们的同行之间交流、借鉴的时候更多地去考虑我们自己的作品、去考虑作品的效能。　　向世界学习对于中国的平面设计师而言是相当必要的。我们学习外国的平面设计，首先是要将外国平面设计师的理念与我们中华民族的传统文化有机结合，以促进中国平面设计的新发展。目前，我们当中的一些设计师几乎完全模仿西方的设计潮流，抛弃了我们自身优良的传统文化，最后的结果也只能是中不中、洋不洋，成了邯郸学步。所以，如何引导中国的平面设计，是摆在我们设计师面前的一个十分紧迫的问题，它将关系到我们整个设计行业的形象问题。　　目前，商品的销售除了品质竞争之外，附加在商品中的美也是一个新的竞争亮点，它是一个品牌植根于消费者心中的常青树。当一项设计能够真正做到这些时，设计的主体双方才能真正认识到赏心悦目给设计师和厂家所带来的好处。对于设计师来说暂不言表，而作为商家只有认识到并且做到这一点时，才有可能使自己的产品具有更强的市场竞争力和持久的生命力。在品种繁杂的商品社会里，人们选择购物时，除了一部分已经养成的心理习惯去有目的地购买某个品牌的某种产品外，相当一部分消费者将被商品的迷人外衣（即赏心悦目）而吸引，在消费者心目中形成了很大程度上的品质联想，也就是视觉传达设计之美的魔力所在。古人云：三分画，七分裱；人配衣裳，马配鞍等，都体现了赏心悦目在心理上给人们的暗示作用，同样的情况通过包装前后在人们心理上形成的强烈反差。几乎每年的秋天我都要带着学生去邢台大峡谷进行野外写生，当地环境优美，日照充足，昼夜温差大，那里出产的红富士苹果甘甜、清脆、爽口。在当地整批外运只能是2～3元／公斤；经过贴上标签套上包装后，再进入超市货架进行销售便能达到10～15元／公斤，价格成倍提高。经过包装后的苹果显得精致、高档，给商家带来了丰厚的利润。而这个小小的实例不得不使我们领悟到赏心悦目的真正魅力，在它的背后蕴藏着无限地商机和效益。同时，她也是一把双刃剑，谁能够熟练地掌握和驾驭它，谁就能够迅速赢得市场，反之，则深受其害。　　就设计的内涵而言，文化是贯穿其中的一条主线。设计师提高自己的文化素养，是夯实设计基础的根本问题。有好多设计作品，都是以优秀的文化为源泉的，这些内容的补充要靠我们日月积累，要多读书，读好书。我们应该养成一个良好的学习习惯，要不断学习新知识、新技术、新理念，要取他人之长，补自己之短；要不断充实自己，使我们的作品更有特色、更具品味。一件优秀的作品，需要好的创意，而我们当代的年轻设计师，大部分都过早的回避这一问题。当他们接到一项设计任务时，他们往往会搬出大量的参考资料，从中挑选出有用的资料，缺乏创新意识，养成了一些不良工作习惯。诚然，创新是一项极具艰苦的工作，有时可能还会遇到这样或那样的困难和问题，严重时可能还会造成暂时的搁浅。但作为一名优秀的设计师必须具有较强的创新意识，要树立信心，敢于正视成功和失败；在创作中一定要多观察、多思考、多实践、多注意细节，要通过自己的不懈努力，积极创作出具有较高含金量的作品。一个成功的设计师，针对不同的课题、不同的环境、不同的受众等都应有所区别，使其设计的作品更加完美、更具中国特色。以上这些细节都是我们平面设计师应特别注意的问题。　　在我们的生活当中，例如：中国联通、国有四大银行、申奥和2008年奥运会等一系列作品，都能清晰的看到中国设计的特色。正是因为有这些优秀的平面设计师才正确地引导了中国平面设计的方向。始终植根于华夏五千年的璀璨文明，将中华民族的传统文化与外国平面设计的先进理念有机地结合起来，积极探索、开拓进去、大胆创新，我们就一定能实现中国平面设计的新飞跃。　　参考文献：　　王受之，《世界平面设计史》，中国青年出版社　　高中羽，《重整元点》，三联书店

中国陶瓷设计史论文题目有哪些及答案解析

“中国陶瓷发展史如下: 从传说中的黄帝尧舜及至夏朝(约公元前21世纪——公元前16世纪)，是以彩陶来标志其发展的。其中有较为典型的仰韶文化、以及在甘肃发现的稍晚的马家窑与齐家文化等等，解放后在西安半坡史前遗址出土了大量制作精美的彩陶器。 从公元前206年至公元220年之间的汉朝，艺术家和工匠们的创作材”

中国陶瓷发展史：　　新石器时代早期，即距今7000-8000年，我国的先民就已经开始制作陶器。由于当时人类的社会生产力很低下，社会的物质文明程度不高，因而导致了新石器时代陶器的粗糙、古朴制作不精良的特点。在新石器时代晚期的仰韶文化、屈家岭文化、河姆渡文化、大汶口文化、龙山文化等十几个文化遗址的挖掘中，出土了大量的陶瓷，其主要品种有灰陶、彩陶、黑陶和几何印纹陶等。原始彩陶器彩绘纹饰又多以几何形出现，手法粗糙，构图新颖流畅，表现了当时中国制陶的技艺水平。龙山文化的黑陶少有装饰，却整体浑圆端正，器壁薄而均匀，表现出惊人的技巧。　　夏至两晋时期 　　商朝陶器，总体上继承了新石器时代的样式，在种类上并没有多大的发展。　　周代陶器的重要发展，是陶器应用到了建筑方面，如版瓦、简瓦、瓦当、瓦钉、阑干砖等。 两汉时期，釉陶大量替代铜质日用品，从而又使陶器得到迅速发展。汉代的釉陶已发展到很高阶段，这是由陶向瓷过渡的桥梁。 西晋时期，国家的稳定，越窑的青瓷的烧造又有了提高。　　隋唐五代时期的陶瓷文化　　隋唐时代是我国封建社会经济、文化突出发展的时期。陶瓷发展到隋唐，也进入一个繁荣成长的阶段。唐三彩是一种低温铅釉陶器，因经常使用黄、绿、褐三种色彩得名，一般作为陪葬品，分为器皿、人物、动物，是我国古代陶器工艺的精品。　　宋、元时期的陶瓷文化　　宋代是中国制瓷业极其辉煌的历史时期，各地新兴窑场不断，涌现出不少驰名中外的瓷窑。所谓五大名窑——定、汝、官、哥、钧，就是其中的典型代表。定窑，也称粉定，以烧白瓷而著称，碗、盘制品彩覆烧工艺，口沿上不施釉，俗称“芒口”汝窑专为宫廷烧制御用青瓷器，烧造工艺达到了中国陶瓷史上的极致。官窑的瓷器釉色胎骨坚薄，釉色翠美清新，腴润如脂，纹片纵横，飘逸流畅。哥窑，又称章窑。瓷器造型端庄古朴，器身釉色滋润腴厚，传世者祢足珍贵。钧窑以烧制乳浊釉瓷为主，兼烧黑瓷及白地黑花瓷，以其“入窑一色，出窑万彩”的神奇“窑变”而闻名。宋瓷在工艺上取得较高成就，形成品种丰富多彩、造型简洁优美、装饰方法多种多样。官私名窑名瓷都风格各异，有的清秀、有的浑厚、有的典雅、有的绚丽、有的淳朴、有的民间色彩浓厚、百花争艳，个现独特的风格之美。 元代由于战乱，打击了制瓷业，但制瓷业工艺仍有新创新，出现了青花瓷和釉里红技法。　　明、清时期的陶瓷文化　　明代以前陶瓷釉色以青为主，明代以降则白瓷为大宗，为瓷器的装饰创造了物质条件。 清初制瓷技巧更达到了历史的高峰，清代前期和中期，从整个社会来说，康熙、雍正、乾隆三朝的社会经济进人了一个繁荣时期，我国制瓷工艺达到了历史高峰，造瓷技术有更大进步，凡是明代已有的工艺和品种，大多有所提高或创新。

陶器的发明是人类文明的重要进程－－是人类第一次利用天然物，按照自己的意志创造出来的一种崭新的东西从河北省阳原县泥河湾地区发现的旧石器时代晚期的陶片来看，在中国陶器的产生距今已有11700多年的悠久历史陶器是用泥巴（粘土）成型晾干后，用火烧出来的，是泥与火的结晶我们的祖先对粘土的认识是由来已久的，早在原始社会的生活中，祖先们是处处离不开粘土，他们发现被水浸湿后的粘土有粘性和可塑性，晒干后变得坚硬起来对于火的利用和认识历史也是非常远久的，大约在205万年至70万年前的元谋人时代，就开始用火了先民们在漫长的原始生活中，发现晒干的泥巴被火烧之后，变得更加结实、坚硬，而且可以防水，于是陶器就随之而产生了陶器的发明，它揭开了人类利用自然、改造自然、与自然做斗争的新的一页，具有重大的历史意义，是人类生产发展史上的一个里程碑从目前所知的考古材料来看，陶器中的精品有旧石器时代晚期距今1万多年的灰陶、有8000多年前的磁山文化的红陶、有7000多年的仰韶文化的彩陶、有6000多年的大汶口的“蛋壳黑陶”、有4000多年的商代白陶、有3000多年的西周硬陶，还有秦代的兵马俑、汉代的釉陶、唐代的唐三彩等到了宋代，瓷器的生产迅猛发展，制陶业趋于没落，但是有些特殊的陶器品种仍然具有独特的魅力，如宋、辽三彩器和明、清至今的紫砂壶、琉璃、法花器及广东石湾的陶塑等，都是别具一格，倍受赞赏但是陶器始终是文明初级阶段的低级产品，它本身存在的缺陷注定了它逐渐被历史淘汰的命运瓷器是中国古代的一项伟大发明，在漫长的历史岁月中，勤劳智慧的中国先民们点土成金，写下光辉灿烂的篇章，为人类文明作出了巨大的贡献亨有盛誉的中华古瓷，已成为世界各大博物馆里的明珠，也将越来越广泛地成为中国和世界各地的专家学者的研究对象，并受到广大收藏家和陶瓷爱好者的珍重中国瓷器的发明和发展，是有着从低级到高级，从原始到成熟逐步发展的过程早在3000多年前的商代，我国已出现了原始青瓷，再经过1000多年的发展，到东汉时期终于摆脱了原始瓷器状态，烧制出成熟的青瓷器，这是我国陶瓷发展史上的一个重要里程碑经过三国、两晋、南北朝和隋代共330多年的发展，到了唐朝中国政治稳定、经济繁荣社会的进步促进了制瓷业的发展，如北方邢窑白瓷“类银类雪”，南方越窑青瓷“类玉类冰”形成“北白南青”的两大窑系同时唐代还烧制出雪花釉、纹胎釉和釉下彩瓷及贴花装饰等品种宋代是我国瓷器空前发展的时期，出现了百花齐放，百花争艳的局面，瓷窑遍及南北各地，名窑迭出，品类繁多，除青、白两大瓷系外，黑釉、青白釉和彩绘瓷纷纷兴起举世闻名的汝、官、哥、定、钧五大名窑的产品为世所珍还有耀州窑、湖田窑、龙泉窑、建窑、吉州窑、磁州窑等产品也是风格独特，各领风骚，呈现出欣欣向荣的好局面，是我国陶瓷发展史上的第一个高峰元代在景德镇设“浮梁瓷局”统理窑务，发明了瓷石加高岭土的二元配方，烧制出大型瓷器，并成功地烧制出典型的元青花和釉里红及枢府瓷等，尤其是元青花烧制成功，在中国陶瓷史上具有划时代的意义宋、金时战乱后遗留下来的南北各地的主要瓷窑仍然继续生产，其中龙泉窑比宋时更加扩大，其中梅子青瓷是元代龙泉窑的上乘之作还有“金丝铁线”的元哥瓷，应是仿宋官窑器之产物，也是旷世希珍明代从洪武35年开始在景德镇设立“御窑厂”，200多年来烧制出许许多多的高、精、尖产品，如永宣的青花和铜红釉、成化的斗彩、万历五彩等都是希世珍品御窑厂的存在也带动了民窑的进一步发展景德镇的青花、白瓷、彩瓷、单色釉等品种，繁花似锦，五彩缤纷，成为全国的制瓷中心还有福建的德化白瓷产品都十分精美清朝康、雍、乾三代瓷器的发展臻于鼎盛，达到了历史上的最高水平，是中国陶瓷发展史上的第二个高峰景德镇瓷业盛况空前，保持中国瓷都的地位康熙时不但恢复了明代永乐，宣德朝以来所有精品的特色，还创烧了很多新的品种，并烧制出色泽鲜明翠硕、浓淡相间，层次分明的青花郎窑还恢复了失传200多年的高温铜红釉的烧制技术，郎窑红、缸豆红独步一时还有天兰、洒兰、豆青、娇黄、仿定、孔雀绿、紫金釉等都是成功之作，另外康熙时创烧的珐琅彩瓷也闻名于世雍正朝虽然只有13年，但制瓷工艺都到了登峰造极的地步，雍正粉彩非常精致，成为与号称“国瓷”的青花互相比美的新品种乾隆朝的单色釉、青花、釉里红、珐琅彩、粉彩等品种在继承前新的基础上，都有极其精致的产品和创新的品种乾隆时期是我国制瓷业盛极而衰的转折点，到嘉庆以后瓷艺急转直下尤其是道光时期的鸦片战争，使中国沦为半殖民地半封建社会，国力衰竭，制瓷业一落千丈，直到光绪时稍微有点回光返照，但1911年辛亥革命的爆发，清王朝寿终正寝长达数千年的中国古陶瓷发展史，并至此落下帷幕纵观中国几千年的古陶瓷发展史，它虽然是以衰退而告终，但是它给后人留下的这份珍贵而又丰富的遗产，将永远放射出灿烂的光辉

中国的科技发展史上，除了“四大发明”，最引人注目的莫过于陶瓷了。中国的英文名称，就由此而来。但大多数并不了解陶瓷。在他们眼里，陶瓷一体，事实上，陶和瓷是完全不同的两种器物。陶产生在先，用粘土制坯；瓷产生在后，用瓷土制坯，而且两者烧制的窑温度也不相同。　　古代陶瓷的发展　　早在新时期时期，我们的祖先就拉开了陶瓷发展史的序幕。一开始，陶瓷只是一般的生活用品，作为容器或餐具。后来陶瓷制造逐渐脱离了实用主义，出现了只作为装饰功用的产品。殷商初期，随着烧制温度的不断提高，瓷器初具雏形。　　历史上最先出现的瓷器是青瓷。与比陶相比，瓷器质地细腻致密，坚固耐用，而且表面涂上了一层釉，防漏性能有了很大的提高，这算是进步。但在早期，经常出现露胎流釉的现象。这是由于在制坯时，瓷胎涂满釉质。在烧制过程中釉质受热熔化，变为液体，流到地面上，冷却后又变回固态，把瓷器与地面粘连起来。当时这种现象十分普遍。遇到这样的情况，师傅们只能用小榔头敲击瓷器底部，以把它同地面分开。这是个投鼠忌器的过程，力道的把握非常困难，劲小了，根本敲不下来；劲大了，又会使瓷器上产生裂纹，影响品质，甚至会把瓷器打碎，那前面的所做一切就前功尽弃了。后来有人发明了“半釉”法，成功的解决了这个问题。方法就是在制胎时只把釉质涂在器物的上半部分，并且稍微涂得厚一点。烧造时釉质受热后向下流，流到器物最底下刚好流完，而不会滴到地面上，这样冷却后就不会和地面发生粘连，很容易的就可以拿起来了。　　东汉时，浙江的越窑的青瓷逐渐成熟起来。随着技术的进步，直至魏晋南北朝，青瓷已经独霸中国的瓷器市场。　　此时，白瓷在北方悄然兴起，并在青瓷的强大统治下顽强地生根发芽。经过岁月的洗礼，唐朝时已经和青瓷分庭抗礼。两者各领风骚，有“南青北白”之说。唐朝的彩陶艺术也有了很大发展，最大的成就是人们后来所熟知的“唐三彩”。唐三彩主要由黄、绿、白三色的釉彩涂于胎身，因此得名。其造型丰富多样，有各种人物、动物、花鸟等，其中最出名的，要属唐三彩的马。　　随着唐王朝的土崩瓦解，中国瓷器市场格局重新洗牌。到了宋朝，瓷器产品打上了地方风格的烙印，形成一个个“瓷器割据”。总体上可概括为“五大名窑”，就是人们常说的官、哥、汝、定、钧。　　经过近千年的发展，中国陶瓷到明清时期更加灿烂辉煌。瓷器不再单调乏味，而是五光十色，丰富多彩：有蓝釉、祭红釉、郎窑红釉、豆红釉、黄釉、孔雀绿釉、黑釉等，其中黑釉是用来描边的。　　明代宣德的瓷器在落款上极为讲究——真品上的落款中，“德”字右半部分“心”字之上的一横是省略的，但是宣德炉除外。因为宣德炉是皇家使用的，所以不能残缺。德化窑的产品质地极脆，制作小型瓷器尚可，大型器物则容易变形，但非常适合佛像，传世的德化窑佛像价值很高。　　清代是中国封建社会的衰落时期，但陶瓷制造却迎来了又一个黄金时代，景德镇依然稳居陶瓷生产的重要中心。清朝瓷器质量以“康熙、雍正、乾隆”三朝为最高。清朝的统治者非常关心陶瓷业的发展，曾多次颁布特别御令，直接指导官窑的生产活动，对每一件瓷器的器形、样式、尺寸、纹路等都有明确的批示。这个时期，普遍实行“官搭民烧”制度。所谓“官搭民烧”，就是朝廷把一些御用瓷器的制造工作外包给民窑。由专门的机构设计好瓷器的样子，同时计算好所需银两的数目，一并交给民窑。民窑拿着银两去购买原料，按要求进行烧制。如果烧出来的瓷器不合规定，或者制作过程中出现事故，导致原料无法使用，损失必须由民窑自己掏钱承担。无论返工多少次，朝廷绝不再播一两银子，根本不会去管民窑是赚还是赔。用现在时髦的话来讲，就是自负盈亏。在研究这段历史的时候，许多学者都把官搭民烧归为“封建统治阶级对劳动人民的剥削和压榨”，因为朝廷可以凭借皇权，肆意压低价格。但我认为这样简单的评价有失偏颇。实际上，当时参加“官搭民烧”的民窑中，真正赔钱的极少。原因有三：一是参加御用瓷器的烧制，有助于提高民窑的生产技术和效率，在提高瓷器质量的同时，降低了生产成本；第二，因为是在和皇家做生意，窑厂的腰杆就硬了，这相当于做了广告，是一种巨大的无形资产；第三，参加官搭民烧的窑厂同时也生产民用的瓷器，当然价格会比普通窑厂的产品要高，但是买的人却不减反增。总之，因为烧御用瓷器所赔的钱可以通过种种途径赚回来，还会有丰厚的盈余。由此可见，“官搭民烧”促成了朝廷和民窑的双赢，是一个比较合理的制度，否则它不会延续百年。

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对传统持否定性的整体观。其原因就是他认为中国传统的政治、军事、文化、制度……已经形成了一个不可分 鲁迅将中国封建社会几千年的历史与传统概括为吃人的筵宴，这种吃人是建筑在封建的等级制度上的。鲁迅指出

建筑外墙保温技术。本人认为这个题目相对容易写，环保节能也是当前建筑设计最主要的问题。

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室内设计的风格与流派 摘 要：风格即风度品格，体现创作中的艺术特色和个性；流派指学术、文艺方面的派别。 　　关键词：室内装修　　室内设计的风格和流派，属室内环境中的艺术造型和精神功能范畴。室内设计的风格和流派往往是和建筑以至家具的风格和流派紧密结合；有时也以相应时期的绘画、造型艺术，甚至文学、音乐等的风格和流派紧密结合；有时也以相应时期的绘画、造型艺术，甚至文学、音乐等的风格和流派为其渊源和相互影响。例如建筑和室内设计中的“后现代主义”一词及其含义，最早是起用于西班牙的文学著作中，而“风格派”则是具有鲜明特色荷兰造型艺术的一个流派。可见，建筑艺术除了具有与物质材料、工程技术紧密联系的特征之外，也还和文学、音乐以及绘画、雕塑等门类艺术之间相互沟通。　　风格的成因和影响　　室内设计风格的形成，是不同的时代思潮和地区特点，通过创作构思和表现，逐渐发展成为具有代表性的室内设计形式。一种典型风格的形式，通常是和当地的人文因素和自然条件密切相关，又需有创作中的构思和造型的特点。形成风格的外在和内在因素。　　风格虽然表现于形式，但风格具有艺术、文化、社会发展等深刻的内涵；从这一深层含义来说，风格又不停留或等同于形式。　　需要着重指出的是，一种风格或流派一旦形成，它又能积极或消极地转而影响文化、艺术以及诸多的社会因素，并不仅仅局限于作为一种形式表现和视觉上的感受。　　20-30年代早期俄罗斯建筑理论家M· 金兹伯格曾说过，“风格”这个词充满了模糊性……。我们经常把区分艺术的最精微细致的差别的那些特征称作风格，有时候我们又把整整一个大时代或者几个世纪的特点称作风格“。当今对室内设计风格和流派的分类，还正在进一步研究和探讨，本章后述的风格与流派的名称及分类，也不作为定论，仅是作为阅读和学习时的借鉴和参考，并有可能对我们的设计分析和创作有所启迪。　　室内设计的风格　　在体现艺术特色和创作个性的同时，相对地说，可以认为风格跨越的时间要长一些，包含的地域会广一些。　　室内设计的风格主要可分为：传统风格、现代风格、后现代风格、自然风格以及混合型风格等。　　一、传统风格　　传统风格的室内设计，是在室内布置、线形、色调以及家具、陈设的造型等方面，吸取传统装饰“形”“神”的特征。例如吸取我国传统木构架建筑室内的藻井天棚、挂落、雀替的构成和装饰，明、清家具造型和款式特征。又如西方传统风格中仿罗马风、哥特式、文艺复兴式、巴洛克、洛可可、古典主义等，其中如仿欧洲英国维多利亚或法国路易式的室内装潢和家具款式。此外，还有日本传统风格、印度传统风格、伊斯兰传统风格、北非城堡风格等等。传统风格常给人们以历史延续和地域文脉的感受，它使室内环境突出了民族文化渊源的形象特征。　　二、现代风格　　现代风格起源于1919年成立的鲍豪斯学派，该学派处于当时的历史背景，强调突破旧传统，创造新建筑，重视功能和空间组织，注意发挥结构构成本身的形式美，造型简洁，反对多余装饰，崇尚合理的构成工艺，尊重材料的性能，讲究材料自身的质地和色彩的配置效果，发展了非传统的以功能布局为依据的不对称的构图手法。鲍豪斯学派重视实际的工艺制作操作，强调设计与工业生产的联系。　　鲍豪斯学派的创始人W·格罗皮乌斯对现代建筑的观点是非常鲜明的，他认为“美的观念随着思想和技术的进步而改变”。“建筑没有终极，只有不断的变革”。“在建筑表现中不能抹杀现代建筑技术，建筑表现要应用前所未有的形象”。当时杰出的代表人物还有Le·柯布西耶和密斯·凡·德·罗等。现时，广义的现代风格也可泛指造型简洁新颖，具有当今时代感的建筑形象和室内环境。　　三、后现代风格　　后现代主义一词最早出现在西班牙作家德·奥尼斯1934年的《西班牙与西班牙语类诗选》一书中，用来描述现代主义内部发生的逆动，特别有一种现代主义纯理性的逆反心理，即为后现代风格。50年代美国在所谓现代主义衰落的情况下，也逐渐形成后现代主义的文化思潮。受60年代兴起的大众艺术的影响，后现代风格是对现代风格中纯理性主义倾向的批判，后现代风格强调建筑及室内装潢应具有历史的延续性，但又不拘泥于传统的逻辑思维方式，探索创新造型手法，讲究人情味，常在室内设置夸张、变形的柱式和断裂的拱券，或把古典构件的抽象形式以新的手法组合在一起，即采用非传统的混合、叠加、错位、裂变等手法和象征、隐喻等手段，以期创造一种溶感性与理性、集传统与现代、揉大众与行家于一体的即“亦此亦彼”的建筑形象与室内环境。对后现代风格不能仅仅以所看到的视觉形象来评价，需要我们透过形象从设计思想来分析。后现代风格的代表人物有P·约翰逊、R·文丘里、M·格雷夫斯等。

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参考书单《教育学基础》全国十二所重点师范大学联合编写 教育科学出版社 2008；《当代教育心理学》 陈琦刘儒德 北京师范大学出版社 2007；《外国教育史教程》 吴式颖 人民教育出版社 2012；《中国教育史》 孙培青 华东师范大学出版社 2009；《教育研究方法导论》 裴娣娜 安徽教育出版社

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