音乐论文答辩问题中国声乐艺术的民族性

音乐论文答辩问题中国声乐艺术的民族性

中国的民族音乐的特点就是五声调式。但是五声调式并不是中国音乐独有的，其实在西方音乐中也会用到。比如coldplay的《yellow》就是一首五声调式的歌曲。

节奏感强，特点鲜明。而且五种不同音乐给人的感觉就不同。容易做编导。相对来说会比现代舞的内涵更广。

特点是 音色自然、甜美、富有表现力；演唱个性的多元化 ；歌唱语言的艺术性我国民族声乐是几千年来中华民族古老文化的艺术结晶，是客观的历史的沉淀，是由中国民族特有的历史文化、语言特征、地域特征、表现方法、审美特点决定的，是中国独立的声乐学派。我国民族声乐包括戏曲、曲艺、民歌、歌剧四个方面。从广义来说，民族声乐是指人民大众（尤其是劳动人民）在社会生活中历史地产生、社会地传承、集体地保留，在日常生活中广泛传唱的一种声乐种类或音乐体裁。实际上现代民族声乐是专指民歌、歌剧而言的。近年来，我国民族声乐在西方音乐的全面影响下，经过多年的迅猛发展，进入了民族声乐的繁荣时期，取得了惊人的成绩，但在这个繁荣的背后却隐藏着一些不容忽视的问题，随着美声唱法对民族声乐的影响越来越大，大多的歌手由于过多的汲取了美声唱法的发声技术，忽略我国民族声乐的风格特点，出现了“千人一面，千人一腔”“罐头歌手”的现象，歌手总体缺乏鲜明的个人风格，甚至缺乏独有的民族风格特色。教学的模式上也由于西化的影响，出现了固化的声乐教学模式。

中国的民族音乐艺术是世界上非常具有特色的一种艺术形式，那么，中国民族音乐有什么特点呢?下面就跟随学习啦小编的步伐一起来了解一下中国民族音乐基本特点的相关知识吧!　　中国民族音乐的基本特点　　首先，从音乐的构成上来说，中国音乐是以五声调式为基础的音乐。所谓五声调式，是由指宫、商、角、徵、羽这五个音组成的调式，类似于简谱中的1、2、3、5、6。民族音乐中的六声调式和七声调式是在五声调式的基础上发展起来的。中国传统音乐一般都是由五声音阶写成的，如民歌《茉莉花》、《小河淌水》、《五哥放羊》，器乐曲《春江花月夜》、《梅花三弄》等等。过去经常有人把唱歌不准的人称为“五音不全”，这里说的“五音”就是指五声调式中的这五个音。　　其次，在音乐的表现形式上，中国音乐注重音乐的横向进行，即旋律的表现性。与中国的书法、绘画等艺术一样，在艺术风格上，中国音乐讲究旋律的韵味处理，强调形散神不散。传统的中国音乐作品在旋律进行上常常以单旋律的方式进行，对和声的运用较少。如人们熟悉的中国古代的十大名曲，基本上都是某一种乐器的独奏曲目。合奏音乐一般用在宫廷典礼、宗教仪式、迎神赛会等大型场合，这与讲求和声效果的西方音乐是有较大区别的。　　再次，中国传统音乐与舞蹈、诗歌等姊妹艺术也有着密切的关系。在古代，音乐一般都离不开舞蹈，如远古时期的《六代乐舞》、唐朝的歌舞大曲以及唐宋以后兴起的戏曲音乐都体现了音乐与舞蹈结合。

中国音乐美学史论文与民族声乐

你是重庆文理学院音乐系的吗？一班还是二班啊？

中国传统音乐源远流长，其美学思想博大丰富。中华先民的审美意识可以追溯到未有文字记载的远古时代，从原始先民通过劳动摆脱了动物状态开始懂得装饰自己，便出现了最早的审美意识活动，其审美意识就已经产生了。在经历了奴隶社会、封建社会后，中华美学思想获得了蓬勃发展，形成了以审美意象为中心的传统美学思想。　　中国传统音乐绵延几千年包含诸多审美品格，它是一定音乐思想特殊本质的集中体现，是音乐思想意识的结晶。一个国家、一个民族的思维习惯，对其审美意识的形成和发展有不可低估的作用。中华民族的传统思维习惯，决定了中国古代先哲奉行一种既对立又统一的思维方式，将矛盾双方作为一种内在的和谐，即中华文化传统“和”的精神。“和”是中国传统文化意识与精神在美学领域里的集中体现，贯穿中国传统音乐美学的核心思想。作为一种审美品格，“和”构成了传统音乐特有的气质和艺术魅力。“和”在历史发展过程中形成了多种涵义，不同的时代，社会对其有不同的解释。笔者将古代不同时期对音乐思想“和”的阐释作一梳理和简要述介。　　“和”概念最早出现于春秋时期“和同之辩”的论争。《国语郑语》载：“夫和实生物，同则不断，以他平他谓之和，故能丰长而物归之。”这里说明了在听觉感知上，只有不同的乐音组织相配才能生产美的音乐，相异的音乐组合在一起就能产生好听的音乐。这是从音乐审美的角度对“和实生物”规律的体验和理解。　　春秋时期晏婴是一位大政治家、思想家，他对音乐有精辟的见解，曾说：“一气、二体、三类、四物、五声、六律、七音、八风、九歌以相成也。清浊、大小、短长、疾徐、哀乐、刚柔、迟速、高下、出入、周疏，以相济也。”将音乐各种特征的“相成”“相济”都归属到音乐审美的和谐统一之中。晏婴在谈音乐诸要素之间的谐和时，并没有忽视音声与人心的谐和关系。“先王之济五味，和五声也，以平其心，成其政也”，只有“和”的音乐才能使君子听了产生心平气和的感情。　　先秦时期儒家学派倡导礼乐思想，对音乐所看重的主要是它的社会教化作用。他们对“韶”一类的雅乐推崇备至，认为“中和”的音乐是最能移风易俗具有教化作用的，讲究借中和的音乐修身养性。孔子认为思想的审美朴素之美，简朴之美，含蓄之美，是自然与人心的交融，主张在音乐审美中保持一种“和”的情感态度。孔子曾评价《关雎》“乐而不淫，哀而不伤”。他认为，音乐审美中的情感态度及其表现是中正平和的，也应当是适度的，有节制的，这同他的“中庸”哲学思想是一致的。　　道家倡导“天地之和”的思想。老子崇尚朴素自然，追求平和；庄子认为主客体和谐产生美感，以内心纯朴自然性情的复归作为乐的实现，用乐调调和阶级矛盾，追求人类平衡，认为合乎其理想社会的乐，是具有自然无为，平和恬淡属性的“乐”。　汉代《乐记》从“德音”“中和”来看“乐”之美的社会属性与情感属性。只有具有“中和”情感特征的才是“和乐”，这就要求在情感表现上处于“中和”状态，“乐而不乱”“乐而不流”“刚而不怒”“柔而不慑”。　　魏晋时期阮籍在其论乐专著《乐论》中，一方面以“和”作为乐的顺乎自然的本质属性，要求以协和阴阳的音声去适万物之“情气”，另一方面在音乐生活中继承乐教思想，要求“立调适之音，建平和之声”，制礼作乐“使天下为乐者，莫不仪焉”。嵇康在《琴赋》中以平和之声为琴音乐美的特征，在琴声具“自然之和”的基础上描写琴音的美妙。他讲的“礼乐之情”是以“乐之为体，以心为主”的角度讲“平和之乐”对人心的作用。　　唐代白居易对琴乐审美问题上有较多论述，他视恬淡、平和为琴乐与“正始音”的音乐审美情感特征，以“淡”“和”为其审美标准。　　宋代朱长文在“琴史”中以政不和故人心不和，人心不和故音不和的角度强调“乐之和”在于“正——心——音”之音的关系是否和谐。从音乐与人心的关系认为只有能够协调民心，“顺气正声、为群情之影响”的音乐才是“和”乐的，才是美的音乐。哲学家朱熹在《紫阳琴铭》中对琴乐审美明确提出“养群中和之正性，禁尔忿欲之邪心”，体现了他对琴乐中和美的认识，即“中和”美的实现有赖于通过自我修养达到人心之正性。　　明代徐上瀛的《溪山琴况》是中国美学思想史最为重要、最具代表性的论著之一。《溪山琴况》提出二十四况，其中“和”是最为重要的审美范畴。《溪山琴况》开首即写道“稽古至圣心通造化，德协神人，理一身之性情，以理天下，人之性情，于是制为琴。其所首重者，和也。”这表明了“和”作为琴乐审美范畴，在《琴况》中具有其他诸况不能替代的地位。“和”在《琴况》中具有多义的内涵，如“和”况以琴乐陶冶人之性情，琴乐的实施目的在于使人心“和”，这具有社会伦理学的意义。“和”在《琴况》中与音乐审美理想有关，强调“和”的存在并不只是于技艺，要获得“和”之美存在的真谛要“不以情性中和相遇”。“和”是《溪山琴况》的主要精神，是贯穿其中的主要线索。　　清代王夫之以“和”作为乐的审美规范和准则。他首先强调“律为和”，重视“律为和”的作用，　　纵观我国古代音乐美学思想史，“和”在不同时代、不同历史时期人们对其有不同的解释。“和”是我国传统音乐美学中的优秀传统，至今这种美学传统仍普遍存在于我国民间传统音乐之中。但“和”又是相对的，随着时代的变迁、社会的发展，今日的“和”已不是儒家仅用于“雅颂之乐”的中庸之和，而是与多种非“和”品质相互融合的优美、平和、细腻的美学品格。

中西音乐之渊源各异，除了因民族性所产生的色彩差异之外，主要表现于中国音乐注重的是情韵，而西洋音乐注重的是和谐。溯本求源，西洋的和谐源于古希腊、古罗马的数学与几何学的科学性及数理协调性;而中国的情韵则可说是源于先秦诸子的哲学，甚或是源于古代钟鼎的花纹及原始壁画的动物飞腾之象。因为，“飞舞跃动”之美始终是中国诸艺术的主要特色，当代美学巨擘宗白华也认为:“舞”是中国艺术意境的灵魂。归根结底，中西方的宇宙观、世界观的不同，是中西音乐风格形成各异的根本原因。西洋人看世界，是采取科学的、数理性的态度，是“物我对立”的。而中国人则全然相左，如老、庄，认为宇宙是个虚灵的空间，其间只有鼓动“万物”的“气”才是实在的。因此，中国人的宇宙空间意识是人在“虚、空”中，是宇宙的造化;人自在虚空中，“伏仰自得”，尔我不分，浑化为一。中国历史沿袭下来两种美学观点，即“错采镂金”之美与“初发芙蓉”之美。汉以前，艺术美还是“错采镂金”之美;时至魏晋发生了一个变革，提出“初发芙蓉”与“错采镂金”并列。至宋，美学观点转移为“初发芙蓉”较之“错采镂金”更为美。这也是对中国古代哲学的一个发展———既然一个“虚灵的空间”充满了“鼓动万物之生气”，又何必再“错采镂金”呢?还“宇宙”的本来面目吧。所以艺术不再是装饰性的了，而加入了进步的思想色彩了。也因此，建立在以重情韵基础上的中国单音音乐体系得到了进一步的发展(尽管在唐时有向复音音乐发展的萌芽)。“和谐”的概念，中西方也不尽相同。如纯指对感观的刺激来说，中国人认为单音是最和谐的(指乐音)，八度叠置其次，然后是四、五度叠置。这从中国传统民间乐器上也能看到:胡琴的定弦一般是四、五度，特别值得一提的是笙，它的传统发声指法决定了一个“主音”和一、两个“辅音”同时发声，从而形成一个四、五度叠置的和弦。对于和弦西洋人则认为，三度叠置才是最和谐的，至少是半和谐的，而四、五度叠置的和弦反而是不和谐的!其实，和谐应该是相对的。我想，三度叠置的效果并不旨在追求其和谐，而是旨在追求其丰满。如果说，“形式”美是艺术中很重要的一环，对于中国则不然了。固然，也需要和谐，也需要科学，但一切都要服从于“韵味”，服从于“情”。对西洋音乐来讲，“形式”美才是主要的一环。“摹仿自然”与“形式美”本是西方美学思想的两大中心。西方音乐从浪漫主义晚期起，写作技法日趋繁富。其对传统的叛逆大致从斯特劳斯开始，经过德彪西的“质的飞跃”，勋伯格的“异化”，一直到斯特拉文斯基、梅西安、斯托克豪森，技法愈来愈精细，其装饰性因素之多，正可说是前述之“错采镂金”。而中国人更习惯于音乐的韵味，“情”和“韵”始终贯穿于中国音乐的指导思想之中。因此，一切技法(包括写作、演唱、演奏)都围绕着“情、韵”二字进行。是否可以提中国音乐只注重“空灵”，不注重“充实”呢?我认为这个问题需要辨证地看。中国音乐基于中国艺术意境中的空间意识，所以它要“空灵”，重“情韵”。虽然道儒两家“实、虚”分歧很大，但最终都表现了“虚”是最“实”的，是“实”的升华。如此说来，中国音乐是重虚不重实了?否!中国音乐在其发展中，为不断臻于至美，一直在努力克服其音响“不厚实”的缺憾;从民间乐器的沿革看是这样，从民间戏曲演唱的发展道路来看也是这样。唐代的宫廷音乐，其乐队编制之庞大，恐怕今天的西洋人见到也要惊叹不已。但这种“厚实”的音乐到了宋朝就销声匿迹了。当然，在充实方面，西洋音乐更注重科学，无论在管弦乐队的组合音响方面，还是在声乐的发声共鸣方面，均较中国音乐更容易表现。但是，中国音乐却另辟蹊径，没有单在音响等方面下功夫，而是转向丰富的内涵和深邃的意境上面。中国的一个小姑娘用二胡演奏了阿炳的《二泉映月》，直令一位国际音乐大师当场拜伏的事例，就充分说明了这个问题。如此说来，中国音乐也不是不注重“充实”的。中国音乐能否表现“壮美”的事物?的确，从音响丰厚来说，西洋音乐更适合于表现“壮美”的事物。贝多芬的《爱格蒙特》序曲，开始的一个F音是乐队全奏。凡听过此曲的人都不会忘记，这个全奏的F音是何等地震撼人心啊!假若用中国的传统乐队演奏，其音响厚度远远达不到。可以说，中国的传统乐队，无论从音域上，还是从音色的融合性及音响的平衡上，均比不上西洋管弦乐队，但“壮美只是人的心理感受，只要能引起这种感受都可以说是壮美的”。比如说柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲中冲突一段，与中国古曲《十里埋伏》，同样表现格斗时的刀光剑影，你能说谁表现得更激烈些吗?同样，听完全曲后，你又能说出哪个引起的心理感受更“壮美”些吗?诚然，音乐是听觉的艺术，中国的音乐毕竟不符合这门艺术的原始含义。因此，止于至美，还需继续“充实”，当然还是在继承传统(注重情韵)的前提下去“充实”。一个注重“情韵”，一个注重“和谐”，从理论到实践自始至终走的就是两条路，这就是中西音乐差别的根本所在。责任编辑　潘小平三皖讲堂　　安徽文学ANHUI　WENXUE　　三皖讲堂

中西音乐之渊源各异，除了因民族性所产生的色彩差异之外，主要表现于中国音乐注重的是情韵，而西洋音乐注重的是和谐。溯本求源，西洋的和谐源于古希腊、古罗马的数学与几何学的科学性及数理协调性;而中国的情韵则可说是源于先秦诸子的哲学，甚或是源于古代钟鼎的花纹及原始壁画的动物飞腾之象。因为，“飞舞跃动”之美始终是中国诸艺术的主要特色，当代美学巨擘宗白华也认为:“舞”是中国艺术意境的灵魂。归根结底，中西方的宇宙观、世界观的不同，是中西音乐风格形成各异的根本原因。西洋人看世界，是采取科学的、数理性的态度，是“物我对立”的。而中国人则全然相左，如老、庄，认为宇宙是个虚灵的空间，其间只有鼓动“万物”的“气”才是实在的。因此，中国人的宇宙空间意识是人在“虚、空”中，是宇宙的造化;人自在虚空中，“伏仰自得”，尔我不分，浑化为一。中国历史沿袭下来两种美学观点，即“错采镂金”之美与“初发芙蓉”之美。汉以前，艺术美还是“错采镂金”之美;时至魏晋发生了一个变革，提出“初发芙蓉”与“错采镂金”并列。至宋，美学观点转移为“初发芙蓉”较之“错采镂金”更为美。这也是对中国古代哲学的一个发展———既然一个“虚灵的空间”充满了“鼓动万物之生气”，又何必再“错采镂金”呢?还“宇宙”的本来面目吧。所以艺术不再是装饰性的了，而加入了进步的思想色彩了。也因此，建立在以重情韵基础上的中国单音音乐体系得到了进一步的发展(尽管在唐时有向复音音乐发展的萌芽)。“和谐”的概念，中西方也不尽相同。如纯指对感观的刺激来说，中国人认为单音是最和谐的(指乐音)，八度叠置其次，然后是四、五度叠置。这从中国传统民间乐器上也能看到:胡琴的定弦一般是四、五度，特别值得一提的是笙，它的传统发声指法决定了一个“主音”和一、两个“辅音”同时发声，从而形成一个四、五度叠置的和弦。对于和弦西洋人则认为，三度叠置才是最和谐的，至少是半和谐的，而四、五度叠置的和弦反而是不和谐的!其实，和谐应该是相对的。我想，三度叠置的效果并不旨在追求其和谐，而是旨在追求其丰满。如果说，“形式”美是艺术中很重要的一环，对于中国则不然了。固然，也需要和谐，也需要科学，但一切都要服从于“韵味”，服从于“情”。对西洋音乐来讲，“形式”美才是主要的一环。“摹仿自然”与“形式美”本是西方美学思想的两大中心。西方音乐从浪漫主义晚期起，写作技法日趋繁富。其对传统的叛逆大致从斯特劳斯开始，经过德彪西的“质的飞跃”，勋伯格的“异化”，一直到斯特拉文斯基、梅西安、斯托克豪森，技法愈来愈精细，其装饰性因素之多，正可说是前述之“错采镂金”。而中国人更习惯于音乐的韵味，“情”和“韵”始终贯穿于中国音乐的指导思想之中。因此，一切技法(包括写作、演唱、演奏)都围绕着“情、韵”二字进行。是否可以提中国音乐只注重“空灵”，不注重“充实”呢?我认为这个问题需要辨证地看。中国音乐基于中国艺术意境中的空间意识，所以它要“空灵”，重“情韵”。虽然道儒两家“实、虚”分歧很大，但最终都表现了“虚”是最“实”的，是“实”的升华。如此说来，中国音乐是重虚不重实了?否!中国音乐在其发展中，为不断臻于至美，一直在努力克服其音响“不厚实”的缺憾;从民间乐器的沿革看是这样，从民间戏曲演唱的发展道路来看也是这样。唐代的宫廷音乐，其乐队编制之庞大，恐怕今天的西洋人见到也要惊叹不已。但这种“厚实”的音乐到了宋朝就销声匿迹了。当然，在充实方面，西洋音乐更注重科学，无论在管弦乐队的组合音响方面，还是在声乐的发声共鸣方面，均较中国音乐更容易表现。但是，中国音乐却另辟蹊径，没有单在音响等方面下功夫，而是转向丰富的内涵和深邃的意境上面。中国的一个小姑娘用二胡演奏了阿炳的《二泉映月》，直令一位国际音乐大师当场拜伏的事例，就充分说明了这个问题。如此说来，中国音乐也不是不注重“充实”的。中国音乐能否表现“壮美”的事物?的确，从音响丰厚来说，西洋音乐更适合于表现“壮美”的事物。贝多芬的《爱格蒙特》序曲，开始的一个F音是乐队全奏。凡听过此曲的人都不会忘记，这个全奏的F音是何等地震撼人心啊!假若用中国的传统乐队演奏，其音响厚度远远达不到。可以说，中国的传统乐队，无论从音域上，还是从音色的融合性及音响的平衡上，均比不上西洋管弦乐队，但“壮美只是人的心理感受，只要能引起这种感受都可以说是壮美的”。比如说柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲中冲突一段，与中国古曲《十里埋伏》，同样表现格斗时的刀光剑影，你能说谁表现得更激烈些吗?同样，听完全曲后，你又能说出哪个引起的心理感受更“壮美”些吗?诚然，音乐是听觉的艺术，中国的音乐毕竟不符合这门艺术的原始含义。因此，止于至美，还需继续“充实”，当然还是在继承传统(注重情韵)的前提下去“充实”。一个注重“情韵”，一个注重“和谐”，从理论到实践自始至终走的就是两条路，这就是中西音乐差别的根本所在。

中国民族器乐艺术论文

学习中国民族民间音乐的重要意义需要从中国民族民间音乐的意义和文化的交流角度答题，并且谈谈音乐对文化的渗透：学习中国民族民间音乐这有助于促进各民族民间音乐文化共同繁荣进步。尤其是在当前世界各民族、各地区民间音乐相互融合的社会趋势下，很多固步自封的少数民族音乐以及一些民族音乐中所存在的脱离现代文明的保守、狭隘的思想将被历史的长河吞并而逐渐消失。它们逐渐消亡的原因在于，中国各民族、各地区民间音乐在本质上不仅仅意味着对古老的、传统的各民族、各地区民间音乐的弘扬与传承，更不是单纯的保存和继承，而是意味着在这一过程中要不断进行新的创造与发展。扩展资料：中国各民族、各地区民间音乐的传承主要表现为各民族、各地区民间音乐的多元性与丰富性。在中国各民族、各地区民间音乐的传承过程中，各民族、各地区民间音乐既需要与世界其他国家的音乐文化保持前进一致性，又要以自己的独特风貌将自身的特殊性与个性化特征在音乐文化艺术中生动地展现出来。

民族音乐学家刘九达先生曾说过一段往事：有一次他坐船回四川老家，忽听得船工唱起了号子，便赶紧掏出本子想记下来。可是船工们一见那个阵势忽然都哑了。其中一位老船工说：“那位先生是同我们闹玩，哪有那样阔气的人来学这不三不四的东西哦!”现如今的学者和歌唱家去“采风”或者没遇过这种尴尬，可是说实在，“场面”上的东西我们见得太多。周强在《石工号子》的封面上写道，他的专辑是“学院派与原生态的对话”，相信这是他多年歌唱实践与思索的感悟。所谓“学院派”和“原生态”，它们之间并没有一条天然的不可逾越的鸿沟。有的“原生态”人以为“原汁原味”才是最好，任何对它进行艺术“加工”都是对它的“污染”。而“学院派”又往往被人指责“高高在上”，对业余的民间的东西不屑一顾。其实这都是“鬼不吃蜡烛屎――人做出。”“原生态”无非就是民间的东西，它既不会一成不变，甚至不可以复制。你以为侗族人平日唱的“大歌”与央视演播厅里表演的“大歌”是一样的么？傻！说白了，后者也是对前者的一种“加工”。艺术加工并没那么可怕，“源于生活，高于生活。”永远是艺术的法则。胡松华唱《草原赞歌》以及滕格尔唱《天堂》不都一样经过了“加工”的么？牧民并没指责

音乐是人们澄静的心声，是自然空灵的天籁。 世间有那么多的乐曲，但恐怕只中国古典民族音乐能将其中的真谛尽数彰显出来。 何尝不是如此！那宫廷音乐，少了清新，多了奢华；爵士乐，少了柔美，多了繁杂；流行音乐，更是少了超然，多了浮躁。 而中国古典音乐，至高，至圣，至纯，至美。绝不张扬，却声声柔亮，潜入人心。绝不神秘，却层层深入，别有洞天。它不求太多，只愿将中国古典传播流转，正因如此，无论黄土高坡，还是江南水乡，都有了它的存在。 静坐竹亭，弹奏古琴，想必古人便是在这种情境之下弹奏出那一曲曲的清音雅韵。 爱古曲，爱高山流水之通灵，渔舟唱晚之闲适，二泉映月之绵长，阳春白雪之圣洁。 赏民乐，赏梁祝之哀婉，关山月之豪放，姑苏行之明快，雁落平沙之悠扬。 而这些都是由中华五千年来的文化积淀所传承孕育的。渔歌唱和，流水清音，亲友别离，追忆斯人，人与自然相呼应，自然与文化相融合，中华民族几千年来的文化底蕴都融入了古典音乐，传递所思，所感，所想。洗礼着人们的心灵，诉说着别样的文化……“中和”之美是一种以“和谐”为本质特征的审美类型，其主要特点表现为意蕴含蓄、典雅，情感力度适中，文与质、情与理等各种因素和谐统一。 　　中华民族是以儒释道互补为传统文化基础的，受先秦“尚中”“尚和”和孔子“中庸”思想的影响，“中和”不仅是中国传统文化思想的根本精神，也是中同传统文化的丰要思维模式，从诗词文章、书法绘画、园林建筑到音乐戏曲等等，都受到“中和”精神的深刻影响，并都放射着“中和”精神的光芒。 　　统观我们高中音乐鉴赏的教材，凡人编的中同传统音乐，从古琴曲到古琴文化，从甫代歌曲到唐诗宋词，从民歌到民间器乐曲，随处都能找到“中和”之美清晰的影子。 大学音乐鉴赏论文音乐是生活不可缺少的一部分，学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习欣赏音乐是一门很重的课程！在这门课程的学习中学到很多东西。一． 对中国古典音乐的认识在这课程的学习过程中在一定程度上了解了中国的古典音乐，体味到了中国古典音乐的美。笛声的清脆，箫声的深沉，琵琶的铮铮之音，这些我们都从中感受到了华夏之音的美妙，体味到古典的魅力所在。中国的古典音乐是以五音--宫商角徵羽为基础的，中国古代的音乐大家创作了中国独特的音乐形式如今在民间十分流行的是唢呐这种乐器，无论民间的喜事还是丧事唢呐都是一种不可或缺的乐器之一。唢呐作为我国传统的乐器我国的音乐大家创作了优秀曲子如《百鸟朝凤》堪称经典。在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。二． 对西方音乐的认识《命运交响曲》堪称经典，历史上表现命运的音乐很多唯独只有贝多芬用选取了敲门声来表现命运，一声声短促而有力的敲门声显示出生命力的旺盛和与命运抗争到底的决心。“命运”这一主题在贝多芬的演绎下有了另一种境地，成为了历史上无人挑战的经典。同时在这门课的学习中还有欣赏了幽默曲、圆舞曲等，其中印象深刻的是对幽默曲的欣赏，不但一定程度上了解了这个时代的音乐更是在这些艺术家的身上学到了追求理想的不放弃精神和为实现目标不断奋斗的高尚品格。三，传统音乐与现代音乐中国是有着悠久历史的国度，其音乐的发展历史更是一部丰满的史诗。在当今的乐坛最受年轻人欢迎的是Rap音乐，其中周杰伦便是一位现代音乐的代表人，但是即使在人们看来如此现代的音乐人，在他的音乐里我们依旧可以看到传统的音乐元素，如在《菊花台》，这首曲子的结尾用的便是我国云南的传统乐器葫芦丝。再如当今的年轻人所喜欢的歌曲《苏三说》与《One Night in Beijing》更是大胆的吸取了我国传统艺术京剧中的音乐元素，受到人们的欢迎。回归传统是一种趋势，我国是有着深厚文化底蕴。立足于传统并且与现代的音乐元素相结合进行创新这是一种必然。有我国“西部歌王”之称的王洛宾先生是将传统音乐用现代音乐元素演绎的典范，他创作的歌曲脍炙人口，在广大人民群众中传唱。四． 音乐对人的影响音乐由人创作自然表达的是人的情感，音乐的欣赏着便是要在欣赏音乐的过程中体味创作者的情感，从而达到人与音乐的共鸣。《义勇军进行曲》，中国人民内心的坚决，顽强的意志，作曲人满怀的崇高，神圣，庄严都融进那雄壮的旋律之中，无论何时何地听到都热血沸腾，充满希望，让听者蓦地升起对崇高的一团敬畏与仰望。又如在欣赏陈钢、何占豪创作的小提琴协奏曲《梁祝》中，我们可以深刻的感受到梁祝二人真挚的情感，音乐主要以“草桥结拜”、“英台抗婚 ”、“化蝶”为情节展开，大提琴与小提琴交相互应的音乐形式让人印象深刻，欣赏者可以从中清楚的体味主人公的情感。伴随着社会的发展与进步，音乐在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。在日常生活中我们可以深刻的感受到音乐的意义所在。在情绪低落时适合听激情澎湃的音乐如交响曲与进行曲，在心情烦躁的时轻音乐是不错的选择能让人平静下来，认真的思索。五音乐与素质教育音乐的最大功能是从精神上让我们超越有限的生命的围墙，把视野投向另一个关于美的音乐世界。她最奇妙的力量在于让我们日益漂泊的灵魂有回家的感觉，扩充我们生命的宽度和深度，寻找到生命的精神支柱，找到灵魂的归属。近年来，我国大学一直在提倡素质教育，其实是在追求自然科学教育和人文艺术教育的平衡。素质教育建立在和谐教育对素质的全面理解上。因此，素质教育本质上应该是面向全体学生的教育。在这个充满竞争的世界，在这个信息化的时代里，每个人都应该从各方面全面的提升自己，而通过各种科学有效的途径，成为“有理想、有道德、有文化、有纪律”，德、智、体、美等全面发展的社会主义事业建设者和接班人。素质教育其中一个要义就是德、智、体、美的全面发展。于是，我国的各个大学正逐步向综合性大学发展的同时，尤其注意了艺术教育的发展。在大学课程里，艺术不再只是艺术系学生的学习内容，也纳入了普系的教程，艺术成为公共必修课程。当代大学教育中强调素质教育是我国社会经济不断发展的要求，而艺术教育的关注正是人类感情的关注，作为一种意识形态，作为一种感情重要的存储和表达方式，艺术教育为实现素质教育的总体目标提供了生动的教育手段和教育内容成为受教育者最易接受的、最有活力的一种教育形式

尽管中国民族音乐与流行音乐之间存在着某些矛盾，但是我们却也能发现它们之间一些微妙的联系。首先，流行歌曲脱胎于民歌。也可以这样理解：民歌是过去的流行音乐，流行歌曲就是今天的民歌。如上世纪八十年代初邓丽君演唱的一些歌曲则是由民间小调为素材创作的歌曲。而在其他的流行歌曲中也有相当的体现。由此可以我们知道，民族音乐凝聚着中华民族的伟大精神和民族艺术的精华，体现了中华民族的意志、力量、智慧和追求，是流行歌曲用之不竭的源泉，流行歌曲只有扎根在民族音乐的土壤里才能获得更为顽强的生命力。其次，民歌借流行歌曲元素焕发生机。民族音乐元素越来越被流行歌手所重视，当周杰伦、陶喆、王力宏的流行音乐里开始引用民族元素，当腾格尔红遍大江南北，当“女子十二乐坊”倾倒海外的时候，一些人发出“民族音乐迎来了春天”的欢呼。也就是说，流行音乐用现在的配器手法和演唱方式从另一方面来表现民歌，让更多人重新认识并喜爱古老民族，也使传统民歌的古老生命力焕发生机。很难说中国民族音乐与流行音乐之间的联系是一种必然，也很难给中国民族音乐和流行音乐的关系一个完整的和正确的定位。中国民族音乐存在了数千年，随着历史的变迁以及各个历史时期人们的意识形态不断的发生变化，民族音乐也随着发生变化和发展，而且一直都在扮演着一个非常重要的角色。它不仅反应了不同历史时期人们的精神面貌，也用音乐这个特殊的方式记载着不同历史时期人们的日常生活和人文背景。可以文说，中国的民族音乐经过几千年的发展，已经形成一个特点比较鲜明的体系。而中国的流行音乐尤其是所谓的“新潮音乐”则可以说是在西方强势文化冲击下的派生物，众多音乐人可以借助这种音乐的形式来表现生活和情感，有时也显得很切近人们的生活和情感世界。从当前来看，我国的民族音乐与流行音乐长期来在很大程度上都处于一种相互争斗、相互排斥的状态，而随着各自的生存空间的扩展需要，它们又不可避免的走到了一起，一种相互依存的关系已经慢慢建。立起来。 Baidu文库当今，中国的流行音乐开始与国际接轨，港、台、内地三地的流行音乐差异日益缩小，在这个时期，古今的碰撞、中外的结合都汇集到一起。但受整个社会大环境的影响，中国的流行音乐从商业上看是繁荣的，但是从文化上看，是贫穷的。而少数民族音乐元素与流行音乐的结合更是一个长期的课题，如何把民族的真正变为世界的、把民族音乐元素巧妙地与流行音乐相结合，还需要广大的音乐人不断尝试、共同努力、共同探索，使我国民族化的流行音乐作品在世界乐坛上独树一帜

民族声乐论文

中国现代民族声乐唱腔艺术传承了几千年来中国传统民族声乐的唱腔风格与技巧，是中国唱腔艺术的延流与新发展，形成了“依字行腔，字正腔圆”“以情带声，声情并茂”的特点。 　　关 键 词：民族声乐 唱腔 特点 　　 　　中国现代民族声乐唱腔艺术是经过长期的艺术实践而建立起来的一种以中国文化为背景，以民族语言为基础，以科学发声为原理，并代表着民族气质、民族个性以及广大人民欣赏习惯、审美标准的中国式歌唱艺术。它传承了几千年来中国传统民族声乐的唱腔风格与技巧，是中国唱腔艺术的延流与新发展，是能够充分体现“中国特色”的歌唱艺术。其特点主要体现在以下几个方面。 　　 　　一、依字行腔 字正腔圆 　　 　　中国是一个多民族的国家，因疆土的辽阔、地理环境的复杂、社会经济历史等多种原因，形成了各种各样的方言。而各地的声乐作品一般都会用当地的方言演唱，这使得各种唱腔因地方语言的差异而具有个性化的音色和特有的地方民族神韵。如用粤语演唱的声乐作品，唱腔常用鼻音而显得厚重；吴语演唱的声乐作品，唱腔因促声而显得轻巧。中国民族声乐唱腔艺术区别于其他国家最显著的特征就是中华民族语言的发音规则及吐字方法，这其中又以汉语为主。复杂的汉语言体系中辅音较多，且发音部位较靠前，这就决定了民族声乐的唱腔明亮甜美、纤小动人。“依字行腔”才能做到“字”正，只有“字”正了，“腔”才会“圆”。也就是说，发音吐字是“字正腔圆”的根本所在。而民族声乐唱腔把“字”分为了“字头”“字腹”“字尾”三部分，并要求字头咬紧、字腹要圆、归韵要准，从而达到“声、韵、调”三者的有机结合，做到唱腔语言字头清晰、字腹圆润、归韵准确，声调抑扬顿挫。 　　中国现代民族声乐唱腔的特色之一在于“咬紧字头”“咬准字头”，但又“咬而不死”

浅谈声乐艺术二度创作的要素声乐是一种表达情感的艺术，演员需要通过作品来表达自己的情感。因此，对于一位演唱者来说，要对作品进行二度创作，激发内在感情和外在表情，让歌曲的情绪感染听众。如果一个演唱者的能力强、水平高，作品所带给观众的感觉是非常美好的。相反，如果作品好，而演唱者水平却不够高，演唱组合再努力、再用心，成功的可能性也很小。演唱者是要通过声音把作品的内涵、情感成功地展现在观众面前的，因此被观众接纳，所以，作品的二度创作至关重要。一、什么是二度创作在音乐艺术的创造活动中，音乐创作，即作词、作曲是第一个创造过程，称一度创作。音乐表演，是第二个创造过程，不仅把乐谱上的记载和基本情绪相对，而且在演唱中揭示出了作品深层内涵，显示了自己与他人不同的艺术个性，从而使作品因其演唱而增色的声乐表演就称作二度创作或者叫做再创作。如果说一度创作称为盖房子，那么二度创作就是房子的装修，也是演唱者所能够征服观众的重要手段。二度创作是沿着一度创作主旨方向上的创作，是因演唱而加强一度创作主体的感染力，而不是削弱或改变主题。其次，二度创作应该尊重一度创作的时代背景和民族、地域风格。再者，就是二度创作方案一定要在自己的技术能力许可的范围之内。二、二度创作在声乐演唱中的要素忠于一度创作思路的内容与情感。二度创作绝不是任意、自由和无限制的，它有一个原则和范围。这个原则和范围也就是一度创作和二度创作之间维系的一种辩证统一关系的纽带。因此，二度创作的首要原则就是：必须在一度创作规定内容主体的范围内活动，即不能离弦走板，歪曲内容和作者的基调，违背作者当初创作的初衷。演唱者在演唱一首歌曲是在“解释”原创作的基础上，还要善于在自己的意识中反映出不同的感受。从音乐创作过程来说，作曲家对社会生活的体验通过乐音、歌词加以表现，他们总是或明或暗，或直接或间接地通过音乐作品，抒发对时代生活的感受和种种以情感为核心的内心体验。每首歌曲都凝聚着作曲家的强烈思想感情，作曲家的深情厚意蕴藏在每一个音符之中。特别是由于音乐是以抒发情感为特点的艺术，因此，对作品的内涵与情感的把握就显得更为突出。歌唱者要在诗歌主题和一朵朵音符的花丛中，引发自己的感情，并引申这种感情。歌唱者对歌曲的感受越深，在演唱时的表达则越纯真、越完美。情感想象在声乐中的运用音乐是一种情感艺术，音乐的魅力在于能给人一种驰骋想象的空间。要丰富演唱者的情感体验，就应在实践中充分挖掘音乐形象的情感因素，引导他们由浅入深地去体验音乐的情感。挖掘音乐情感应当引导他们对音乐作品的节奏、旋律、和声、调式和调性有全面了解。从节奏方面看，要掌握好舒展的节奏使人沉静，激扬的节奏使人振奋，战场上催人奋斗的战鼓与节日欢庆的锣鼓都向我们表明了不同节奏所具有的作用。挖掘音乐情感不能忽视音乐的表现手段(速度、音高、力度)对音乐的情感起积极作用，从而懂得表现激动、兴奋、欢乐活泼的情绪是与快速度相结合的。田园风格的比较抒情，则往往与适中的速度相配合，而赞歌、挽歌、沉痛的回忆等则大多用慢的速度。也就是说，同一曲调用不同的速度产生不同的情绪，将生活经验与音乐作品的表现手段联系在一起。掌握作品的风格，突出个性的体现。任何歌唱者，要唱好歌，不能没有良好的演唱技巧和对作品的二度创作。这就要求表演者不仅对音乐作品有自己独到的解释，并且还能够根据自己的条件和特长，找到最适合于自己的表演方式，从而形成独特的个人表演风格。在自我认识的基础上，重新去诠释作品。当然，这种个人风格的体现，决不能失去原作的风格色彩，掌握歌曲的地域、民族风格特点是十分必要的，谁也不应把延边地区的歌曲唱成西藏民歌，把群众歌曲唱成京戏；也不能把俄罗斯的浪漫曲唱得像德国的艺术歌曲。个人风格的体现是在忠实于原作艺术色彩的基础上，发挥表演者的创造个性，是音乐表演的真实性和创造性的结合。声乐艺术中情感的运用是基础，技巧是手段，二度创作是二者的完整统一。只有这样，声乐才能提高到艺术境界，才能感染人，才具有美感。二度创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。作为声乐演唱者一定要好好学习和积累各方面的知识来为作品的二度创作服务。这样，我们的演唱才能打动听众，声乐演唱的艺术道路才会越走越宽。

选浅谈声乐表演中的声情关系吧，这个是民族的，那个是美声的

中国民族音乐史论文选题

论文题目：古典吉他演奏中国民族音乐的实践选题的依据和意义，研究的主要问题，拟达到的目的：选题的依据和意义：有着悠久的历史传统中国民族音乐，是中华民族传统文化的重要组成部分。古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。被认为是吉他艺术的最高形式。古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。近年来，不少国内外的吉他演奏家都为古典吉他改编过中国民族音乐，其中不少作品取得了很高的艺术成就享誉国内外，不仅为古典吉他的曲目风格拓宽了方向，也为中国民族音乐的传播起到了积极的作用。研究的主要问题：(一)中国民族音乐的特点和风格。1、中国民族音乐的形态。2、中国民族音乐的种类和特点。(二)古典吉他的特点。1、古典吉他的音色，和声等特点。2、古典吉他的演奏技巧特点。3、古典吉他不同民族曲目风格的列举。(三)分析古典吉他演奏中国民族音乐的实践。1、列举古典吉他演奏中国民族音乐的乐曲。2、分别对乐曲改编前后的各种特点进行分析，对比，从而剖析古典吉他演奏中国民族音乐的可行性和特点。研究方法、研究步骤：方法：1、到图书馆或上网查询相关资料，并下载曲目和曲谱。2、总结归纳与同学交流，并视奏相关曲目。3、由论文指导老师指导并与同学讨论。步骤：1、收集与题目相关资料。2、与论文指导老师交流进行论文写作的展开。3、归纳总结研究结果，撰写论文。以上就是小编分享的关于音乐相关开题报告范文，小伙伴们可以仔细研究其中的内容，为自己的毕业论文寻找一些灵感，更多论文相关内容，请关注本平台，小编会做及时的整理与发布。

音乐专业的论文题目有很多，下面学术堂整理了二十个好写的论题，供大家参考：　　1、多媒体技术在视唱练耳教学中的应用　　2、高校音乐专业合唱训练与视唱练耳的关联互动　　3、公民社会塑造过程中的高校职能研究　　4、冷爵士的艺术风格研究　　5、论歌唱中“声”与“情”的关系　　6、论民族声乐艺术传统的继承与发展　　7、论声乐学习和演唱中心理调适的作用　　8、论西方音乐剧的发展脉络　　9、论中国传统音乐中“和”的审美内涵　　10、论中国近现代声乐演唱发展的多元化　　11、论中国艺术歌曲的风格及演唱特点　　12、浅述抗战时期在重庆创作的音乐　　13、浅谈“微笑”在声乐学习中的重要作用　　14、浅谈西方民族音乐对我国民族音乐的影响　　15、如何将视唱练耳与基本乐理教学相互渗透　　16、如何提高即兴伴奏的能力　　17、印度宝莱坞电影音乐的特点　　18、由中国好声音引发的思考　　19、《试论民歌演唱方法训练与民歌地域风格把握——以陕北民歌为例》　　20、贝多芬钢琴奏鸣曲《暴风雨》第一乐章中减七和弦的使用技法及其审美

中国的民族音乐既有悠久的历史又有无限的生命力，它是最能反映不同民族文化特色的艺术形式，作为民族文化的组成部分，具有坚定民族自信心、增强民族凝聚力与民族自豪感的重要作用。然而，中国的民族音乐在传承与发展的过程中没有得到相应的重视，现状不容乐观，存在着诸多问题。本问就这些问题与现状提出自己的观点与建议，应大力普及民族音乐教育。呼吁广大音乐工作者共同去保护它，发扬民族音乐之精髓。 关键词：民族音乐；传承；发展；普及；教育 目录 中文摘要 3 英文摘要 3 引言5 一、民族音乐的概念 5 （一）民族乐器与民族音乐 5 （二）民歌的异化 6 （三）“民族”狭义的理解为少数民族 7 二、学校民族音乐教育中出现的问题 7 （一）课程设置不合理，地域分布不均 7 （二）理论知识的不足 8 三、拯救方案 9 （一）建立各级政府主管的专门机构 9 （二）保持传统，发掘“原生态”文化 9 （三）通过渗透进别的音乐而宣传自己，加强媒体的宣传 10 （四）均衡发展音乐教育，在低龄儿童和中小学教育中普及民族音乐教育10 结语11 %D2%F4%C0%D6&x=34&y=16