美术方面艺术欣赏论文怎么写好写呢初中

美术方面艺术欣赏论文怎么写好写呢初中

首先需要需要明白，美术鉴赏类文章老师希望看到的是什么，是美术分析＞文学性，也就是说文笔让步于内容。◆艺术鉴赏类文章需要写什么？答：画作的基础分析（包括构图、色彩、内容、流派、时代背景等）你的主观感受，主题的升华构图中常用的有：S形构图、三角形构图、C形构图、对称式构图色彩基本分析要素：明度、纯度、色相内容：简单描述你看到了什么？以及你对内容的猜测，这可能是讲了一个怎样的故事？人物关系是什么？如果是山水画的话，画面是怎么留白的，有没有什么人物？流派：流派有很多，可能不深入了解看不出来是什么流派，但是能不能大概看出是什么时期的？时代背景：给出一幅画，如果不认识，可以先看这幅画的名字，作品名是很重要的提示信息。主观感受：这就跟高中的议论文一样，你对这幅画有什么看法？最简单就是例如《格尔尼卡》这幅画，很简单，如果你不认识这幅画，看一下这个暗调的色彩已经悲伤的元素，你能感受到的不就是黑暗与恐怖嘛？OK，你只需要把你的分析过程写出来，得出你的结论，用自己的话润色一下，不要像是研究报告一样就行了。

美术论文的类别有很多，如：毕业论文、学位论文、学年论文、职称论文等等，面对众多的论文类别，相信很多同学都被绕晕，不知道该怎么写比较好，本文为大家带来了一份万能的“美术论文写作模板与技巧”，轻松解决美术论文怎么写这一难题。　　一、美术论文怎么写——结构框架　　1、总体框架　　一篇完整的美术论文，大致包括这些部分：封面、题目、摘要及关键词、正文（绪论、主体、结论）、参考文献。比较长的论文（比如毕业论文），在正文之前要有目录。另外，还可以包括附录、致谢等几部分。　　2、每部分的要点　　（1）封面：内容一般居中，可以包括论文题目，作者姓名、学院、年级、学号等信息。　　（2）题目：简明扼要地说明你要研究的问题是什么。　　（3）摘要：是对论文的梗概性提炼，字数不宜太多。一般8000字的论文要求，摘要在300字以内。　　（4）关键词：要能够涵盖论文的主题内容，一般3—5个，顺序一般按词条的外延层次排列（外延大的排在前面）。　　（5）正文：一般包括绪论、主体、结论等几部分　　① 绪论：用来阐述论文的研究背景（在何种情况下决定研究这个问题）、研究目的（为什么要研究这个问题）、研究意义（研究出结论能对社会或者对具体某个人或事产生哪些价值）及研究方法。最好能将文献综述写进去（如果是比较短的论文，文献综述可以用几句话简略概括，不用一一列举哪年谁研究到了哪个水平。如果是毕业论文或者想在外面发表的比较长的论文，可以把每一个“前人”的研究成果一一概括性列举出来。但是文献综述也不要写得太细，不然论文查重也就是打假的时候这种疑似高度引用的内容可能会被查重系统标红，视为抄袭）。也可以在绪论中说明论文的整体结构。　　②主体：就是展开3W的过程啦。（牢记what、why、how。）包括“要解决什么问题”“为什么要解决这个问题”“怎么解决这个问题”，其中，怎么解决，是重中之重。你的论证过程是你的论文核心之所在。　　③结论：论证了那么多，有了什么结果呢，就在这里体现。　　（6）参考文献：包括你参考以及引用的各种专着、期刊文章等。需要按照正确的格式罗列出来。　　二、美术论文怎么写——写作步骤　　1、确定论文题目。　　论文写作首先需要解决的问题就是选择一个好的适合自己的论文题目。题目的选择需要结合个人的专业研究方向与手中已经拥有的想法。优先选择自己熟悉的内容与方向，可以节约时间与精力。研读大量与自己的论文题目相关的文献资料，勤思考多总结，保证其可行性。　　2、列好提纲。　　选好论文题目后，不要急于下笔，先整理一份论文提纲。列提纲时要作全方位的考量，多加思考。一定要找到属于自己的亮点，别人写过的东西都是陈词滥调不值得下笔，必须要有新意。根据论文题目整理好自己的写作思路，先主干后枝叶，论文才能如大树般稳固茂盛。　　3、收集相关资料。　　论文的重点在于论据能否支撑你的论点，证明其正确性、合理性。查阅相关的文献资料并加以整理，注意其可信度与权威性，才能使你的论文更具有说服力。将相关材料整合分析，从中汲取有价值的部分丰富自己的论文内容。在收集资料时一定要将其出处记录下来。　　4、绪论与全文撰写。　　事先做好计划安排，合理分配写作时间，才能高效率地完成论文。严格按照自己制定的计划进行写作，切勿拖沓，更不能中断。严格把握论文写作的标准与质量。　　5、整理与修改。　　完成全文的撰写后，根据相关格式要求进行格式修改。以“十年磨一剑”的严谨态度审视修改自己的论文，通读全篇，看能否说服自己。注意行文的思路与结构，乃至每一个标题、每一个段落、每一句话，每一个词。也可以请指导老师指出自己的论文的不足，加以修改。　　以上就是“美术论文怎么写”的全部内容，希望大家看了以上内容，可以轻松写出高质量的美术论文。点击查看>>美术论文其他文章

当我们对高中《美术玩赏欣赏》模块的老师方针和根蒂要求切确以后，接下来即是选择老师内容和确定老师要领。从广义上说，《美术玩赏欣赏》老师内容可以包罗万象，分外是在进来了视觉文化时期的近日，通常可以引起我们的视觉美感和心灵兴奋的形象，都可以成为我们《美术玩赏欣赏》的老师内容。进来21世纪的高中美术新课程，已经不再是只注重呆板美术老师内容，只把经典美术作品作为唯一的老师选择，而是须要美术老师慧眼识珠，随时随地把生存中的图像资源转化为老师内容。显然，这样的高中美术课程对付美术老师发起了更高的要求。 　　在地大人广的国度履行基础教导，为了保险新课程可以大概壮健发展，遵循联合的课程准则编写国家教科书当属根蒂方法。因此，高中美术老师在开设美术模块老师时，遵照《普通高中美术课程准则》编写，又履历教导部察看保举使用的《美术玩赏欣赏》课本，应该是我们的首选。而今，履历教导部察看履历的高中《美术玩赏欣赏》总共有5本，他们分别由5家出版社出版，我们风气上把他们分别称为人美版、人教版、湘美版、山东版和广东版。这些课本各有特色，凝固着许多学科专家和非凡美术老师的智慧和体验，倘若担负高中美术玩赏欣赏老师的老师有条件，找齐这5种分别版本的讲义履行探讨，既是对老师内容的全面明白，也是自己对美术史和作品背景的系统温习，对付担当好美术玩赏欣赏老师的老师不无优点。广东省是第一批进来高中新课程的省份，他们在选用教科书方面积累了一些体验和明白，为此我们专程访问了该省美术教研员周凤甫老师。作为基层的美术老师大局部没有直接选择教科书的机会，明白教科书选择的式样和要求有必然意义。遵循上级要求，教科书的选用因而地市为单位，要以凋谢的心态来选用教导部联合保举的讲义。广东省的美术教科书的选用是选用组织讲义选用委员会，履历各方面意见的回声和综合，最后协商确定本地区选用的课本。选用什么教科书，也从必然程度上回声了选取者的价值取向，作为到场教科书选用意见的个别，分别代表着分别的角度，最后只能是协商治理。既没有可以一本“包打天下”的教科书，也不存在一无是处的教科书，一旦确定了使用的讲义，我们都要发掘自己手上讲义的特点和上风，抓住教科书的主要脉络，并且要主动发掘本土文化资源，融入美术课程老师当中。美术老师内容只有创建在****的体验之上，才有也许成为艺术的学习。 　　深入探讨和知道手上的教科书确实额外重要，我们用好用精用活任何一套教科书，都可以营造出****迎接、学习投入的美术课。这里发挥重要作用取决于美术老师自身。因此，我们有须要全面探讨《美术玩赏欣赏》课本，创建对美术玩赏欣赏老师内容的宏观视野，以利对付老师内容的更好掌握。大概，我们大局部美术老师难以具备这样条件，一些专门长久从事美术史和美术作品探讨的高校老师，他们在这方面有些意见看法颇值得我们参考。就此，我们和广东外语外贸大学艺术学院李于昆老师、以及广东外语艺术职业学院马永建副老师履行访谈，他们在这方面谈了很多富裕引导的意见。 　　马永建副老师的看法：美术玩赏欣赏老师对付高中****具有重要的意义，分外是在近日这样一个视觉文化的时期，对付图像的知道调和读已经展现为文化修养。从前低于文化的知道范畴于文本，历来大量的文化信息蕴藏在图像之中，图像文化和文本文化都是人类文化的重要模样。由于对付图像文化的重视，美术教导也越来越具有重要位置。从前通常人把美术教导知道为学画画，把美术学习看做单纯的技术学习，这是一种误解。美术教导不就是写写画画，美术学习实际上担当文化传承的重要作用，人类史籍的呆板文化有许多内容即是履历美术模样履行传承。 　　在实际老师中我们通常会选择一些美术经典作品，出现出不约而合不谋而合，经典作品应该是视觉文化的聚合展现。美术作品要成为经典务必具有必然条件，最终是在那个时期具有较高的艺术价值，表达了人类的价值观；同时作品可以大概给人启迪，可以大概领悟理解，****履历经典作品的学习可以得到知道六合的根蒂要领。美术教导作为文化传承的意义就在这里。作为老师的美术老师要抓住这些经典作品，帮助****感到俊美的模样、知道图像的含义、知道时期的背景，掌握玩赏欣赏美术作品的根蒂要领，这是我们老师应该治理的重要标题。学习美术和学习史籍有个类似之处，无论是翰墨照旧图像都记录着人类对付自身发展的思考和体验，美术上面的每一次察觉，都也许带来人们对付六合知道的深化，大概这样的知道相对付翰墨越产生动、形象、直观，这恰正是一种大美术的展现。我们的美术学习必然要从课堂走向生存，站在近日的态度去知道经典作品，从而看到艺术离我们并不迢遥，就在我们的生存之中。 　　李于昆老师的看法：人类对付文化的知道具偶尔期发展的特点，由语言时期进来到翰墨时期，近日又来到图像时期，这儿展现了人类文化的发展，因此视觉文化时期夸大图像的意义具偶尔期性。在高中美术课程中我们看到的各类图像，大多数是人类文化的经典作品，在分别的教科书中间出现，因此具有共通性。这些作品同时也是人类文化的二次创造，蕴涵着深刻的人类智慧。作为美术的经典作品通常是一个时期的象征，不光具偶尔期性，而且出现才出独创性，以自己的艺术气概影响社会。 　　经典美术作品都是时期的象征，图像的信息含量极大，我们可以从中解读出分别时期特别的价值观，分别的生存式样，同时也拓展了我们的文化视野，让我们去思考感到人类文化的发展。履历对经典作品的学习，有利于我们的高中****他方今的时髦文化、花费文化的知道，不去粗略的肯定和否定，不会盲对象跟随。 　　以上两位高校专业老师的看法确实对付我们高中美术老师具有必然引导，使我们看到在长远很久人类文化史籍中，美术积淀为一个巨大的宝库，珍藏着我们美术老师的丰富资源。当我们的视觉感官触及到这些人类高雅的漂亮创造，将带给我们艺术的纳福和教导的启迪，高中美术玩赏欣赏模块老师应该说是空间无限，高中美术老师可以在人类美术文化发展和高中美术老师内容之间选择，寻觅更多更好的老师式样。如何在高中美术课堂中让美术文化珍藏放射璀璨光辉，使更多****受到艺术光泽的洗浴和熬炼，确实是艺术老师的老师艺术！由此，我们专程访问了非凡高中美术老师——深圳中学艺术科组长房尚昆老师，他毫无存储地引见了自己高中美术玩赏欣赏老师的体验和明白，总结归纳了高中美术玩赏欣赏老师的常用要领。房尚昆老师发起高中美术玩赏欣赏老师要因时、因地、因人、因课矫捷选择老师要领，分外夸大了美术玩赏欣赏老师的主旨价值，在于抬高****的审美文化素养。“教无定法”在艺术课程中更是如此，勉励老师们勇于实践大胆创造，玩赏欣赏老师的胜利在于美术老师的连续追求。 　　高中美术课程准则关于“美术玩赏欣赏”老师内容的要求指出：“美术玩赏欣赏是运用感知、体验和知识对美术作品履行感到、体验、遐想、分析和区别，得到审美纳福，并知道美术作品和美术形象的活动。”应对老师内容的要求，我们可以把美术玩赏欣赏归纳为三种根蒂种别，并由此衍生出干系的老师战略。 　　第一种是感知为主的美术玩赏欣赏，主要履历感到作品来实现老师方针；第二种是体验为主的美术玩赏欣赏，主要履历****自主探究来实现老师方针；第三种因而知识为主的美术玩赏欣赏，主要履历老师传授来实现老师方针。下面我们主要团结一些高中美术老师课例对干系的老师战略履行分析。 　　1）以作品感到为主的美术玩赏欣赏老师战略 　　美术是视觉艺术，具有充裕变更视觉和触觉履行感知的上风，通常一件非凡的美术作品可以大概无言地吸引****，使内心受到兴奋。因此，老师在履行美术玩赏欣赏老师时，要搜集一些视觉展示成就佳好的美术作品，让****最真切最知道的密切作品、感到作品，与艺术牢牢拥抱。 　　歧有的老师把****带到博物馆、美术馆实地游览老师，这是最可以大概直接感到作品的机会；有的老师把民间工艺品，美术作品直接搬上讲台搬进讲堂，让****直接感到作品。美术老师还可以履历自己在学校办画展的式样，让****直接感知作品，密切艺术。方今有很多高中美术老师具有较强的美术创作能力，把自己创作的作品展示出来，超过对一些是似而非的印刷品感到。 　　以作品感到为主的美术玩赏欣赏老师战略可以分为三种模样：抬高作品展示质量，老师应用今世教导技艺准备精美的课件范画，让****真切感知艺术作品；把****带到作品摆设现场，直接感到原作，如美术馆博物馆游览大概送作品进学校，又有即是高水平的老师在学校举行个别画展；充裕应用较好的仿制品，如二玄社的国画仿真作品、今世艺术的普通生存代用品、民间美术工艺品等等进来课堂。这些老师模样都可以起到让****直接感到作品的玩赏欣赏老师成就，保举给老师们作为老师参考。 　　2）以****体验为主的美术玩赏欣赏老师战略 　　艺术须要心思投入，夸大内心感悟，高中美术老师应该遵照****身心发展的特点，为****提供自主探究和****思考的机会。处在青春期的青年****具有充裕的心思和求知****，我们高中美术课程帮助****确定专题，组织他们应用各类信息搜集式样去明白美术六合，****履历探究性学习体验，形成自己对艺术作品的区别，得到对艺术越发深刻的知道和感悟。 　　在这方面深圳中学房尚昆老师确实创造性地提供了极好体验。他把****组织起来，分组分专题去履行资料搜集和备课，然后在班上展示和陈述美术玩赏欣赏专题内容。采纳这样的要领，变更了****自主学习和探究学习的热情，从备课到讲课的过程给****留住深刻印象。由此得到艺术探索的经历，得到分别平常的艺术感悟，****对艺术作品的知道和表达能力得到磨炼和抬高。 　　3）以知识传授为主的美术玩赏欣赏老师战略 　　经典的非凡美术作品是人类高雅的结晶，作品的诞生通常有着特别的文化背景和动人的创作经历，当这些封存的史籍记录随着作品玩赏欣赏而再造时，会同时带给****以审美纳福，帮助****知道这些美术作品和美术形象。非凡的美术老师作陪美术玩赏欣赏老师，把关于美术和史籍的知识讲活，以至给****留住终生深刻的印象。 　　讲课既是呆板的老师式样，也是对老师的根蒂要求，但也确实是对许多美术老师的挑拨——可以大概动手并非善于动口。我们看到一些语言表达能力强的美术老师，履历自己特别的表达式样，无须动用其他器械和质料可以大概把美术作品和美术史实演绎再现，虽然指望可以大概有更多这样的美术老师。高中美术玩赏欣赏老师倘若有更多这样的老师，****对美术玩赏欣赏课程的兴趣会大为提升。 　　以上对分别的高中美术玩赏欣赏老师战略的举例阐述，看到了分别老师内容和老师要领的组合，也看到分别老师老师气概在各自课堂中的出现，这里绝不是我们高中美术玩赏欣赏老师战略的全部，只是归纳出三种多见的式样，带给我们的应该是老师履行战略的引导。老师有法而无定法，谈到老师战略进来“无定法”的层面，成为我们对老师艺术的追求。

美术方面艺术欣赏论文怎么写好写呢

从以下几个方面来写：时代背景、表现内容、艺术特色、创作意图以及全面的整体评价等方面！

如果你看过很多书 你会发现百分之八十的书其实都是一个桥段 之所以有新书这个概念 是因为局部的修改 范本是个骨架 如果我走在街上看到一个骨架走过来 相信我 找个范本 你的灵感会如同滔滔江水连绵不绝

呵呵 可以直接选择一个方面写 我原来就是这样写的……一下例文 祝你好运　　蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。　　人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。　　这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。　　其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。　　驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？　　有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。　　我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。　　临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》 。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。蒙娜丽莎的手也被称为世界上最美丽的手。　　但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。　　《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。　　关于《蒙娜丽莎》还有一个传说。公元前817年，古埃及有一个叫哈歌布苏的女祭祀，非常美丽，可以预测未来。她为了给法老祈福并获得永生，她自愿被做成木乃伊，葬在胡夫金字塔的石棺中。2003年，考古队开启了她的石棺，可里面什么也没有！他们还发现，墓室墙上的古老文字，是女祭祀给自己留下的预言：她在300年后会复活，然后会有一个来自芬奇镇的画家莱昂纳多把她的微笑画下来，难道这正是达·芬奇画中的蒙娜丽莎？！这种说法很离奇，但愿在不久的将来，真相会让我们释怀。　　这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟，《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。

艺术来源于生活，而高于生活。这是家喻户晓的名言。生活是什么呢？生活是指人在自然界中的一切活动。如：种田、吃饭、旅游、休息等等。艺术是什么呢？艺术 是指人在自然界的一切活动中，对自然现象进行的体验、感悟、提炼、加工，并用艺术的形式去表现它。例如：用音乐去表现高山流水，用绘画中去表现梅兰竹菊， 用书法去表现阴晴圆缺。总之用艺术诠释自然、生活之规律。其目的是：从宏观上说，使人们了解自然、认识自然、溶入自然、人和自然能更好地协调发展。从微观 上说，达到净化心灵、陶冶情操之目的。生活中充满着艺术在生活中，到处都是艺术。从视觉上，我们看到蓝蓝海洋之宽阔、小河流水之细腻、花儿盛开之美丽、春 风抚柳之温心；从听觉上，我们听到惊涛拍岸、高山流水、鸟儿争鸣；从嗅觉上，我们嗅到花儿的清香、从味觉上、我们尝到酸甜苦辣；从肢体上，我们感觉到冷热 温凉、粗糙光滑；我们从这些生活中感悟出美好，感悟出艺术无处不在。但生活是有限的，生活是在自然当中的，不是所有的人都登过喜马拉雅山，不是所有的人都 登过太空；世界太大了，我们没有去过的地方太多了，可这不等于我们不了解喜马拉雅山、不了解太空，因为书本、电视去过哪个地方，所以我们在自然中感受不到 的，可以到书本、电视那里寻找，一定能找到的，这样艺术的资源就更加丰富了，就能为创造更好的艺术做好铺垫。生活不全是艺术现实生活不全是艺术。怎么说 呢？艺术的形成是需要选择、需要取舍的，而不是纯粹地照搬自然。比如说沙子里面有金子，但沙子并非全是金子，要想获取金子必须经过提炼才能获得，而不是把 沙子全部收藏起来。如果把金子比做艺术的话，那么沙子就是自然，我们要想获取金子，就必须要具备获取金子的工具，还要有筛选、分离、冶炼、提纯一整套技 术。我们要掌握艺术就要具备获取艺术的工具和技术，达到技术熟练、精湛，知道怎么去选择，怎么去取舍，从而创造出更优秀的艺术。艺术来源于生活艺术中到处 都体现着生活、体现着自然。艺术来源生活，生活来源自然。生活是千姿百态的，自然是变化无穷的，因此，艺术也是丰富多彩的。在书法中，王羲之的平和，如春 暖花开，风和日丽；米芾的飘逸，如春风拂柳，婀娜多姿；颜真卿的粗犷，如彪形大汉，威猛魁悟；赵松雪的柔眉，如窈窕淑女，丰韵挺拔；弘一的空灵，如禅房入 座，清新幽静等等，这些都是用自然、用生活来述说艺术家心灵的。艺术高于生活艺术来源于生活，却高于生活，艺术是生活的提炼、加工和再创造。艺术家从生活 中提取有价值的、有意义的内容，运用到艺术中去，反过来又充实人们的生活，给人们带来新的享受。作为艺术的表现方法，决不是生搬硬套生活、或者重复生活， 而是有取舍地提取生活中的精华。在这个提取过程中，由于每个人的生活的时代不同、内容的不同、环境不同、感受也不相同等等，所以产生的作品也不相同，正是 这些不同，才能满足不同人的需要。人们站在不同的角度去看审视、品味作品，从中得到美的享受。艺术来源于生活，而高于生活，他们相互依存，相互促进。自 然、生活给艺术提供了肥沃的土壤，而艺术尽情地表现自然，表现生活，并使生活更加丰富多彩。我们在自然、生活中体验到花儿的开放、鸟儿的歌唱、江河的奔 腾、高山的耸立，通过认知，产生感悟，花儿为谁开放？鸟儿为谁歌唱？江河为谁奔腾？高山为谁耸立？抒发我们对自然、生活的情感；把这些情感转换成其他的艺 术形式，如书法、绘画、雕塑、音乐、舞蹈等等，使我们能更好地融合在自然中。美术论文发表

美术方面艺术欣赏论文怎么写好结尾呢

如果你看过很多书 你会发现百分之八十的书其实都是一个桥段 之所以有新书这个概念 是因为局部的修改 范本是个骨架 如果我走在街上看到一个骨架走过来 相信我 找个范本 你的灵感会如同滔滔江水连绵不绝

其实最普片的结尾就是给社会造成了什么风向，给艺术带来了怎样的变化。

非艺术在读大学接受艺术教育的重要性摘要：通过对时下最新美术教育新闻及专家对其问题的看法得出美术鉴赏的教育对非艺术在读大学生多方面的重要作用。包括审美教育，学生身心健康及德育方面的重要作用，以及和文化的紧密关联。正确认识专家的建议，充分认识到艺术教育及艺术创造的重要性。关键字：艺术教育，德育，审美，艺术创造，文化（一）时下有关新闻 新华社杭州1月23日专电（张冬素）今后，浙江省的大学生在校期间必须选修一门艺术类课程，并且要通过考核取得2个学分才能毕业。这是记者从省教育厅获悉的消息。日前，浙江省委宣传部、省教育厅、省财政厅出台《关于进一步加强高等学校艺术教育工作的意见》，出台这一规定的目的，就是为了通过各种形式的艺术教育，以全面提高大学生的文化素质，从而更加自觉主动地推动社会主义文化大发展大繁荣。近几年来，浙江省有关部门一直努力全面提高大学生艺术素养。2006年4月，该省启动以“走近大师、聆听经典、陶冶情操、提高素养”为主题的高雅艺术进校园活动。送进校园的高雅艺术从开始时的交响乐、京剧、越剧，扩展到去年送话剧、绍剧等，让近46万人次学生接触到传统艺术。据了解，今后浙江省将继续以优秀经典剧目为主要演出内容，把交响乐、京剧、昆曲、越剧、绍剧、婺剧等高雅艺术送进大学校园，并在大学生中开展艺术专家学术讲座，普及高雅艺术知识。据介绍，本次浙江省有关部门规定的高校艺术选修类课，分限定性和任意性两类，限定性选修课程包括《艺术导论》《音乐鉴赏》《美术鉴赏》《影视鉴赏》《戏剧鉴赏》《舞蹈鉴赏》《书法鉴赏》和《戏曲鉴赏》，每个学生在校学习期间，至少要选修其中1门，并通过考核取得2个学分才能毕业。浙江省要求高校要努力创造条件开齐艺术类选修课程并计入学分。(二)专家看法 著名教育家这样谈论了自己的感受。我老是引用美国的第二轮总统亚当斯的话，他说我们这代不得不在马背上打仗搞政治，是为了让我们的儿子一代搞数学，让我的孙子一代搞音乐和舞蹈。他不是真的讲自己的孙子，自己的儿子，不完全是这样，他就觉得一个人类的目的性的过程，我们这代不得不骑在马背上搞军事搞政治，军事、政治不是人类的终极目标是过程。为了搞科学，为了搞哲学，最美好的人类还不完全是如此。在这个意义上，艺术的地位不可小看。（三）艺术教育的重要作用 美术教学在现代教育中的现实意义和美术在艺术世界的特殊地位不容忽视的，它是人类的亲密伴侣，它和人类的生活息息相关。马克思历来就十分重视审美教育，要求不但要掌握科学，而且要懂得艺术，认为艺术不仅能帮助人们认识世界，而且能鼓舞人们改造世界，去创造美好生活，他曾说过，社会进步就是人类对美的追求的结晶。美术作为一种视觉艺术有其独特的魅力，而美术教育更是一门教育的艺术，在当今素质教育中起着不可低估的作用，对于培养德、智、体、美、劳全面发展的一代新人具有重要意义。1美术教学的德育作用 五育之中“德育”首位，美术教育融“德育”于一体，美术教学通过描绘祖国的大好河山，欣常优秀的美术作品，使人精神振奋与之共鸣，从而产生强烈的教育效果，例如欣赏董希文的油画作品《开国大典》可感受到作者通过构图、色彩、形式表现出了中国人民从此站起来的信心和气魄，自觉产生强烈的自尊心和自豪感激发高涨的爱国热情。欣赏白石老人的国画作品《却教蜂蝶为花忙》透过蜜蜂在凤仙花中飞舞采蜜的忙碌的情景，颂扬了勤奋劳动的精神，歌颂了普通劳动者的勤劳品质，让同学们不仅体会了生活小景中的高雅景致，也激发了学生对劳动的热爱和敬慕。2艺术教育的美育作用 审美教育对人们的潜移默化的影响，历来被许多人士所认可。我国早在西周和春秋时期，在教育内容上就有德、行、艺的内容，实际上包含了德、智、体、美几方面的内容。封建社会晚期，艺术虽未被列为必修课，但“琴、棋、书、画”却一直作为士大夫阶层文化素养方面自我完善的内容之一，我国著名的艺术教育家丰子恺先生曾这样说过：“能用作画一般的心来处理生活，对付人生则生活美化，人世和平。”此为艺术的最大效用，法国雕塑家罗丹说过，生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。美的事物在生活中处处可见，但并不是每个人都能感受到和欣赏的。只有通学习、培养、训练才能使人的审美意识不断提高。3素质方面的作用 （1）有助于发展人的全面思维一个人必须把逻辑思维与形象思维、科学思维与艺术思维有机地结合起来，才能形成高质量、高素质的健全的思维。小时候有想象力，思维得到了健全的发展，以后才能有更好的创作。玩沙子、捏泥人、看蚂蚁搬家，对孩子来讲都是十分重要的，是一个人在成长过程中的必要的营养素。离开了这些，没有童心，没有童趣，缺乏想象力，就很难培养出健全的人格。（2）有助于培养学生健康、丰富的感情世界 教育不能够离开感情，在教育过程中，教育者和被教育者之间必须以感情作为桥梁，作为纽带，才能产生教育的效果。教育离不开感情，感情最能教育人，最能打动人，最能收到良好的效果。艺术教育的特点不仅仅是以理服人，更重要的是以情动人、以情感人。（四） 与文化的重要关联 艺术课程关注文化，其实并不是现在的事情，因为艺术课程始终就没有脱离文化，也不可能脱离文化。区别在于，过去的艺术教育与文化之间并没有形成一个明确的关系意识，也没有如此理直气壮地高呼着走向文化的口号。现在的则以自觉的态度，高唱着走向文化的进行曲，态度张扬地浩浩荡荡地走进了文化。且让我们倾听那震耳欲聋走向文化的进行曲：“艺术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用艺术形式传递情感和思想是整个人类历史中的一种重要的文化行为。……通过对 艺术课程的学习，有助于学生熟悉艺术的媒材和形式，理解和运用视觉语言，更多地介入信息交流，共享人类社会的文化资源，积极参与文化的传承，并对文化的发展作出自己的贡献。”“艺术是人类文化的一个重要组成部分，与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系，因此艺术学习应视为一种文化学习。应通过艺术教育，使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性，人类社会的丰富性，并在一种广泛的文化情境中，认识艺术的特征、艺术表现的多样性以及艺术对社会生活的独特贡献。同时，培养学生对祖国优秀美术传统的热爱，对世界多元文化的宽容和尊重。”“我国的艺术有着悠久的历史和辉煌的成就，与其它国家和民族的艺术共同构成世界艺术的多元文化。艺术是人类文化的重要组成部分，具有人文教育的功能推荐书籍：《美术鉴赏》陈洛家主编；《美术鉴赏：造型艺术美学分析》作者樊林；《中国民间美术鉴赏》孙建君主编；《中外美术鉴赏》朱旗；戴云亮主编：《中外美术鉴赏十六讲》杨淇主编；

美术方面艺术欣赏论文题目怎么写好呢

美术教学重在激发学生的创新精神 创新是一个民族进步的灵魂，是一个国家兴旺发达的不竭动力。新课程标准中明确要求美术教学要特别重视激发学生的创新精神和培养学生的实践能力。美术教学既是一种艺术创造活动，同时又是一种艺术实践活动，对培养学生的创新精神和实践能力具有巨大的促进作用。激发学生的创新精神，培养学生的实践能力，是根据美术教育的特点提出来的。这种源于美术本体；但又超越美术本体的价值功能，对美术教师提出了双向要求。首先，教师要具有创新精神，要能够大胆投身于改革实践；同时又要激发学生的创新精神，使他们在美术创作活动中能创造性地运用美术语言进行质疑和探索，并且通过多种实践活动来培养、提高学生的审美创造能力。美术教学是一种形象塑造与审美欣赏的特殊文化教育，它不但作用于学生艺术素质的提高，而且还作用于学生人格的完善。要激发学生的创新精神，首先要确立学生实践的主体地位，通过多种手段引起学生的学习兴趣，使之具备主动积极的学习心态，产生执着的探索精神。这就要求主体主动参与，唤起创新，培养实践能力。 要注意学生创作潜能的开发，真正地给他们探索知识，探究问题的空间，既要让学生积极思索，自主学习，发现问题，解决问题，又要让学生大胆想象，敢于标新立异，具有独创性。想象力是人在过去知觉基础上构建新形象的创造能力。爱因斯说过：“想象力比知识更主要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着知识的进步，是知识的源泉”。有了创造性想象的参与，就能借助过去的经验形成创造性的新形象，提出新假设，又在新的层面上进行新的想象。 要发挥学生灵感与直觉的作用。直觉是一种与知觉思维有关的直接观察事物的心理活动，它包括灵感，启示和顿悟，是创新的先导。而灵感又不会长期静止停留，它往往是稍纵即逝。教师要敏锐地观察了解学生接触到美术作品后的系列心理活动变化，由能动思维起动到发散思维启导，再到创新思维结局，让学生迁移知识，进行美术的创造活动。 激发学生的创新，还应当借助具有审美价值的教学内容，创设身临其境的情景，让学生在艺术作品魅力的作用下受到潜移默化的感染，产生创作欲望，表达自身感受。美术教育的创新，追求一种自由、和谐、情景交融双向交流的氛围，不同的学生因其自身的不同而出现不同的审美体验，许多创新的因素就蕴含在其中。 新课程是以培养学生的创新精神为核心的素质教育，它既体现在教育观忘上，又渗透于各个学科的所有教学活动中，这就要求在美术教学中处理好激发学生创新精神，引导学生进行美术创作，让学生创造性地运用美术语言三者之间的辩证关系。学生创新精神激发后的结果之一是进行美术创作活动，而美术创作活动又必须借助于美术语言。 所谓美术语言，一是指造型艺术的基本构成因素，诸如点、线、形状、色彩、结构、明暗、空间、材料等；二是指将造型元素组合成一件完整的作品的基本原理，包括多样统一、比例、对称、平衡、节奏、对比、和谐等。 美术教学过程的情趣性，表现活动的自由性和评价标准的多样性，它为创造活动提供了最适宜的环境。要最大限度地开发学生的创造潜能，就要重视实践能力的培养，使学生具有将创新观念转化为具体成果的能力。1

声乐系论文题目： 陕北民歌艺术研究 陕北民歌的艺术特色 陕南民歌的艺术特色 青海花儿之我见 秦声初探 秦腔音乐特色 老腔艺术初探 长安乐鼓探究 声乐小组课利弊谈 如何构建合理的音乐课堂模式 11．声乐演唱发展多元化 《XXX》作品分析及美学特点 XXX作曲家作品风格及特点 14．（不同时期）某一时期声乐作品风格特性 戏歌初探 高师声乐教材民族化与本土化的回归 欧洲歌剧与中国戏剧的异同 论歌唱中的legat 论声音造型

美术方面艺术欣赏论文怎么写啊初中

水彩画形成于英国，传入我国已有百年历史。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。通常人们只认为水彩画是提高学生造型、色彩及审美能力的重要因素之一，其实在进入现代社会的今天，水彩画技术及其特点还具有许多实用价值。它可以直接应用在工业设计上。例如，建筑（房屋、桥梁效果图设计）、园林（景点、绿地、长廊等效果图设计）、装修、装璜、家具、服装以及工业产品制造设计的效果图等均采用了水彩画技术。另外，水彩画工具简单、价格便宜，使用及携带方便，加之水彩画效果透明、明快、润泽，因而令人喜爱。初中美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中，我首先通过范画、讲解，使学生了解、掌握水彩画的基本方法：干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色，这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混，可以从容作画；缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色，反复接涂下去即成。此法画时比较急，需要学生有控制水分、时间的能力，一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法，有的地方用湿画法。此法有快有慢，表现力强，中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中，应重点传授干湿并用法，以求收效快、效果好。一、指导学生有效地利用干湿并用法，胸有整体，局部画起。所谓胸有整体，是指学生除了要有必备的素描色彩基础外，还要有对画面的整体构想：色彩基调，远、中、近、大层次关系等。局部画起，是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中，绘画范围缩小，水分和时间容易控制，干湿画法并用得当，从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前，可先指导学生做几次静物范画临摹，意在使学生熟悉工具，认识各种画法，体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行：１．起笔要细，形体准确，高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚，暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置，上色时心中有数才能涂色不乱。２．画前先在纸上刷一遍水，目的是让纸吃水饱和，必要时可以刷两遍，这样纸不易干燥，干湿画法便于施展。３．先画背景（一般指衬布），优点是不乱、不花，整体效果好。背景争取一气呵成，整个画面的基调便得以确立。４．画物体时要一个一个完成，这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨，从亮部开始，留出高光后涂淡黄色；未干时迅速涂中间调子土黄色，使之与淡黄色相接自然晕合；趁其未干再涂褐色与土黄色相接，晕合后未干时再涂灰绿色于反光处，或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样，此梨的画面便基本完成了。５．整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理，学会调整画面。前景物体当实，可以用线条来提形（在物体的关键部位狠提轮廓线）；后边物体当虚，尽量在形体和色彩上减弱，以获得层次分明的效果。画面单调的，可适当增加环境色，以增强色彩的丰富感；画面色彩花而乱的，需要在基调的范围内整理，使画面更加和谐。水彩风景写生是色彩写生的重要课题，可以培养学生热爱祖国、热爱大自然的情操，同时也是进一步掌握水彩画技法的极好机会。这部分教学中，构图、起稿、刷水同静物画法一样，但风景画作画顺序的特殊性是由上往下、从远至近、从左向右进行。在写生之前也应指导学生先临摹几张范画，这有助于学生领悟概括自然的三个层次（远、中、近），并能熟悉自然界中各种物体的画法。写生时应在以下几个方面加以着重指导：１．写生开始要先画天空，力争一气呵成，这样整体基调和气氛便已确定，其它景物的色彩应向基调靠近，以促成色彩协调之美。２．待天空色未干时迅速画出远山或远树，使之与天际相接的部分自然晕合。这样既可使远处朦胧、深沉，又符合近实远虚的规律。３．从左到右，每画一个物体前再刷一次水，以防户外气候干燥、湿画法难以进行。例如，水中倒影里的房屋、树木都要趁湿把各种颜色接涂，自然晕合渗化，使倒影里面的形朦朦胧胧。等到全部干了的时候，用干画法轻轻画上几道水的波纹，此时倒影就显得真实生动了。至于岸上的房屋、建筑等宜用干画法描绘，使之坚实、挺拔，并和水中倒影形成鲜明对比。４．主体部分应重点刻画，以使画面具有凝聚力，从构图的位置、色彩明快的程度、形体刻画的入微等方面增强其感染力。在让学生知道自然界分成远、中、近三个层次之外，还应让他们懂得艺术有主次之分。即学生在掌握水彩画技法的同时还要学会艺术处理画面的空间。５．风景画的整理仍是重要的一环。局部画法有利于水分的发挥，湿画法得以充分的利用，但副作用是易“碎”，使整体画面受到影响，故需要从层次和色彩关系上调整一下，画面就基本完成了。二、教学中注意指导学生操作的几个重要环节１．学生欣赏范画，教师要逐张讲解其画法及色彩的运用，使学生了解水彩画的样式、特点，并告诉学生为了保持水彩画的透明、明快，调色时不宜过多，涂色时尽量一次完成，最多也不能超过三次，否则画面就会脏乱。临摹时首先要让学生熟悉工具的使用，以及调色和控制笔中水分的方法。２．带领学生到室外写生时，教师可以先示范一部分景物，边画边讲：应该怎样画，容易出现哪些问题，该如何解决……这样可以使学生产生直观的感受，同时也明确了写生的步骤，掌握各种景物的表现技法。３．给学生改画是教学过程中的一个重要环节。当学生某一部分不会画或画得不成功时，教师廖廖几笔，即令学生茅塞顿开，帮助很大。一个班级那么多学生，教师重点应给哪些人改画呢？我认为改两头带中间为宜，画得较好的学生的画只要“点”上几笔便会大增其色，给大家提供了样板，给中间水平的学生增强了自信心。另一方面帮助画得较差的学生改上一两个物体，如一个苹果一个梨，然后鼓励他们按此方法大胆画其他物体，不怕画坏坚持画完，长此下去必能有所进步。４．将绘水彩画的一般规律编成浅白易懂的口诀，有助于学生尽快掌握和记忆水彩画技法。如画蓝天白云：“水彩水彩一遍水，涂蓝留白免后悔，画上暗部为白云，这样画天才最美。”画近树：“近树先画干，树冠几大片，干湿画远处，深浅画明暗。”画草地：“草地一片绿，冷暖要注意，天地不接实，近处盖几笔。”画小房：“水彩画小房，先涂一遍黄，深色分大面，影子不能忘。

呵呵 可以直接选择一个方面写 我原来就是这样写的……一下例文 祝你好运　　蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。　　人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。　　这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。　　其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。　　驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？　　有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。　　我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。　　临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》 。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。蒙娜丽莎的手也被称为世界上最美丽的手。　　但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。　　《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。　　关于《蒙娜丽莎》还有一个传说。公元前817年，古埃及有一个叫哈歌布苏的女祭祀，非常美丽，可以预测未来。她为了给法老祈福并获得永生，她自愿被做成木乃伊，葬在胡夫金字塔的石棺中。2003年，考古队开启了她的石棺，可里面什么也没有！他们还发现，墓室墙上的古老文字，是女祭祀给自己留下的预言：她在300年后会复活，然后会有一个来自芬奇镇的画家莱昂纳多把她的微笑画下来，难道这正是达·芬奇画中的蒙娜丽莎？！这种说法很离奇，但愿在不久的将来，真相会让我们释怀。　　这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟，《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。

你的美术鉴赏论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？ 老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。论文写作包括以下几个步骤：第一、研究课题的基础工作——收集资料。考生可以从查阅图书馆、资料室的资料，做实地调查研究，实验与观察等三个方面来搜集资料。搜集资料越具体、越细致越好，最好把想要搜集资料的文献目录、详细计划都列出来。首先，查问资料时要熟悉、掌握图书分类法，要善于利用书目、索引，要熟练地使用其他工具书，如年鉴、文摘、表册、数字等。其次，做实地调查研究，调查研究能获得最真实可靠、最丰富的第一手料，调查研究时要做到目的明确、对象明确、内容明确。调查的方法有：普遍调查、重点调查、型调查、抽样调查。调查的方式有：开会、访问、问卷。最后，关于实验与观察，实验与观察是搜集科学资料数据，获得感性知识的基本途径，是形成、产生、发展和检验科学理论的实践基础，本方法在理工科、医类等专业研究中较为常用，运用本方法时要做认真的全面记录。　　第二、研究课题的重点工作——研究资料。考生要对所搜集到手的资料进行全面浏览，并对不同资料采用不同的阅读方法，如通读，选读，研读。通读即对全书全文阅读，选读即对有用部分、有用内容阅读，研读即对与研究课题有关的内容进行全面、认真、细致、深入、反复的阅读。在研读过程中积极思考。要以书或论文中的论点、论据、论证方法与研究方法来触发自己的思考，竭力产生创见，要眼、手、脑并用，要发挥想象力，开拓创造性思维，进行新的创造。在研究资料时，还要做好资料的记录。对新鲜论点，好的见解，要完完全全摘录；对能说明问题，有说服力的论据、好材料，要不加改动地摘录；对过长的资料，可加以简明扼要的概括，对这些资料都要分类整理。　　第三、研究课题的核心工作——明确论点和选定材料。在研究资料基础上，考生提出自己的观点和见解，根据选题，确立基本论点和分论点。提出自己的观点要突出新创见，创新是灵魂，切忌人云亦云。同时，还要防止贪大求全的倾向，生伯不完整，大段地复述已有的知识，那就体现不出自己研究的特色和成果了。根据已确立的基本论点和分论点选定材料，这些材料是自己在对所搜集资料的加以研究的基础上形成的。组织材料要注意掌握科学的思维方法，注意前后材料的逻辑关系和主次关系。　　第四、研究课题的关键工作——执笔撰写。考生下笔时要对以下两个方面加以注意：拟定提纲和基本格式。　　拟定提纲包括题目、基本论点、内容纲要。内容纲要包括大项 目即大段段旨、中项目即段旨、小项目即段中材料或小段段旨。拟定提纲有助于安排好全文的逻辑结构，构建论文的基本框架。