艺术作品论文1000字开头怎么写

艺术作品论文1000字开头怎么写

星期五上午的语文课我们举行了“艺术就在我们身边——第八单元课文朗诵欣赏会”。上场表演的有四个小组，分别是第二小组、第四小组、第五小组和的六小组。 首先上场的是我们第四小组，我们表演的是第25课《伯牙绝弦》。伯牙有陈正东饰，钟子期由魏子淳饰，道具由黎杰君负责，旁白由王宇君做。因为王宇君朗诵得很有感情，所以我认为旁白做的最好。我们的动作、神态表演地维妙维肖，老师、同学都对此赞不绝口。伯牙与钟子期之间的友谊，是多么深啊！他们互相了解，是真正的知音。而在现在，又有多少人可以做到呢？看着看着，我不禁陷入了故事的情节之中。 接下来上场的是第五小组，他们表演的是第26课《月光曲》。皮鞋匠由马炤康饰，盲姑娘由吕齐齐饰，贝多芬由蔡志航饰，旁白由林颖做。因为林颖朗诵得很有感情，所以我认为旁白做得最好。他们的动作、神态同样表演得惟妙惟肖，但是却比我们略胜一筹。动听的钢琴声、清幽的月光、微波粼粼的海面、波涛汹涌的大海……我陶醉了，陶醉在了旁白那极富感情的声音中。我想：贝多芬与盲姑娘何尝又不是一对知音呢？ 最后上场的是第二小组和第六小组，他们分别表演了第27课《蒙娜丽莎之约》和第28课《我的舞台》。虽然他们的表演都比较好，但是却使我哭笑不得。因为他们是即兴表演，所以大部分都是朗诵。在他们表演的同时，我认识了艺术的另一种美，这种美就是朗诵的美。 是谁说过，艺术一定是一场高雅的音乐会、一幅昂贵的世界名画呢？我认为，一句幽默的话语、一片短小的笑话，它们都是艺术，艺术就在我们身边！

【开头】 1、引用名言名句 ①问世间情为何物，直教人生死相许。元好问的确好问，也很会问。他这一问可谓一问问千古。多少年来，有多少人在这个问题上徘徊，又有多少人在付出巨大代价后作出了人生最终的答案。但各家之言却如每个人的脸一样，各不相同。 西施说：“爱情是工具。……” （《问世间情为何物》） ②在中世纪的一个教堂里，一位圣者开始了他的演讲：“我之所以成为圣者，是因为我看破了钱财，我的就是大家的。”悠悠岁月，弹指一挥。在跨世纪时的一所监狱里，一个小偷开始了他的人生独白：“我之所以会成为小偷，是因为我看破了钱财，大家的就是我的。” （《圣者与小偷》） ③美学大师罗丹曾经说过：“美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”今天，受这位富有创新精神的学者启发，我想说：“答案是普遍存在的，对于我们的脑袋，不是缺少思考，而是缺少角度。”许多时候，我们都迷惑于问题的不解或徘徊于多解的选择路口，怎样走便成了心中的疑团，往往举棋不定，左右乱倾，这时，就有换个角度考虑的必要，这样会给你带来更多成功的机会。（《旋转这只万花筒》） 2、巧用书信格式 ①尊敬的孔子老爷爷： 你好！我是你的一个普通子孙，相隔数千年后斗胆写信打扰你，不仅为了向你致上崇敬的问候，而且怀着几个难解的问题急待你的指教。（《给孔子的一封信》） ②可恶的标准答案： 看到你，我实在是义愤填膺。所以，在愤怒火焰的驱使下，我写了这封信来声讨你。答案本是丰富多彩的，可是你却偏偏要戴上“标准”这顶帽子。要知道，就因为“标准”二字，发生了无数的悲剧。以下是你的三大罪状：……（《给“标准答案”的一封信》） 3、借用章回小说笔法 ①“话说天下大势分久必合，合久必分。”当初魏、蜀、吴三国鼎立的时代已不复存在，大江东去，浪花淘尽了往昔的英雄们。而曾经的蜀国的继承人阿斗也变得“乐不思蜀”了，天下已成为“司马氏”的天下。（《三国英雄开会》） ②梁山泊的聚义厅里，现在是灯火通明，人声鼎沸。一百单八位好汉都齐聚在这里，大伙儿都在争吵不休。他们在争吵什么呢？原来梁山泊最近要评选打虎英雄。这个荣誉称号评上就了不得，谁评上了就可以坐上梁山泊的第二把交椅。所以惹得众好汉齐聚在此，争论不休。（《谁是打虎英雄》） 4、巧用修辞 用修辞手法开头，易抒写作者心灵的感悟，引发读者赏读的情趣。如2002年《心灵选择》的开头写道：“如果你选择的是翅膀，你将拥抱整个蓝天；如果你选择的是鳍，你将亲吻茫茫碧海；如果你选择的是四足，你将体味莽莽绿林。而我的选择却是一一牢笼。”用排比句开头，句式整齐，语势铿锵，前后形成对比，既点了题又设置了悬念，促人赏读。此外，2001年高考优秀作文《诚信一一永远的绿卡》一文开头写道：“诚信如春天的第一缕阳光，令人向往；如夏天的一块甜西瓜，含在口中，甜在心里；如秋风从远方送来一片火红的枫叶，引起无限的牵挂；如冬天里飘飞的雪花，为麦田覆盖上一层层厚棉被。”开头运用比喻加排比，状写诚信的价值与意义，表达了对诚信的渴望。 5、抒情法。 即在文章的开头就直接倾诉自己的真情，以点明文章的主旨。常用的抒情法有假设式抒情、对比式抒情和烘托式抒情三种。如2001年的高考佳作《捞起诚信的背囊》开头写道：“如果人生是一趟奔驰的列车，那么诚信便是不可缺少的轮子；如果说人生是一条航行中的大船，那么诚信便是不可缺少的背囊，它将伴你永远前行。”作者运用比喻和对比，从对比衬托中说明了诚信的重要性。又如2002年高考优秀作文《选择的足音》的开头写道：“是什么，倏忽划过心头，留下瞬间华彩？是什么，静静浇灌心田，培植甘甜记忆？是什么，轻轻叩动心扉，带来永恒美丽？是什么，让你的心我的心他的心，一齐奏响那壮美的乐章？一一就是那一个个震撼人心的选择，就是那一次次艰难美丽的选择，就是那一曲曲高唱自己选择的歌儿……”开篇以四个排比问句，引发人们的深思，表达选择对人生的价值和意义，从而抒写了作者的感情。 6、开门见山法。 因为这种开头直截了当，能直入文题，一下子进入写人叙事的场景，或者一下子抓住议论的本质，所以适用于多种文体。如2002年的高考优秀作文《选择中华魂》一文开头“翻看昔日的历史，寻找心灵的无悔选择”，以下便分小标题：1、英雄的选择。2、王者的选择。3、科学家的选择。这样一开头便三言两语直接引入下文。又如2002年高考优秀作文《智慧和思想一一我的选择》一文开头写道：“在完成中学学业之后，我收到了三所大学的招生简章，我必须做出一种神圣的选择。”作者直截了当，言简意赅，以总述引起下文，为下文自己如何在“财富大学”、“权力大学”、“智慧大学”三者之间进行抉择作了总引入。 7、描写法。 描写法即借助于某种修辞或某种描写技法，通过对景物的描写，渲染气氛，烘托氛围，为下文人物或事情的开端做好衬托铺垫。这种方法对记叙文、散文、议论文尤为有效。如2002年高考优秀作文《昭君的选择》一文开头写道：“深深的围墙，明眸的宫女，沉寂的粉蝶，慵懒的梳妆，犹如宫廷的车轮，在昭君的心里缓缓辗过。”文章开头用了四个偏正式的短语，形式工整，用词雅致，描写人物性状的修饰语，形象准确地揭示了人物的特征，为下文昭君明智的心灵选择作了渲染和烘托，使开头的描写和文中的事件有着很好的映衬。又如1997年的全国大作文，有人在题为《白云，水滴》的文章中写道：“蓝蓝的天上飘着一朵白云，白云里是一颗颗的小水滴，是谁让白云高高飘起？是那些小水滴，你挽着我，我挽着你，共同营造那一份自由和飘逸。”文章以比喻开篇，拟人相衬，设问提起，语段极富诗意，为下文比喻我们的社会是一片白云，每个成员是白云中的一个分子张本，启示我们应该共同营造美好的环境。 8、承接话题法。 即文章开头沿着话题材料和话题所提供的思路，进行合理的想象和延伸。这种承接既可以从话题背景语中的结尾处续接，又可以从原材料中截取一点续接。如2001年的高考优秀作文《诚信走访记》开头写道：“好烦闷啊，‘诚信’一直都很烦恼，便不时地发出感叹，为什么要抛弃我？难道时代不同，我也跟着没用吗？不行，我要去找好朋友，让他们评评理去！”尔后，文章编述“诚信”走访“金钱”的故事，揭示了在现实生活中大量存在的金钱交易、权色交易，就连文明纯洁的文化净土也出现了“文钱交易”。开头的巧妙设计，为下文的故事作了科学周密的导入【结尾】1、篇末点题 推理式点题：如“有一颗感恩的心，会让我们的社会多一宽容与理解，少一些职责与推委；多一些和谐与温暖，少一些争吵与冷漠；多一些真诚与团结，少一些欺骗与涣散……”(《有一颗感恩的心》)。 表决式点题：如“可以确定的是，无论前路阳光明媚，或是崎岖陡峭，我会坚定地——痛并快乐着。”(《痛并快乐着》) 展望式点题：如“我，我的未来不是梦！”(《我的未来不是梦》) 感悟式点题：如“她让我懂得了宽容，学会了宽容。”(《宽容》) 2、首尾呼应 （首） 都说生活的船不能没有理想的帆，都说生活的理想就是为了理想的生活，而理想的生活中最快乐的时光，便是梦想的花季。 （尾） 花季中，我希望自己能永远记住先哲的那句良训：生活的船不能没有理想的帆。生活的理想就是为了理想的生活。（《把梦想带给花季》） （首） 有一种光华，笼罩着中华民族的精神家园;有一种火苗，跃动在民族灵魂的奥林匹克山上;有一种烈焰，温暖了绵远的文明情思，那就是友善！ （尾） 我们不能因为屡受伤害就失去与丑恶斗争的信心，因为我们需要守卫我们的精神火种――友善！（《守卫精神的火种》） 3、表达感情和愿望。 如课文《关怀》的结尾：“窗外阳光灿烂，菜花的香气一阵阵扑进教室来，春天这样美好，周总理这样关怀我们，我们感到又温暖，又幸福。” 如课文《十里长街送总理》的结尾：“……灵车渐渐地远去了，终于消失在苍茫的夜色中了。人们还是面向灵车开去的方向，静静地站着，站着，好像在等待周总理回来。” 4、呼唤号召 让我们大家行动起来吧，把爱心带给他人，带给那些失学儿童，带给那些孤寡老人……带给身边的每一个人。当你把爱心献给他人时，你也获得了莫大的幸福。要相信，只要人人都献出一份爱，世界将变成美好的人间。（《把爱心带给他人》）5、巧妙发问 自然的色、自然的香、自然的味、自然的美，这一切都源于自然。自然是伟大的。是神奇的。它与生活是那么的近，那么的紧。品味自然，不就同品味生活了吗？ 不同的话有不同的影响，不同的角度有不同的视野，不同的哈哈镜有不同的成像，不同的心情会有不同的行动，不同的花有不同的花香和样子，不同的评价造就孩子不同的命运。何必要让自己狭小的视角不公地评价一个人、伤害一个人，何必要熄灭风中的烛光，何必要让所有的孩子都成为一个模子里刻出来的无个性的模型？ （《哈哈镜中的我》） 6、引用佳句、歌词 “野芳发而幽香，佳木秀而繁阴，风霜高洁，水落而石出”，15年来，生活让我懂得了放弃！为了我的理想，为了更多的人可以读书，我必须放弃! (《从天空想到的》) 想到这里，我又记起了一位名人说过的一句话：“身边的书多着呢，只要发觉，肯定会学到很多……” （《阅读身边的人》） 佐拉说：“人生――只有两分半种的时间，一分种微笑、一分种叹息、半分种的爱……”在我看来，在我陶醉于欣赏母亲的梳妆中，那一分钟的微笑不是勉强，那一分钟的叹息之后不再是叹息，而是爱的传递，母亲将她对生命的爱，对生活的爱，对亲人的爱融于平日的点滴中，我忘情于其中了…… （《陶醉》） 7、抒情议论 其实宁静就是那么简单，一个浅浅的微笑，一句贴心的话语，一颗能包含一切的心灵，足以使一张紧绷的脸松弛开来，让笑容在人们脸上轻轻地绽开，那笑容就如徜徉在天边的云朵，轻轻地点缀着那片蔚蓝的天，清新而自然， （《从天空想到的》） 春光似海，青春如花。青春是美丽的，美丽的青春在于奋斗，在于拼搏。愿天下的人们都能让自己的青春绽放出花一样的馨香！ （《花样年华》） 8、景物烘托，情景合一 写好作文的重要性： 　赫顿花了近10年时间写成了一本巨著《地球理论》。这本应是地质学上划时代的一个成就，可悲的是，这两卷1000页的厚书，其文字实在是太糟糕了，令人不忍卒读。书的一开头是这样介绍研究内容的：“当我们探寻组成这个地球系统的各个部分，另当我们审视这几个部分之间的一般联系时，一切情况都表明存在着一种特别的，适应于一个特定之目的构筑机制。我们发现一种用智慧建立起来的结构，它能达到一种配得上创造它之力量的效果。”

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艺术作品论文1000字开头

篆刻艺术的欣赏　　中国文化源远流长，而最具传统的中国书画又以诗、书、画、印“四绝”著称于世。其中的印，即印章堪称中国艺林的一株灵草，方寸之间、气象万千。经过历代的流传和文人墨客的继承发扬，如今它已形成为一门篆刻艺术，由于其有独特的实用价值和艺术价值，深受广大人民群众的喜爱。　　我们这里所讲的“印章”，不是诸如个人私印或单位用的公章等具有实用意义上的工艺学概念的工具，而是基于诗、书、画、印，具有精神取向的艺术欣赏的篆刻符号。是人们感悟艺术美的一种形式，因而篆刻作品作为一门艺术受到世人钟爱。随着人们物质生活的丰富和多样化，人们对精神生活有了更高的要求。如何理解和欣赏篆刻艺术作品，感悟篆刻作品的内在精神美，笔者认为可从下面几点入手：一、深入浅出、溯流求源 　　印章一道，始于殷商，兴于秦汉、盛于明清。篆刻印章的鉴赏，简言之，宋元以前以时代论风格，明清以后以流派论成就，重在个人风格。作为篆刻艺术欣赏的前提，我们应遵循“深入浅出、溯流求源”的法则。我们所欣赏的篆刻艺术，从表面上、视觉上感受到的是一枚枚朱红的印迹。然而它却有着丰富的内涵和渊源，它集中表现了中国书法、印学学理、特殊的材质等诸多内容，而后由特殊的人枛枛有着较高的传统艺术修养以及印学修养的人充当主体，使这种形式变成了一种纯粹的审美行为。透过印章的表面，体现出中国艺术家博大精深的审美精神与审美情感，幅射着中国艺术之魂。所谓深入浅出，就是要先从识别中国古文字起，特别是识别篆书字体、结构，观摩陶器花纹枛枛铜鼎器铭文枛枛秦砖汉瓦、封印枛枛竹简枛枛碑文古玺等作为提高欣赏能力的知识积累，培养艺术欣赏的兴趣。因为印章的出现，最初并非因为可爱好玩，而是因为有用。从殷商交换的凭证，到秦汉时代政治权力的标志，它的功能是实用的。唐宋之际，收藏风兴起，于是出现了签藏印、斋馆别号印等，印章似乎跻身于审美领域了。印章发展到明清之际，形制日趋完善，但篆与刻还是有分工的，明代文彭的出现，起到主导由艺术家代替匠人的作用，自篆自刻，跳越了艺术创作的龙门，悠然腾身于诗、书、画之间，在操作上完成了从篆到刻一气呵成的直接创造；在性质上实现了从实用到赏玩的价值转换，从此，篆刻以纯艺术的身份参与到我国的审美历史中。可以这样认为，印章的历史，始于殷商；印学的历史则始于明代的文彭。文彭之后，我国的艺术领域中才有了一个新的独立学科枛枛印学，方才有众多的痴痴耕石的篆刻家，使印章这古老之树春意盎然。　　既然篆刻进入到艺术领域中，那么它的艺术价值就必须具有欣赏性，即“可爱玩”。一方好印必定要“耐玩”才行。而“耐玩”的东西不仅要美，更要有“气味”。绘画求“气韵生动”，而印将“气”、“韵”都落实到“味”上。具体的讲落实到篆与刻的两个过程之中，我们欣赏一方印章，不在乎是闲章还是官印，不在乎是吉语印还是鉴藏印，关键在于：印文、章法、刀法这些要素，因为由此可见到作者的天赋与修养功底。　　综上所述，我们得知篆刻的欣赏要从溯流求源入手，即从了解，认识汉印开始。一般来讲，自刘邦兴汉至魏晋、南北朝这个时期，流传下来的印章从风格到采用的字体，无论形式、内容变化都不大，根据近代印人的习惯，就形而论，一概视为“汉印”。汉印的艺术风格和特征表现在：１、逐渐取消了印的界格；２、印文使用了形体屈满、方正、线条平直、变化有致的缪篆。通过笔画的申张、盘回、增减、挪移、穿插、变形等不同的处理设计，把印面上没有界格的大小、长短和方园不等的印字，根据印的不同形状调理得非常妥贴。３、在一方印章中篆法是表现章法的主要组成部分，使汉印成为肥不臃肿，瘦不枯槁的形态。展现出一副布局严谨、布白匀称、虚实均衡、气势雄壮的构图。通过掌握上述汉印的特征，增加了欣赏水平，最后归纳为鉴赏三部曲，即书法、刀法、章法。概括的讲，欣赏篆刻作品，章法是关键、书法（指篆书）是基础，刀法是技巧。优秀的篆刻作品，首先在视觉上给人的印象是章法即朱白分布，文字结构与整个印文的会意贯通。从其中可以透射出作者的审美观和创造才能。可以说是“方寸之间，气象万千”。篆刻家的艺术素养及悟性跃然纸上。这样的作品，其章法、书法、刀法所蕴含的内质就高，风格也就传统、独特，形式上也就耐人寻味，因而有着源源不竭的生命力。二、超凡脱俗，返璞归真 　　在艺术发展史上，无数事实表明，智者对美的感悟力都是相近的。在基本掌握了篆刻作品的欣赏能力之后，如何深刻理解篆刻作品的功力及内涵就摆在了我们的面前。由于“诗、书、画、印”被称为中国艺术的四绝，所以对印章的欣赏就要扩大提高理论水平，即不但要从印章的表面形式探讨技法、章法，还要借鉴，学习其它艺术的欣赏方法，如观摩书法、绘画、雕塑、音乐、文学等，要阅读这些诸如“篆刻学”、“汉印文字徵”之类的专业书籍，藉以提高个人的艺术修养素质，达到超凡脱俗、返璞归真的境界。所谓超凡脱俗，就是在欣赏印章时注意到作品的情感空间；是浑厚、雄壮还是萧散、悲切，是紧张凝重还是轻松、自由。能够看出作品由疏缓到急促的流变，由外到内的、骤然的、活动点与静态块面的波动，而最终归向原始情感。沃尔特·佩特曾说“所有的艺术都在不断地向着音乐的境界努力”。当时间形式由远近不同的跳跃，表现为有规律的节奏；空间形式由粗砺与优雅、不安与宁静的组合演变为对称、呼应的节奏，我们的美的感受则极为自然地由对音乐的感受移向对装饰趣味的感受。它不但唤起了视觉的欲望，更激发了大脑思维的欲望，从而触发引导读者的艺术想象。这样的作品就达到了“取精用宏、印外求印”的新境界，完成了“追摹古人得高趣，别出新意成一家”的创作过程。这一最终结果也就是篆刻艺术在进行冷静的思考后，通过艰难的风格蜕变周而复始，返璞归真的历程。　　综上所述，篆刻艺术的欣赏，已经涉及到了印章艺术的实质，并以汉印为例，分析了构成汉印艺术的一些基本特征，使人们认识到篆刻何以具有深厚质朴美的原因所在，完成了印章的审美过程。总之，篆刻艺术作为一门专门艺术受到世人越来越多的关注，得到国内外众多爱好者的欣赏，为了便于理解和欣赏，现将篆刻艺术作如下归纳，作为共同的探讨。　　仔细写印，结构严紧。疏可跑马，密不容针。方中有园，运刀稳准。外柔内刚，绵里藏针。肥不臃肿，瘦中有筋。宁拙勿巧，浑厚圆润。快狠奏刀，痛快漓淋。不加修饰，自然天真。小玺神定，巨印雄浑。继承传统，推陈出新。

关于书法和美术赏析的论文 艺术，有着广泛的群众基础。这个基础，其实包括创作者和欣赏者二个方面。近几年来，随着书法创作观念的更新，书法创作水平有了很大提高。主要表现为从过去对书法技法的研究，转向了作品创作主体的书法意识的把握，在艺术思想上有了重要飞跃。从而使作品内涵更加丰富，意境更为深远。于是，书法欣赏也就成为了一个高要求的艺术活动，即提出了一个更高要求：如何去把握作品、理解作品，沟通创作者（主体）和欣赏者（客体）之间的情感。也就是说如何使书法创作水平和书法欣赏水平得到同步提高。而要做到这一点，书法教学无疑是一个重要的必不可少的有效措施。 一、书法欣赏差异之思考 古人言：“书为心画”，一件书法作品的诞生，无疑是作者情感、志趣、意愿的表露，或多或少、或显或隐。而任何一件优秀的书法作品，之所以有强烈的艺术感染力，是因为它借助线条的挥舞，反映了作者独特的精神气格和丰富的内心世界。俄国哲学家普列汉诺夫说过：“艺术既表现人们的感情，又表现人们的思想，但是并非抽象地表现，而是用生动的形象来表现”。就书法而言，黑白相映的作品是静止的，显示的却是一个个活脱脱的生命形象，然而这一切看来都是静止的，需要欣赏者去感悟、去体味。 不同的人情趣不同，爱好不同，加之审美观的不同，导致了书法欣赏的差异，这种差异不是很小，有时甚至很大。一件粗头乱服、率意天真的行书作品，在有人看来可能是草率杂乱的，而一件呆板僵死的楷书作品，在他看来却是端庄俏丽的，至如已脱离实用的功能、真正作为艺术欣赏的草书作品，一般的欣赏者除了只注意到它凌乱的线条之外，实在看不出它更多的优劣。有人说，一千个人读《红楼梦》就有一千个林黛玉的形象，此话千真万确，这一千个林黛玉的形象从何而来，就是从一千个读者各自的想象感受而来，各自修养的不同，加上审美观的差异，就产生一千个林黛玉的形象。其实在其它艺术门类的审美上，都存在这种欣赏上的差异，只不过在书法欣赏中这种差异更大。就书法艺术本身而言，它是高度抽象的造型艺术，一切信息全部蕴含在抽象的线条之中，凭欣赏者去感受。巴尔扎克说过：“艺术作品就是最小的面积，惊人的集中了最大量的思想。”就书法欣赏来讲，从事书法创作的人，这种欣赏差异就小得多，因为其本身的创作实践，就已经积累了这方面的知识，他懂得了书法作品的“美”在何处，以及构成书法美的诸多条件和因素，最重要的是作者掌握了书法欣赏的方法。然而就书法欣赏的群体而言， 书法创作者只是其中的一小部分，而且是次要的一部分，真正重要的广大的欣赏者，是非从事书法创作的广大群众。他们才是书法欣赏的主体。 艺术是为人民服务的，“阳春白雪”也好，“下里巴人”也好，都是给人看的，凡受到广大群众喜闻乐见，引起共鸣的艺术作品，最具有经久不息的生命，亦最能闪耀其艺术价值的光华，书法作品当然不例外。要使书法创作进入一个更高的层次，使这古老的艺术焕发新的光彩，提高创作者自身的水平固然是一个方面，但提高全民的欣赏水平更是一个重要的方面。书法艺术需要走向社会，为社会服务，这点完全建筑在全民书法欣赏水平的提高上。书法的创作水平和欣赏水平必须同步前进，否则，只注意创作水平的提高，而忽视全民的书法欣赏水平的提高，将会使书法艺术逐渐失去应有的观众，实际上也缩小了自身可施展的天地。目前这种现状已向我们敲响了警钟。现在真正欣赏书法的还只在书法界搞书法创作的专业书法家和书法爱好者，非从事书法创作的能欣赏的人还不多，大量的观众还只是一般看看而已。有道是“外行看热闹，内行看门道”，要瞧出门道，就必须懂得入此门道的方法，掌握这方面的知识，而大量的非搞书法的广大群众，他们显然缺乏这方面的知识，对书法的欣赏只停留在“好”与“差”的感觉的层次上，且是非常笼统和模糊的，知其然不知其所以然，更不可能从美学的角度对书法艺术作品的审美特点和价值进行深层次的分析。看来提高人们的欣赏水平，在当今书法创作日益高涨的今天，已到了首要的地位，应该引起全社会的高度重视。 二、书法教学是提高书法欣赏水平之关键 就书法创作者自身而言，不断的创作实践，加上不断的书法理论研究，其自身的欣赏水平亦随之提高，一般地说是较为同步的，就象一句哲言所讲的那样：“心中没有太阳，也就看不见太阳”。自身的创作实践和理论学习，就是一个受书法教学的过程，而对广大的群众来讲，唯一的手段只有通过书法教育才能提高他们的欣赏水平。 问题是怎样的教学方法才能引起他们的兴趣。既通俗易懂为他们所接受，又起到提高欣赏水平的作用，这对广大的非从事书法创作的欣赏者来说，要做到这一点可不是一件容易的事。中国书法博大精深，包罗万象，涉及面很大，书法教学当然不可能面面俱到，而必须有侧重面。有一点必须提一下，即书法教学的重点要放在帮助人“会欣赏”上，要避免那种书法教学就是教人学会书法的方法，而要通过书法教育使广大群众逐步掌握欣赏的方法和内容，真正领略其中的风采。就象我们自己本身不会拍照，但完全可以去欣赏一幅摄影作品，或者说自己不会跳芭蕾舞，但照样能欣赏它的高雅优美，以及领会它内中一个个的故事一样。但必须有一个前提，即必须懂得这方面或与之相关的知识，否则也就无从谈起。 当然，书法欣赏也许有比其它艺术欣赏更难的因素。因为它本身是极抽象的，不象其它艺术，如摄影、绘画等，有一个个具体的形象可直接感受，较易引起欣赏者的兴趣和联想。书法欣赏与其相比，就存在着这方面的差异，这就给书法教学提出了要求，笔者以为下列几点是必不可少的。 1、什么是书法，书法艺术与一般写字的区别；2、书法美的本质；3、书法美的特征；4、书法美的表现形式；5、书法美的创造；6、书法美的欣赏。 就书法教学而言，使欣赏者首先了解书法是最重要的。因为一切都是从先了解开始的，当然欣赏者各自审美观的不同，尤其是各人的文化水平、艺术修养等条件的差异，不可能以相同的书法教育，而得到相同的欣赏水平。这点是永远做不到的，也不要求做到，而是要通过书法教育，努力使这些差异越来越小，这是完全可能的。要提高广大群众的书法欣赏水平，仅仅依靠书法教育也是不够的。或者说，只靠书法教育，其欣赏水平不可能进入很高的层次。因书法欣赏涉及的不只是书法知识的积累，还需要其它文化素养的配合，所以提高欣赏者水平，除了书法教学以外，还需要辅以其它艺术素养的积累。当然书法教学是首要的。 如同书法创作水平的提高，须有一个由浅入深的过程一样，书法教育也必须有一个循序渐进的过程。毕竟书法教学面对的是广大的群众，有很大一部分对书法确实知之其甚少，只停留在书法就是写字的笼统概念上。这样，普及型的书法知识的教育就得放在首位。如懂得欣赏的方法，至如欣赏到什么层度，要逐渐而入。这样的书法教学确实对书法欣赏水平的提高有着极大的意义，否则，盲目的在书法教育中实行“一刀切”，仍然会使广大的欣赏者感到深奥，唤起了他们对书法艺术的深厚兴趣，也欣赏不了什么。就象初学书法，必须先从基础着手一样，先追求基本功的熟练，在此之上再去创新和树立自己的风格。书法教学也必须注意普及型和大众化教育。 如果就创作者主体而言，那么书法教学的意义在于，使每一个书法家和书法爱好者懂得，书法艺术的内容与形式应与当前群众在文化艺术方面的鉴赏水平，爱好和追求大体吻合，而舍弃艰涩朦胧和难以捉摸的意象，转向较为晓达的群体感情抒发。一个时代的艺术的根本目的就是满足一代人的要求，不能为艺术而艺术，要为这个时代服务，要重视书法艺术创作和欣赏的大众化和普及性。书法艺术创作不能脱离时代，也不能脱离人民，这样，作为欣赏主体的普通群众尽管没有高的艺术素养，但对作品却能从他们自身的文化起点加以认识理解和欣赏，否则势必失去大多数的接受者，这样就等于把书法艺术推向孤芳自赏的绝境，这样的艺术创作又有何价值可言呢。 我们应该相信，通过书法教学能使广大群众的书法欣赏水平得到提高，广大群众的欣赏水平提高了，又对书法创作提出了更高要求。而创作水平提高了，反过来又要求欣赏水平有新的提高。不断的循环往复，就要求书法教学在每个阶段都有新的内容，以适应欣赏水平向更高层次发展。 书法教学是一项繁重复杂的工作，基意义十分深远，尤其在书法创作水平和书法欣赏水平存在较大差异的今天，书法教学更显示它的重要性的迫切性，它需要全社会的共同努力，以将书法教学提到一个重要的位置，使书法艺术焕发新的光彩，真正起到弘扬民族文化之目的。 众所周知，审美教育是学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。罗克韦尔 肯特曾说过："艺术的最高目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。 马克思曾引用黑格尔设想的一个生动比喻，来说明人类在创造活动中实现其本质力量叫产生的愉悦：一个小男孩，将一块石子投入水中，他看到水的涟漪不断变大，他欣赏自己的创造，从中得到无比的欣喜……。而到了初中阶段，审美教育更显示出在素质教育方面的作用，这时的学生从原来的快乐、无拘无束、天真活泼变得沉默、羞涩和严肃，他们要寻找一种新的适合表现自我意识的方式，在这个关键时刻，我们如果灌输给他们一种起着心灵感应作用的思想教育---审美教育，就能让学生在美的享受中接受教育，不知不觉地受到高尚，健康的思想感情的熏陶。这种教育的特殊效果，是一般道德说教难以达到的。而到了高中阶段，学生在生理，心理上已接近成热，是准备走向独立生活的时刻，他们的自信、自尊都在增强，他们有自己独立的思考能力，而接触面也更加广泛，他们求知欲强烈，学校教师传授的知识已不能满足他们的需求，他们渴望从各种渠道接受新观念，接受新知识。在这时，审美教育更能发挥其独特的作用，其鲜明的形象性和强烈的情感性正是对感情真挚奔放，形象思维极强的青少年作用是最大的。 但我们同时也要认识到当代的世界正处在一个巨大的历史转折期，学生经历着空前的观念撞击和文化震荡，正如电脑和算盘同在，洗衣机和搓板并存，试管婴儿和恐龙蛋化石共生一样，生活在同一时代的精神并非同代。 在这种观念的影响下，美术也显得希奇古怪。如现代主义的美术，有入说是一种头脚颠倒得艺术。一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。他说："今天年轻的一代和我们这一代投有什么不同。他们也是逐渐懂事，也离家出走，也生孩子。只是顺序倒过来的。"的确，在现代主义和后现代主义的艺术家那里，艺术的含义更加宽泛，既包括美的，也包括丑的：既有善的，也有恶的；既包括物质的，也包括精神的：既有纯实体的东西，也有纯形式的纯数学的东西。 比如60年代，卢卡斯萨马拉斯主要探讨的是人的亲妮行为和暴力强奸。他的作品中弥漫着炽热的性欲和色情主义。似乎全部的作品都被梦魇困扰着，镶饰着欲望，渴望者心醉神迷。 尽管一些现代主义艺术也从不同的方面得到了人们的肯定，但某些作品的形式和内容的确不适合一个中学生。敏感的学生面对着万花筒般的多元观念，往往不知所措，分不清美丑。况且在过去的日子里，我们国家的美育也曾受到极"左"思想的影响，把美和资本主义混为一谈，在十年内乱期间，美育更受到毁灭性的催残，真假不分，善恶颠倒，严重扭曲了青少年的心灵，带来愚昧，粗野，庸俗等不良后果。 同时，随着我国商品经济发展迅速，社会上难免出现许多不良因素，商潮汹涌，文化兵败，伪劣走俏，真金蒙尘。今天，似乎已经到了这样一个扑溯迷离和令人费解的时代。 哲学家不再尊重笛卡儿，黑格尔；文学家不再推崇莎士比亚，鲁迅；艺术家也不再欣赏达芬奇，拉非尔和贝多芬。一台国家级水平的交响乐演出，听众寥若星辰，而一位怀抱吉他，声嘶力竭，似唱非唱的"歌星"却吸引数以万计的歌迷。同样，在美术市场，一些利令智昏的画店，画商更是不吝出资，成批伪造画和名家字画。同时，在我们今天的艺术殿堂中，也似乎愈来愈难以看到人类古代所创造的各种美丽的神话，圣洁的传说，优美的音乐和令人心醉神迷的绘画。而更多的是邪恶，荒谬，仇恨，丑陋。 莎士比亚在《风月通鉴》中曾经写道：人们齐心赞赏新玩具，不理会他们是用旧物捏成，宁愿歌颂镀金的劣货，不愿欣赏盖了灰的金泊。 因此，做为美术教师，我们的任务不仅仅是在课堂上欣赏好一张画，一件工艺品，而更重要的是带动学生能独立的去认识美，有选择的接受新的观念。在我任教的高中美术欣赏课上，我做了以下尝试： 首先，选择优秀的画家，优秀的作品。上课时要先让学生对画家的思想和人格精神有个充分的了解，然后对其作品进行分析时，融入画家的思想和为人，学生在欣赏美的同时也接受了思想教育。要知道一件伟大的艺术品能屹立不倒，不仅仅只有外表的美，而更重要是对社会产生的影响。 如十九世纪最伟大的雕塑家罗丹。艺术在他看来是所谓静观默察，是深入自然，渗透自然。与之同化的心灵的喜悦，是智慧的喜悦，是在良知照耀下看清这个世界而又再现这个世界的喜悦。 学生从中获得审美喜悦，正是和艺术再现世界相对应的，即熟悉，亲切，又陌生新鲜的心灵体现。而对罗丹的大理石雕塑《沉思》，我们会同时浮现双重的现实感：一种是通过洁白润泽的大理石，造型语言等材料和媒介透出的再现形象；另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。这两种现实都在幻觉中产生，从再现形象到客观现实往复多次，构成心灵意象的跳跃感再现。捕捉这样一种大幅度的扩展和变化着的意象，将激起心理，智慧，想象，情意以至人生经验的涟漪，这一精神活动本身"力"图样，体现的恰是梦想与现实，精神世界与物质世界的矛盾。罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验--"这是一个非常年轻，神的张弛，往复，伴随着极度的审美愉悦，呈现为精神上的创造，自由和超越。他在表现时特别注重强调和对比，把眼睛以上从眉弓推向前额，突出入类精神生活最主要的领域，以先声夺人的精神力量去接近观赏者。而下颉到脖颈再到双肩，几乎"沉没"在石座里，"突出"与"沉没"的"秀"，面目俊美的女性头像，她低着头，周围萦绕着梦想的气氛，显得她是非物质的头脑上帽子的边缘，好象她梦想的羽翼一样，但是她的颈项，甚至她得颔都在一块粗大得石头上，好象夹在不能摆脱得枷板中一样，不具形的"思想"在静止的"物质"中花一般地吐放出来，而且用辉煌地光彩照亮了这物质，但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。" 而在现实当中，罗丹对艺术的执著使他自己认为是"教徒"，他在遗嘱中对青年谆谆教导：要有耐心!不要依靠灵感，灵感是不存在的。艺术家的优良品质无非是智慧，专心，真挚，意志。象诚实的工人一样完成你们的工作吧！ 我们应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。一个朦胧中的少女有着自己的梦想，这与中学生多梦的性格是如此的接近，这种心灵的沟通和激发，如电流通过全身，精神上的自由和超越，忽然间犹如脱胎换骨，学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格，尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受，但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。 又如凡高，他尽管只活了37岁，而且是孤僻，自闭，精神分裂．真正的去了解他，了解他的生活，了解他的品格，我想学生会对凡高充满了尊敬。 脾气古怪的凡高从小就不合群，不仅长相难看，有时羞却，有时又冲动粗鲁。他拒绝社会，社会也拒绝他；但他向社会献出诚心，社会仍然拒绝他。他在为古皮尔画店工作时，直截了当地批评顾客的爱好，甚至公开宣称商业实际上是有组织的盗贼集团，于是他被解雇了；他在一家寄宿学校任法语教师，看到了贫苦的学生的生活状况而没有向他们收学费，于是他又被解雇了：他在一座煤矿当自食其力的传教士，把财产分给穷人， 自己粗茶淡饭，衣裳褴褛，教会认为他布道失当，于是他又被解雇了：他满腔热情，一往深情地追求真诚的爱情，但不是被戏耍，被背离，便是酗酒放浪，于是被"解雇"了；他如痴如狂，满怀虔诚的创造绘画作品，却因不被世人理解难以找到知音，于是他又被解雇了。 然而凡高和罗丹一样，对待艺术就象一个虔诚的教徒，他并不太在乎人们是否理解和接受自己的作品，他只是把画画当作宣泄情感的一种最佳方式，并且他有着和雷诺阿一样的追求。"我画画不是使人苦恼，而是使人们快乐。"他在一到信中这样写道。这一点着实令人惊讶，也使人们得以窥到凡高的内心：他就象一个天真烂漫的儿童，尽管生活如此对他不公平。他仍然热爱和渴望生活 他的代表作《向日葵》，作为一副静物画，从它色调，布局，瓶花的特定形成构成，以及笔触的运用，油彩技法上的处理，都是显示出画家对自然，生命，人生的独特情感的体验，传达出一种既热烈又悲伤，既骚动又孤寂的心理情绪。学生只有在充分了解凡高的基础上才能真正体会到这盘俯仰张弛挣扎的向日葵的内在涵义，充溢着张力的新生命在凋残痛苦的旧生命种诞生。学生在欣赏时自然而然地想象到凡高地一生，沉默，欲喊又喊不出来的压抑人生。而更重要的是凡高的这种爱心和渴望生活却永远留在学生的心中。 其次，在进行欣赏教育时，有必要的让学生允分地了解中国的艺术，提高民族荣誉感，长期以来，由于欧洲中心论的影响，由于把科学的发达等同于美学的发达的错觉，中国的艺术跟在西方科学的路子后面，疲于奔跑的追赶，在一定程度上舍近求远，忽略了中华民族的审美优势。 事实上，中国的近百年来科学落后不等于艺术落后，中国画作为一种风格独特的艺术早就与西洋画并起并坐，成为世界上最重要的两大绘画体系。 一，中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。据记载，早在春秋后期，周代都城的政治性建筑"明堂"里，就绘有"尧舜之容，桀纣之像，'以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画．可惜这些壁画因为建筑物的毁灭都已不存于世，但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象，略加色彩的绘画技巧来看，我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。 到了战国以后，随着中国社会的发展，中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式，表现手法，艺术风格以及各种绘画体裁，画家们将书法的结构，用笔运用到绘画中去。以加强绘画的表现力和艺术趣味，形成了具有具有浓厚的民族风格和鲜明的时代特色。它不仅是中国近代，现代绘画艺术发展基础，而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响，日本老画家中村不折在他的《中国绘画史》一书中指出："中国绘画是日本绘画的母体，不懂中国绘画而研究日本绘画是不合理的要求。我想，用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。" 而欧洲的绘画从时间来看，应该是早早承认，旧石器时代，世界上最早的美术品，都是发现于欧洲的西南部与中部。虽然考古学是一门不断发展的学问，但迄今尚无新证物以前无法动摇上述的观点。 到了中世纪以后，由于基督教成为统治国家的精神支柱，这一时代在绘画史上称之为"黑暗的中世纪"。直到文艺复兴时期，新兴资产阶级为了扫清前途的障碍，需要很有说服力的思想武器，他门终于从古人的武器宝库里找到了饱含着现实主义精神和科学理性的古希腊，古罗马的思想文化，从而打出文艺复兴的旗号，正如恩格斯所说："拜占庭灭亡之时抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，在惊讶地西方人面前展示一个新的世界，------希腊的古代：在它地光辉形象面前，意大利出现了前所未有的艺术繁荣。"因此，欧洲的绘画是时而浩瀚，时而干涸，这与中国地绘画地源远流长是不同的。 二、西方文化是以"神"为中心的文化。他们将人的发展归之于神的创造。在他们那里，"神"与"人"是分离的。所以他们习惯于将人与自然，人与社会，主体和客体对抗起来。探索各个领域中纵的逻辑关系，在种与类的基础上区别其层次，力求符合这些关系的客观秩序。 他们是属于哲学美学，叙事诗学，状物画学。 他们写实绘画的焦点透视，像一位独眼巨人在锁孔里看世界，只能老老实实地把看得见的画出来，把看不见的挡起来。他们的安琪尔要飞，只有实实在在地安上一双翅膀，其爱的信息的传达还得借助于一支有形的弓箭。 而中国的文化是以"人"为中心的文化。它以笔墨"线索"作为塑造意识形象的根本要求，并融诗入画，使画的意境，布局，笔墨，色彩完全诗化而成为"无声的诗"。他不仅是中国近代，现代绘画艺术发展的重要基础，而且对我国一些邻近国家的绘画也产生重要影响。因此，中国绘画是属于艺术美学，抒情诗学，写意画学。 中国绘画是多点透视，在游动中看世界，不但能画出肉眼之所见，而且能画出心眼之所见。山前山后，屋里屋外，长江万里，四季花卉，皆可同时纳入画面。 我们的飞天要飞，勿需安装沉重的翅膀便能"乘天地之正，而御六气之辩，以游无穷"，其爱的信息的传达虽然"身无彩凤双飞翼"，却能"心有灵犀一点通"。 一个是"无翼而翔"，一个是"有翼而飞"，哪个更高？ 难怪毕加索反问："在这个世界上谈到艺术，第一是您们中国人有艺术； 其次，是日本人有艺术，当然日本人的艺术又是源自你们中国；第三是非洲人有艺术。除二者外，白种人根本没有任何艺术可言。我最莫名其妙的，何以有那么多的中国人，东方人要到巴黎来学艺术"。 况且有专家认为，中国画是后现代主义的温床。进入90年代，伴着消费的发展，现代主义的热潮在中国迅速降温，而一种打破传统和新潮，艺术和非艺术，雅和俗的后现代主义以游戏的姿态悄然兴起，他兼容性更强，在这里，被排斥的古典艺术又有了自己的位置，并且是以一种游戏的姿态出观：维纳斯穿上了牛仔裤：蒙娜丽莎被戴上一副眼镜，弥勒佛扛起了广告牌等等。在这里，这些艺术既保持着自己的"风和雅"，同时更大众化。 现代主义重视看得见的形式，后现代主义重视道不清说不明的状态，他从东方神秘主义众吸取了信息，而崇尚"天人合一"中国早有"玄之又玄，天机不可泄露"之说。这些被某些学者视为不能用精确数值定量定性的落后乃至迷信的中国古老文化，说不定潜藏着科学主义未能认识的领域和未能解读的信息。 正如古希腊的奴隶制太完善了，所以他的封建社会就不发达。中国完善的封建社会决定了他不可能出现完善的资本主义，而在后工业社会形态中则可能获得充分的发展和繁荣。中国对现代主义艺术有着一定的排斥性，而对后现代主义却有着先天的亲和性。 学生通过多方面的了解，必定会对美术有新的认识，在欣赏美的同时，既自觉的接受了思想教育，也接受了新观念。 以上是我对高中美术欣赏的几点肤浅见解。应该说，这是一个长期的过程，至于效果如何，还是未知之数

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艺术作品赏析论文1000字开头怎么写

艺术欣赏的应该欣赏的是艺术品本身，因为萨特说的还是很有道理的，“艺术家应该完全引退到其作品之后，重要的是他的作品，而不是他”艺术是一种很私人化的东西，私密性是艺术的根本属性，当一个人在欣赏一件艺术品时，他所得到的东西很大程度和作者没有关系，而仅仅是在他自己的认知领域里获得认识，每个个人都获得和其他人所不同的认识，甚至是和作者的意志所无关的认识。可以说，欣赏者欣赏的是他自己，而艺术品如同一面镜子，他只是借助这一外物在认识自己，因而，艺术的私密性这一特点可以说在作者和观者处都得以实现。所以，人在了解一件艺术品时，可以说就是在欣赏，了解其自身。艺术品，只是在引导欣赏者的这种认识的方向，不同的艺术给人不同的引导。关于作者，对于真正“有水平”的欣赏者来说，作者是一个完全不必要的概念，可以说对于整个自然来说，"造物主"就是作者，可是有谁诘问过造物主的身世？这样看来，天地万物都是艺术品，只不过当艺术品有了人的属性的时候，使得我们更加关注“作者”这一概念作者的信息使得我们对于艺术品更加有了某种“偏颇”的认识，使得艺术品的引导性更强，譬如，若不了解梵高的身世和履历，可能很多人都不能为其作品所打动并感觉其伟大。艺术的公共性的问题和艺术的私密性之间是一对永恒的矛盾，但依马克思的说法-----矛盾是推动事物发展的基本动力。。。。。累死了，实不相瞒，本人是为了积累“财富值”才回答此问题，以上观点全为个人见解，你可以对其进行扩展，即可得论文一篇。公共性的问题把握住矛盾论，艺术不能没有公共性，否则对于人本身来说，就是艺术的消亡，具体讨论可以参看现代艺术发展史，即可得知从毕加索起，艺术最后如何和一个马桶或一泡大便挂钩的，艺术的概念是如何被随意化和消亡化，然而这一点和第一段不矛盾，这两者本身就是彼此对立依存的。追问追答

你妹、自己百度不会、我都自己百度交的

了解作品的创作背景及作者当时绘画的心境和生活条件，还可以从作者的绘画风格分析作品，体会作者的创作意图和所想表达的艺术情感，加上自己对作品创作源泉的理解和猜想，进一步引出作品的真实创作背景，最后写上自己对作品的喜爱（尽量写对作品的喜爱）

从以下几个方面来写：时代背景、表现内容、艺术特色、创作意图以及全面的整体评价等方面！

艺术作品鉴赏论文1000字开头怎么写

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关于学习Revit软件心得体会总结我很荣幸的来到北京柏幕进业工程咨询有限公司学习，在这三天的学习里就让我喜欢上了柏幕进业、喜欢这里的老师、喜欢这里的工作学习方式。来到这里学习Revit软件是一次偶然的机会，起初对这个软件可以说是一无所知。对于Autodesk公司的其他热门软件都比较熟悉，而且AutoCAD软件是很熟练的运用，深知它的方便快捷。所以对于Autodesk公司的新推出软件怀着很大信心与强烈的好奇。关于初步学习Revit软件的学习心得体会颇多，现在我可以说这个软件简直让我着了迷，我狂热的爱上了这个好助手，真有种相逢恨晚的感觉。以前工作中遇到的建模问题现在不在那么复杂了而且简便快速了，大大提高了工作效率。看到自己一手在很短时间里做出来的成果很有一种发自内心的成就感。不过首次接触学习遇到的问题很是很多的。为方便系统学习将所遇到问题和解决方法详列如下：1、在画轴线时关于标高的位置确定、数据参数的修改、统一长度，重复划线时的如何快速识别问题。双击轴线就可以进入编辑状态，编辑正确的数据。使用移动、复制等命令辅助完成绘图。

欣赏《蒙娜丽莎的微笑》有感“蒙娜丽莎她是谁，她是否也曾为爱寻觅好几回，她的微笑那么神秘那么美。”曾经风靡一时的歌声，我们都已经淡淡的忘记，现在想起那个微笑，是否你还会去疑惑这中间的迷，是和蔼可亲的温婉的微笑，是多愁善感的伤感的微笑，还是内在快乐的标志？《蒙娜丽莎的微笑》这幅名画，又称为“微笑”。画中的蒙娜丽莎确有其人。她是佛罗伦萨一位富有的女市民。达芬奇刚开始为她画像时，她年仅二十四岁。据说，在此前不久，蒙娜丽莎心爱的女儿刚刚夭折，因此她整天闷闷不乐。为了唤起模特儿发自内心的微笑，画家一边为她画像，一边请人在她身边奏乐，如此这般千方百计引出了这位美人的一刹那的微笑，仿佛稍纵即逝。你看：蒙娜丽莎嘴角微皱，眉宇舒展，脸部则显示出了刚可察觉的微笑。这微笑似乎是从脸上掠过似的，既显示了她内心的激动，又没有失去安详的表情，显露了人物内心深处微妙的心理活动，引人遐想，令人神往。蒙娜丽莎微笑的神秘之处在于：当你注视她的笑容时，先是看到微笑，既而似乎隐去，然后微笑重新出现，过一会儿再次神秘地隐去。 蒙娜丽莎的微笑，有时候让你觉得温文尔雅令人陶醉；有时仿佛内涵哀愁似显凄楚；有时候又略呈讽刺之状，虽则美丽动人却又有点不可接近。这种朦胧又若隐若现的感觉，就是一种艺术吧。

弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 3cm×3cm 布 油彩　　悉尼 新南威尔士美术馆藏　　画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 2×1cm 布 油彩　　利物浦 萨德利艺术博物馆藏　　这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿　　这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《陶醉》 弗雷德里克·莱顿　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 8cm×1cm 布 油彩　　伦敦市政厅美术馆藏　　莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。

艺术作品鉴赏论文1000字开头怎么写的

欣赏《蒙娜丽莎的微笑》有感“蒙娜丽莎她是谁，她是否也曾为爱寻觅好几回，她的微笑那么神秘那么美。”曾经风靡一时的歌声，我们都已经淡淡的忘记，现在想起那个微笑，是否你还会去疑惑这中间的迷，是和蔼可亲的温婉的微笑，是多愁善感的伤感的微笑，还是内在快乐的标志？《蒙娜丽莎的微笑》这幅名画，又称为“微笑”。画中的蒙娜丽莎确有其人。她是佛罗伦萨一位富有的女市民。达芬奇刚开始为她画像时，她年仅二十四岁。据说，在此前不久，蒙娜丽莎心爱的女儿刚刚夭折，因此她整天闷闷不乐。为了唤起模特儿发自内心的微笑，画家一边为她画像，一边请人在她身边奏乐，如此这般千方百计引出了这位美人的一刹那的微笑，仿佛稍纵即逝。你看：蒙娜丽莎嘴角微皱，眉宇舒展，脸部则显示出了刚可察觉的微笑。这微笑似乎是从脸上掠过似的，既显示了她内心的激动，又没有失去安详的表情，显露了人物内心深处微妙的心理活动，引人遐想，令人神往。蒙娜丽莎微笑的神秘之处在于：当你注视她的笑容时，先是看到微笑，既而似乎隐去，然后微笑重新出现，过一会儿再次神秘地隐去。 蒙娜丽莎的微笑，有时候让你觉得温文尔雅令人陶醉；有时仿佛内涵哀愁似显凄楚；有时候又略呈讽刺之状，虽则美丽动人却又有点不可接近。这种朦胧又若隐若现的感觉，就是一种艺术吧。

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弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 3cm×3cm 布 油彩　　悉尼 新南威尔士美术馆藏　　画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 2×1cm 布 油彩　　利物浦 萨德利艺术博物馆藏　　这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿　　这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《陶醉》 弗雷德里克·莱顿　　%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%　　《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 8cm×1cm 布 油彩　　伦敦市政厅美术馆藏　　莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。