关于富春山居图论文范文资料

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出于山居图是一副很有名的画，和当时的《清明上河图》都有的一拼。

《富春山居图》是元朝画家黄公望八十二岁前后创作的富春江山水长卷，是中国长卷美学发展到巅峰的杰作，被后世誉为“画中之兰亭”、“中国十大传世名画之一”。《富春山居图卷》由美学大师蒋勋执笔导读，对画作的美学价值及历史价值进行深度剖析，引领我们赏析浑厚大气的长卷风景，一一解读画卷中的深刻隐喻，娓娓道尽一条河流在历史中的故事，以及画卷背后独特的东方美学和人生哲学。

《富春山居图》，始画于至正七年(1347)，于至正十年完成。虽黄公望晚年定居今富阳市境内,但画卷内容对比宽敞平坦的"富阳江"和山峰峻奇峡谷雄伟的"桐庐江",就可得知,富春山居图所画内容约80%在桐庐境内富春江的景色,20%为富阳的景色. 《富春山居图》是黄公望72岁时为无用师和尚所绘，用三、四年时间才画成，画面表现出秀润淡雅的风貌，气度不凡，以浙江富春江为背景，是黄公望的代表作。明朝末年富春山居图传到收藏家吴洪裕手中，吴洪裕极为喜爱此画，每天不思茶饭的观赏临摹。甚至在临死前下令将此画焚烧殉葬，险在吴洪裕的侄子从火中抢救出，但此时画已被烧成一大一小两段，前段较小，称“剩山图”；后段画幅较长，称“无用师卷”。乾隆年间，一幅富春山居图被征入宫，乾隆皇帝爱不释手，但在隔年又一幅富春山居图进入清宫。前者称“子明卷”是后人伪造；后者是“无用师卷”，这才是黄公望的真迹。但乾隆皇帝认定“子明卷”为真，并在假画上加盖玉玺，并和大臣在留白处赋诗题词，将真迹当赝品处理。直到近代学者翻案，认为是乾隆皇帝搞错了。从而保住了一个完整的无用师卷。“剩山图”今天收藏于浙江省博物馆，而富春山居图“无用师卷”则藏于台北故宫博物院。

画中兰亭

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体验生活，从生活中来，对于生活中某一件事情给与你的突如其来的灵感，加以捕捉，创造，再用艺术的手段表现出来。题目可以：从生活中来，到生活中去，(*^__^*) 嘻嘻……，很平实吧！

欣赏《蒙娜丽莎的微笑》有感“蒙娜丽莎她是谁，她是否也曾为爱寻觅好几回，她的微笑那么神秘那么美。”曾经风靡一时的歌声，我们都已经淡淡的忘记，现在想起那个微笑，是否你还会去疑惑这中间的迷，是和蔼可亲的温婉的微笑，是多愁善感的伤感的微笑，还是内在快乐的标志？《蒙娜丽莎的微笑》这幅名画，又称为“微笑”。画中的蒙娜丽莎确有其人。她是佛罗伦萨一位富有的女市民。达芬奇刚开始为她画像时，她年仅二十四岁。据说，在此前不久，蒙娜丽莎心爱的女儿刚刚夭折，因此她整天闷闷不乐。为了唤起模特儿发自内心的微笑，画家一边为她画像，一边请人在她身边奏乐，如此这般千方百计引出了这位美人的一刹那的微笑，仿佛稍纵即逝。你看：蒙娜丽莎嘴角微皱，眉宇舒展，脸部则显示出了刚可察觉的微笑。这微笑似乎是从脸上掠过似的，既显示了她内心的激动，又没有失去安详的表情，显露了人物内心深处微妙的心理活动，引人遐想，令人神往。蒙娜丽莎微笑的神秘之处在于：当你注视她的笑容时，先是看到微笑，既而似乎隐去，然后微笑重新出现，过一会儿再次神秘地隐去。 蒙娜丽莎的微笑，有时候让你觉得温文尔雅令人陶醉；有时仿佛内涵哀愁似显凄楚；有时候又略呈讽刺之状，虽则美丽动人却又有点不可接近。这种朦胧又若隐若现的感觉，就是一种艺术吧。

答:《富春山居图》清初画家恽寿平在赞赏此图时说：“凡数十峰，一峰一状，数百树一树一态，雄秀苍茫，变化极矣。”这幅作品在元代山水画中确是一幅从真山真水中提炼概括出来的杰作。历代文人都珍视这幅画。据记载，此图在明清两代，曾为许多人收藏。明代成化年间为苏州著名画家沈周收藏，万历年间转归松江董其昌名下，后又为宜兴吴正志所有。吴正志传给他的儿子吴洪裕，吴洪裕爱若至宝，寝食与共，临死前竟将此图投入火中，“殉以为葬”幸而他的侄子吴子文从炉火中抢救出来，但前面已经烧去了一些。吴家把第一节烧剩的部分裁割下来，从此，这一图卷就分成了长短两段。《富春山居图》为纸本水墨画，宽33厘米，长厘米，是元代画坛宗师、“元四家”之首黄公望晚年的杰作，也是中国古代水墨山水画的巅峰之笔，在中国传统山水画中所取得的艺术成就，可谓空前绝后，历代莫及。黄公望，字子久，号一峰，工书法、通音律、善诗词，少有大志，青年有为，中年受人牵连入狱，饱尝磨难，年过五旬隐居富春江畔，师法董源、巨然，潜心学习山水画，出名时，已经是年过八旬的老翁了。黄公望晚年久居富春江一带，他经常身背行囊，内置笔墨画具，但见好景便一一绘下，积累了大量丰富的山水素材。元至正七年（公元1348年），黄公望开始创作这卷山水画名作，通过长时间精巧的构思和数年埋头作画，最终完成了这幅堪称山水画最高境界的长卷——《富春山居图》。这幅画长六米多，黄公望花了三四年时间才得以完成。《富春山居图》以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦起伏，林木萧疏，浅水平滩，坡石沙洲。山石回旋辗转，丛林散布于山下江畔，村落掩映在山谷林间。亭台渔舟、草木树石。小桥飞泉，景随人迁，令人目不暇接。布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界，好一派江南瑰丽的秋天景致。

艺术创作的过程有三个部分，分别是艺术体验，艺术构思以及艺术表现。它们往往是互相穿插，互相联系着进行的。（1）艺术体验 它是艺术创造的准备阶段，是创造主体在长期积淀的审美经验的基础上，充分调动情感，想象，联想等心理要素，对特定的审美对象进行审视，回味和理解的过程。艺术体验的特征：材料的储备和审美经验的积累；艺术的体验和审美的发展，创造欲望的萌动的生成。人对事物的认识多数不是一次完成的，往往需要反复多次，才能把一个事物认识清楚，认识深刻。一幅简单的作品，可事先构思好，“成竹于胸”，一挥而就。但是，多数情况下，特别是比较复杂的作品，是难以一次成功的。例如，达芬奇创作的《最后的晚餐》，为了画好其中叛徒犹太的形象，年复一年的寻找模特，苦心探索，前后用了六年的时间。定稿之前既是表现过程，又是构思过程，以及对生活在观察在体验的过程。（2）艺术构思，它是艺术家在艺术体验和艺术发现的基础上以特定的创造动机为引导，以各种心理活动和艺术表现方式为中介，使艺术意象得以创造的成熟的过程。在表现艺术中，其表现形式不完全固定，每次表演，都可能有所变化。这就需要不断的体验与思考来充实和提高角色的创造。著名戏剧家金山谈到他扮演的一个角色时说，每次排演后差不多都有新的发现和体会。因此要对表演进行不断的修改。这种修改，意味着这一次的体会比上一次又提高一层。（3）艺术表现，它是指艺术意象的物化与表现，或称之为艺术传达活动。它是艺术家将自己在艺术思维中已经基本形成的艺术意象转化为艺术符号，并以物化形式体现出来，成为具体可感的艺术情境或形象体系的过程。演员结合自己的生活经验，艺术要素等，体会其中规定的内容，然后以这种体会作为认识的依据，体现一定的表演形式。艺术创作的任何一个环节，任何一个有实际意义的艺术想象，都是要以丰富的生活信息，即相关的诸多表象做艺术思维和艺术想象的材料。而艺术想象和构思则是这一基础上的一个重要的认识上的飞跃，它产生了质的飞跃和变化。在现代大量的艺术作品当中，我们虽然可以发现大量的、优秀的、感人的、令人百看不厌、百听不烦的作品，但也可以看到很多枯燥的、乏味的、生命力不强的作品。我认为它们最大的区别就在于是不是完全深入了生活，是不是真正的生活体验。已故的曲艺表演艺术家赵丽蓉表演的小品在连续几年的春节联欢晚会上为什么都能受到广大观众的欢迎，除了她的表演功底外，最大的一个因素就是她所表演的作品都是真正地深入了生活的各个方面。如《打假》、《追星族》等等。所以这些作品都是有生命力的，让人百看不厌的。 艺术创作的过程要紧密联系这三点，互相补充依靠，才能创作出好的艺术作品。

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学校通过美术鉴赏程的设置来潜移默化的培养和提升学生的艺术素养，这门课程的设置对于提高学生的综合素质的重要性不言而喻。下文是我为大家整理的美术鉴赏论文 范文 的内容，欢迎大家阅读参考!

浅谈美术鉴赏《大宫女》

《大宫女》这幅油画创作于 1814 年，它的作者是法 国画 家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔。安格尔创作的这一幅《大宫女》和其所创作的其他宫女题材的油画有着明显的不同，这一点从安格尔刻意将这幅作品命名为《大宫女》这点可以看出来。《大宫女》这一幅作品充满着独特的格调，安格尔在《大宫女》当中的用色更体现出浓厚的异国风韵，以及装饰性的美学考量。这一点也促使安格尔的《大宫女》和古典主义的油画美学之间产生一定的差别，无论是颜色，还有其腰身的比例，都和传统的西方古典主义油画艺术规则有所冲突，也正是如此，《大宫女》才能够很好地将观赏者震慑住，使观赏者受到这种美学的吸引，从而构建出独特的美学空间。

安格尔创作的《大宫女》在当时就已经有很大的争议，因为安格尔创作的《大宫女》之中，宫女的体型是如同平面几何一般，并没有充分和现实当中的女性身材比例进行衔接，这一点和西方油画一向来追求精益求精的写实风格之间就产生了一定的冲突。但是，这种夸张的比例，却能够很快地造成视觉上的关注，而且蓝色的背景与宫女的身体颜色之间的冲突不和谐，也造成了非常大的视觉冲击，这种颜色的对撞、人体基本身体结构出现的错位，代表着一种属于安格尔风格的审美。

安格尔创作的《大宫女》首先是一个明亮颜色和冷暗颜色之间的撞击对比。西方古典主义的油画创作过程当中，强调油画画面之中颜色与颜色之间的自然过渡，只有进行恰到好处的过渡，才能够更好地让整个画面进行融合。不过安格尔创作的《大宫女》则不然，整个宫女的背景采用的是冷色调的蓝色，而宫女是裸着身子的，宫女的身体肌肤却是使用明亮的浅黄色，这两种颜色之间，安格尔并没有采用其他的颜色作为过渡。这样一幅《大宫女》的颜色之间就形成了激烈的冲突，这种冲突虽然和古典主义的绘画风格差异甚大，但是却能够给观赏这一幅画作的观赏者留下深刻的影响。

安格尔创作的《大宫女》第二方面的美学特征就是他与众不同的人类身体结构设置。从整幅《大宫女》看，大宫女这个人物形象身体各个基本结构之间的比例是失调的，仿佛是几何堆砌一般，安格尔创作的《大宫女》，其身体躯干的比例远远大于其他身体结构的比例，因此，安格尔的这一幅《大宫女》违背了古典主义油画创作过程里的追求写实的风格，而呈现出一种追求艺术进一步采取夸张的手法，让《大宫女》当中的大宫女形象，以这种看似畸形的几何式夸张，展现出一种独特的美学艺术上的张力。

而且安格尔所创作的《大宫女》还蕴含着一种欲望的美学。因为当时的法国军队和奥斯曼土耳其帝国展开战争，当时最终被奥斯曼土耳其帝国所击败，所以在安格尔所在的时代里，法国在相当长的一段时间创作了许多熟练的奥斯曼土耳其内宫宫女画像，这些目的在于从艺术的角度满足法国人内心的征服欲望。而安格尔创作的《大宫女》，目的就在于以一个奇特的宫女的形象隐喻着奥斯曼土耳其帝国，必然会被法国人所征服，裸体的奥斯曼土耳其帝国内宫中的宫女形象，欲盖弥彰的欲望，通过安格尔以新式的艺术手法，加以渲染和雕琢。同时裸女并没有完全露出自己全部的隐私处，这一点又体现了一种克制和理性，安格尔在这一幅《大宫女》之中，表现了冷静克制与欲望张狂两个方面的精神内涵，并且在绘画作品之中，给这二者找到了最为合适的均衡点，从而将观赏者的欲望以及视觉都进行了恰如其分的安置。

究竟是采用 素描 的方式，还是更注重色彩，这一点在安格尔的艺术创作过程当中，特别是在《大宫女》的创作里，更多注意到了结构上的素描运用。但是，这并不意味着安格尔在《大宫女》这幅作品当中完全就没有关注色彩，与此相反，安格尔在《大宫女》中的色彩搭配以及应用是非常鲜明以及大胆的。

冷色调作为这幅《大宫女》的背景色彩。在大宫女欧达丽丝克的背后是一幅半垂着的帘幕，这个帘幕实际上起到了点缀的作用。一般欧洲古典主义的绘画色彩艺术，主要是注重色彩的过渡和衔接，然而安格尔刻意使用这种冷峻的颜色作为衬底，目的在于表达出一种寂静、理性，这和狂热的女性躯体的暖色调形成了对比，从而演化成为一种对比下的艺术张力。

红色作为另一个重要的颜色，却在对于《大宫女》的色彩美学鉴赏之中，容易被忽略。实际上这种色彩美学是非常独特的，因为安格尔采用了红色作为点缀，让红颜色点缀在大宫女手中的孔雀羽毛扇子的扇柄中。而在欧达丽丝克的脚部，也有一段红色的点缀，那时旁边小桌子的椅脚。这两点都分别对检查在冷峻的背景颜色和柔和的躯干颜色之间，从而形成了一种炽热似火的美感，让人们看到欲望膨胀的顶端，从而与冷峻以及柔和形成了三种不同的色彩艺术话语。安格尔并不刻意去处理这三种颜色的冲突，而是将这三种冲突结合到一起，形成了互相撞击的状态，给观赏者带来很强烈的视觉震撼。

安格尔创作的《大宫女》虽然经历了两百年的时间，但是这幅作品至今仍然是美术界的杰作。安格尔创作的《大宫女》运用了充满冲突和撞击的颜色比对，以及超乎想象的非写实结构，从而让安格尔的《大宫女》给人们带来非常大的视觉冲击，进一步让这一幅画作所表达的欲望与理智更为突出地展现出来。而安格尔在处理《大宫女》画作过程当中所形成的艺术风格，也对后来新古典主义绘画艺术的崛起，提供了重要而宝贵的艺术实践。

试谈鉴赏富春山居图

富春山居图是元朝书画，画家为其师弟郑樗(chū)所绘，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名画”之一。明朝末年传到 收藏 家吴洪裕手中，吴洪裕极为喜爱此画，甚至在临死前下令将此画焚烧殉葬，被吴洪裕的侄子从火中抢救出，但此时画已被烧成一大一小两段。较长的后段称《无用师卷》(无用是郑樗的字)，现藏台北故宫博物院;前段称《剩山图》，现收藏于浙江省博物馆。北京故宫博物院也藏有此画的仿本。

画的作者黄公望，擅长画山水，多描写江南自然景物，以水墨，浅绛风格为主，与吴镇，王蒙，倪瓒zàn并称元四家。存世作品有《富春山居图》、《九峰雪霁图》、《丹崖玉树图》《天池石壁图》等。

据记载，黄公望三十一岁开始作画，由于际遇的坎坷，到五十岁左右，也就是出狱后才专心从事 山水画 创作。《富春山居图》是黄公望七十九岁高龄时开始创作的。这幅纵33厘米，横厘米的长卷，是他生活在富阳，又以富春江为题材推出的力作。为了画好这幅画，他终日不辞辛劳'奔波于富春江两岸，观察烟云变幻之奇，领略江山钓滩之胜，并身带纸笔，遇到好景，随时写生，富春江边的许多山村都留下他的足迹。这件宏幅巨制直到他谢世前不久才告完成，前后倾注了大约七年的心血，(也有说82岁创作，历时四年的)这是画家与富春山水情景交融的结晶。被后世誉为“画中之兰亭”。故而历代都有著名画家模仿。

这卷宝图既备受赞颂，也历尽沧桑。在辗转流传过程中，曾引发出乾隆年间有趣的“富春疑案”，弄得皇帝神魂颠倒，误判真伪;也曾因收藏家的酷爱而遭焚烧毁容之灾。乾隆年间，一幅富春山居图被征入宫，乾隆皇帝爱不释手，但在隔年又一幅富春山居图进入清宫。前者称“子明卷”是后人伪造;后者是“无用师卷”，这才是黄公望的真迹。但乾隆皇帝认定“子明卷”为真，并在假画上加盖玉玺，并和大臣在留白处赋诗题词，将真迹当赝品处理。直到近代学者翻案，认为是乾隆皇帝搞错了。从而保住了一个完整的无用师卷。

对美术及美术鉴赏的认识：美术及其作品，是人造物的一种，美术是人类运用一些物质和材料工具，通过点、线、面等各种要素通过一定的造型性、构成性、空间性的表现手段，在平面或立体的空间中塑造出具体直观的可视形象。美术作品是由艺术家按照美的规律创作出来的，它创造美的形象，抒发美的情感。美术包括绘画、雕塑、工艺美术、现代设计、建筑艺术及影像艺术等主要艺术形式。另外，我也觉得美术是一种 爱好 ，直接贴近人们的生活。于美术鉴赏而言，就是对一件艺术品的欣赏，你从心底大量一件东西，觉得它漂亮与否，这就是鉴赏。读者对一件艺术品进行审美，不是消极、被动的地去看一个东西，而是积极主动的进行着审美再创造活动。一件物品被创作出来，必然会有人去评判，评判时融入自己的品味与感情，再将自己的艺术理想与理解、艺术观念经过若干个环节的变通、换位、异化，通过重 组词 汇与语法将自己要表达的内容表述出来，这就是鉴赏。

浅谈高中美术鉴赏教学

摘要：高中美术鉴赏教学，是帮助学生通过对美术作品进行分析归类，从而达到能够体味感受、欣赏美术作品。下面就我平时的教学过程中的感想 总结 出来，以供同行讨论。

关键词：鉴赏;教学;思考

一、美术鉴赏过程中学生情感因素的调动

美术新课标提出“情感态度与价值观”的概念，目的是强调通过学生的亲身经历来体验和感受美术作品，形成自己的艺术价值观念。美术鉴赏本身就是一种最直接的审美活动，需要通过自己的思维活动来感悟美术作品，这种活动强调个人的审美感受和情感体验，情感是审美活动的基础。比如站在天安门前面，人们会自觉产生一种民族自豪感;欣赏罗中立的《父亲》让我们感受到一种强烈的亲情和感伤的乡土情怀;而看到达利《内战的预感》则会让人感受到战争给人类所造成的无可估量和无法弥补的伤害。

因此，情感因素是鉴赏作品的关键，学生在鉴赏作品时体味到了某种情感，他的情绪就会激动，就会表现出浓厚的学习兴趣。在美术鉴赏教学中，如果忽视学生的心理感受和情感的参与，那就根本谈不上真正的鉴赏。然而，问题在于中学生由于知识基础和生活阅历的限制，很难体味到这一点。这就要求教师教学中要对学生进行一定的引导与启发，帮助学生分析体味美术作品的精神内涵，尤其是作品最精彩的部分。通过生动恰当的语言描述来激发学生的兴趣，比如，委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》阴险狡诈狠毒的神情等。

二、在美术鉴赏中体味 文化 情境

新课程的基本理念之一就是“要在广泛的文化情境中认识美术”。任何美术作品都不是孤立存在的，是在一定的文化环境中创作出来的，不可避免地受到所在环境的影响，这就是美术作品的地域性特征。所以，在美术鉴赏教学过程中，首先要把美术作品放在一定的地域文化环境和时代背景中去学习。

如鉴赏达芬奇的《蒙娜丽莎》，就必须让学生了解文艺复兴运动的历史及其所倡导的人文主义精神;鉴赏米开朗基罗的《大卫》，要让学生了解米开朗基罗创作这件作品的时代背景及大卫的历史史料;如达维特的《马拉之死》，如果不了法国大革命时期的历史和作为资产阶级雅各宾党领导人的马拉真实资料，就无法理解这一作品所表现的内容精神及为什么要这样画。

这些，一方面老师要能够烂熟于心，在教学中做到信手拈来，更要巧妙的穿插到对作品的鉴赏过程中，不能生硬的告诉学生。当然，最好是让学生课前自己进行搜集了解，带到课堂与同学们分享。其次，在鉴赏过程中要营造教学情境，以帮助学生形成丰富的鉴赏体验。

在鉴赏蒋兆和的《流民图》时，我让学生观看一些抗战时期中国民众的苦难生活的影片片段，让学生有如亲身体验日本侵略者给中华民族带来的深重灾难，才能感受到当时中国人民的苦难生活，也才能真正感受到作品本身的悲剧性给人的巨大震撼;在鉴赏蒙德里安的《百老汇的爵士乐》时，播放一段爵士乐，让学生在聆听爵士音乐的同时体味作品的内涵。艺术源于生活。在美术鉴赏教学时，我让课堂内外相结合，课堂与生活相结合，以扩大学生视野，增强他们的感性认识，创造一个更为广阔的文化情境。

为此，我建议学校利用教学楼走廊、橱窗等场所展示学生或教师作品，既美化校园，营造艺术氛围，也给学生提供一个艺术环境，有助于提高学生鉴赏、评述美术作品的能力;在鉴赏现代建筑艺术时，直接让学生到校园、湖心公园中走走，要求他们自己分析、评论校园和公园建筑的布局和特色。

为了让学生对当地的人文和乡土文化有深入了解，我带学生参观了当地的美术馆、博物馆，文化遗产，如清真大寺、中山公园以及南门、玉皇阁等古建筑。美术鉴赏涵盖了人们生活的各个方面，渗透了各门学科的知识，所以一定要在广泛的文化情境中去鉴赏美术作品。

三、强调学生多元化 思维方式

在高中美术的第一节课上，我告诉学生，美术鉴赏过程其实也是一次创作过程，我们必须要用自己的方式进行鉴赏和评价作品，反对人云亦云。“有一千个读者，就有一千个《哈姆雷特》”，美术作品一旦产生就会脱离创作者而独立存在，不同的人，在不同的情境下鉴赏，会有不同的感受，这也正是美术鉴赏的魅力所在，也是现代美术 教育 的基本观念，即强调多元化、崇尚差异、主张开放、去掉本质和必然。

事实上，课本中大部分文字叙述只能代表一家之言和某一时代的观点，并不是唯一的。美术鉴赏教学应该注意培养学生的创造性思维，教师不能搞独断专行，不能像数学物理那样只有唯一的标准答案，而应该鼓励差异，容忍和接受学生的各种见解。在教学中，教师要对学生的看法、观点持有正确的态度，让学生尝到成功的体验和喜悦，才能激起学生更大的兴趣，才能引发学生继续学习，有利于学生进行积极思维，使学生学会研究问题的 方法 ，锻炼独创思维的能力，增强美术鉴赏的兴趣，提高学习效率。

总之，美术鉴赏主要通过鉴赏活动来培养学生的审美能力，而不是掌握多少美术史论和多少美术技法理论。其目的不是培养专业美术家，而是通过美术教育让学生掌握美术知识，培养美术能力，帮助学生完善自己的道德品格，形成正确的审美观、世界观、人生观。

去我的博客里面，不仅有文章还有高清晰图片，在台北故宫（二玄社）里面，希望对您有帮助！

谈谈艺术创作的过程          艺术创作是一个复杂的过程，可以分为艺术体验、艺术构思和艺术表现三个阶段。这三个阶段表现为连续的和不可分割的整体。    艺术体验，是艺术创作的准备阶段。它是创作主体在审美经验的基础上，充分调动情感、想象、联想等心理要素，对特定的审美对象进行审视、体味和理解的过程。通常情况下艺术体验包含三部分：材料的储备和审美经验的积累；审美发现和审美领悟的发生；创作欲望的萌动及动机的生成。艺术创作是我们对客观生活的主观认识和能动创造，是主客体的遇合和主客观的统一。只有积累了大量的生活素材，我们才能从中生发出独特的感受激发出强烈的感情，提炼出深刻的思想，创造出鲜活的形象，从而真实的放映生活的本质。在艺术创作过程中我们不是被动的而是主动的，社会生活是艺术创作的逻辑起点，我们要进行创作，就要深入生活，积累生活素材。如果没有生活的原材料，我们是不可能凭空加工，生产出艺术作品的。如元四家之冠的黄公望在年逾古稀之时，还常“云游在外”，以山川为师，随身带着纸笔，时时对景写生，长达数年之久，才创作出著名的《富春山居图》。石涛说：“搜尽奇峰打草稿也。”这些都是饱含创作艰辛的经验之谈画家达·芬奇认为艺术家应当“自然的儿子”，不要当“自然的孙子”，就是要直面生活在大自然之中，寻求创作的源泉，而不要与自然成“隔代”的间接关系。他为了创作《蒙娜丽莎》，表现那富有魅力的一笑，他运用解剖知识，研究笑的规律，还有大自然的微妙变化。在长期的感受与积累中，他终于从微风吹拂的流涟的湖水中受到了启发，创作了举世谜人的微笑，表现了高贵端庄的娴静之美。。    艺术构思，是指艺术创作者在艺术体验的基础上，以特定的创作动机为引导，通过各种心理活动和特定的艺术思维方式，对原始素材进行加工、提炼、组合，在头脑中形成艺术意象的过程。艺术意象是艺术创作者的审美情感与客观事物相融合的产物。它是艺术创作的中心环节和关键一步。在艺术构思中最重要的确定题材和主题。题材是主题的载体有了优秀的材料才可能更好的表达深刻的主题。主题是题材的灵魂。在创作中，这两者互动互进，辩证统一。确定了主题和题材后，还要提炼情节，更好的展示作品的内容，还要考虑用恰当的结构将他们构造成有机的艺术整体，提升作品的艺术水准。艺术构思的方法是多种多样的，有典型化 简约化  变形化  夸张化 陌生化。法国印象派大师莫奈，曾对一个稻草垛不惜花巨大的精力观察与研究，他根据朝、夕、明、晦、春、夏、秋、冬等不同光照时间进行反复地写生，研究不同的光色变化，终于创作了15幅不同色调的《稻草垛》。这一切都是“外师造化，中得心源”的结果。没有训练有素的眼力和灵敏的心灵，是无法创作出这微妙变化与差别的作品的，也无法去捕捉美丽的光和色。   艺术表现，是指艺术创作者选择并运用特定的艺术语言，将自己艺术构思中已经基本形成的艺术意象最终呈现为物态的存在，使之成为具体可感的艺术形象或艺术情境。它必须遵循形式服从内容和形式美的双重原则。脱离内容的艺术形式是没有价值的。艺术构思是“形之于心”，艺术表现则是“形之于手”。巧妙的构思不等于就有精美的作品。因为艺术构思是一个充满艰辛的心里运作过程。艺术表现则是更为坚辛的实际操作过程。艺术表现不仅是艺术构思的的实现过程也是艺术构思的深化 充实 修正和提高的延续过程。艺术技巧是 实现艺术构思的手段，在艺术表现中起者举足轻重的作用。      我们可从中领略绘画创作的甘苦与追求。正如宗白华先生所说：“人生有限，而艺境之求索与创造无涯。”愿我们以此来勉励自己，使每个人的艺术思维之花常开，纷芳留香。

答:《富春山居图》清初画家恽寿平在赞赏此图时说：“凡数十峰，一峰一状，数百树一树一态，雄秀苍茫，变化极矣。”这幅作品在元代山水画中确是一幅从真山真水中提炼概括出来的杰作。历代文人都珍视这幅画。据记载，此图在明清两代，曾为许多人收藏。明代成化年间为苏州著名画家沈周收藏，万历年间转归松江董其昌名下，后又为宜兴吴正志所有。吴正志传给他的儿子吴洪裕，吴洪裕爱若至宝，寝食与共，临死前竟将此图投入火中，“殉以为葬”幸而他的侄子吴子文从炉火中抢救出来，但前面已经烧去了一些。吴家把第一节烧剩的部分裁割下来，从此，这一图卷就分成了长短两段。《富春山居图》为纸本水墨画，宽33厘米，长厘米，是元代画坛宗师、“元四家”之首黄公望晚年的杰作，也是中国古代水墨山水画的巅峰之笔，在中国传统山水画中所取得的艺术成就，可谓空前绝后，历代莫及。黄公望，字子久，号一峰，工书法、通音律、善诗词，少有大志，青年有为，中年受人牵连入狱，饱尝磨难，年过五旬隐居富春江畔，师法董源、巨然，潜心学习山水画，出名时，已经是年过八旬的老翁了。黄公望晚年久居富春江一带，他经常身背行囊，内置笔墨画具，但见好景便一一绘下，积累了大量丰富的山水素材。元至正七年（公元1348年），黄公望开始创作这卷山水画名作，通过长时间精巧的构思和数年埋头作画，最终完成了这幅堪称山水画最高境界的长卷——《富春山居图》。这幅画长六米多，黄公望花了三四年时间才得以完成。《富春山居图》以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦起伏，林木萧疏，浅水平滩，坡石沙洲。山石回旋辗转，丛林散布于山下江畔，村落掩映在山谷林间。亭台渔舟、草木树石。小桥飞泉，景随人迁，令人目不暇接。布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界，好一派江南瑰丽的秋天景致。

富春山居图论文参考文献

浅析“奇正相生”在国画章法布局中的释放及运用1．1 背景黄宾虹提出了太极图是中国书画的秘诀。 “奇正相生”一词的概念及由来太极图的阴阳鱼阐述了社会自然宇宙。。。。。是在不断变化发展，此图变化发展，生生不息。黑中有白，白中有黒。相互依存，变化发展。“奇正相生”一词渊于其有变化无穷生生不息之意。 研究现状在中国画章法布局中变化与统一是构图学中的重要法则，“奇”是变化，“正”是统一应使画面中的物象变活，这就需要如何适当的经营位置怎么布局使物象活起来。二奇正相生一词在国画章法布局之中的联系及运用.2．1其词浅说懂得“奇”字，“正”字，也就是大小，长短，上下，高低，黑白，虚实，奇偶，动静的一些对比，一幅作品里面又两个相同的场景时就要注意上下，大小，高低，黑白的一些对比，是相对来说它的大与小，长与短，上与下……把它相对的前者定格为“正”的，那么后者就为“奇”的了，黑的定格为“正”的，白的则为“奇”的了，只有使其有相互对比，才能使画面活起来，使画面动起来，画面才能活。2．2其词与章法之间的关联章法要先看四条边线所构成一个整体的画面，通盘筹划“置阵布势”，不能从一边、一角、一点堆积起来，先确定对全局起作用的几个大面积的东西，再逐渐打碎，以小面积的东西配搭进去。“大幅看气势”更须要树立全局观点。所谓章法，不单指构成画面的形象轮廓，色彩、墨色、浓淡、位置、经营、虚实都要计算在内，题字印章所占地位更不能遗忘，这样构图才能完整。 章法，千言万语，不外虚实、疏密、轻重、浓淡、大小、长短、横竖，同理，可体味音乐的节奏，当实则实，当虚则虚，虚不是不画，是有计划的不画，不画处仍有画，譬如音乐的休止，休止不是“怠工”，而是一支曲子的组织部分，即是“多样的统一”，也是自然法则的“矛盾统一”。为了形式上的需要，实处当虚，可以虚之，例如：山石本实，云一遮就虚；虚处当实，可以实之，例如：水本空明，添些蘅藻、舟楫、岛屿、倒影之类就实，虚虚实实，即成画面节奏。画面节奏要和主题内容思想感情紧密的结合一起，节奏是画面形式，也是作者的情感表现。章法上的“相成相破”，含有矛盾统一的意义，“成”相当于统一，“破”相当于矛盾。“统一而不变化是呆板，变化而不统一是杂乱。要统一中有变化，变化服从于统一。”整个构图以此为基本规律，多采取均衡取势，而避免对称。“画三不画四”，三是奇数，四是偶数，画偶数的物象易流于匀韵整齐，奇数即可以打破这个局面，奇和偶也是相辅相行的。“惨淡经营”方可成形式语言的美感首先来自于构图的处理上，构图受“意”的统领，发挥独特的思维想象，创造出富有“意味”的构图形式，使观赏者乐意去揣测其中的味道和意境。中国古代绘画的构图上极讲“势”的存在，如造险绝之势、造祥和之势、造平稳之势、造动荡之势、造大度之势等等，“势”乃布局之阵势也。同时，中国画特有的散点透视之长盖使中国画气度雄浑、法式独特、妙趣横生。因此，不同及相同形状的结合，物类的对比、态势、节奏、排列、凝集、分割、疏散等态势，都是构图呈献的不同方式。2．3其词在章法布局中的运用如何安排画面的问题。作画有了题材，通过画面传达给观众，使观众接受了你的想法和美感，从构思到画面，遇到的第一关即是构图。明代谢肇润税：'市故事便立意结构。同时代的另一画家李日华说：大都画法以布置意象为第一。可见取得好的题材，还不算万事大吉，紧跟着要研究主体部分放在哪里，次要部分如何搭配得宜，甚至空白处、气势、色彩、题词等等的细节都要反复推敲，宁可没有画到，但不可没有考虑到，这种推敲布置的过程即是一种经营。画家常常不是通过一两张草图便能达到理想构图的，特别是中国画的构图，要考虑民族形式的特点，要考虑到便于发挥笔墨，便于物象的展开，既要多变化、多次层，又要求统一。北宋郭熙在所著《林泉高致》一文中提出山有三远，自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山．谓之平远。一、高远在《芥子园画传》的山水部分，总结有构图学上的一个普遍问题，就是高远、深远和平远的三远法，实际上是如何表现山水境界中的高、宽、深三度空间的方法。《芥子园画传》中所说的高远，是从下面向上仰视，才觉得高远，我们今天应用透视学的观点，即把物象放在视干线上，就显得做岸兀立。在这部书中提出用泉水以助其势之高，如画雁荡山的龙激飞瀑，即应有高远之气势才好。但是书中的措泉助高，并不能把问题说得十分清楚，因为你把山画得再高，泉水画得再长，还是不及真山的千分之一高。怎样把象千例之高的大山画在尺幅之内呢？刘未对宗炳在《历代山水序》中指出，眼与山只要有了相当的距离，按照比例来画就行了，'坚划三寸就有千例之感；'舱里数尺即可体现百里之遥。比如为了夸大山之高峻，可以把人物、房屋、树木画得很小，如范宽的《溪山行旅图》，沈周的《庐山高图》，都是人小山大。有时也可把峰顶推出画外或隐入云层，使人不知山有多高多大，可以把下部虚起来，如画山头用云虚断山脚也有崇峻之感，即郭熙所说山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰则高矣。反之，如画极远的平川，可把上面虚起来，也会造成平川万里之势。二、深远由前面往里画出深奥之感觉叫深远。画中进深大，造成一种具有深远空间的意境。《芥子园画传》解释加强云气有深远感，宋代郭熙在《林泉高致》中也有所论述，水欲远足出之则不远。掩映断其脉则远矣。这种处理方法在表现云核秦岭'汽断巫峡时可以使用。有经验的山水画家，都觉得三远之中深远最难于体现。元代王蒙的《具区林屋图》，使用了四面环山，把幽深之溪谷层层透措，画出了难度较大的纵深之感。三、平远景色要画出前后左右辽阔的空间。平远画法大体上有两种：一种是矮山及丘陵的平远山水；一种是只有田园河流的平原大地。对于前一种画法《芥子园画传》强调用烟气加强平远之感，有了烟'气，便觉得苍茫辽阔。实际上无论高远、平远，这一点都是适用的。黄子久的《富春山居图》就属于平远山水的类型。对于描绘平原景色的辽阔地貌，也可以用一些类似的手法，但主要还是应当利用景物的透视，如林带、田埂的透视，河流的纵横带来加强平远效果。一马平川的大地原是国画中难于奏效的画题，近代画家有用稻田波影来衬托白帆片片，也有用树木和房屋层层推远的。所谓空白处不是无话可说，没有画意可寻了，它正是为了衬托密安部分增强空象，使它更能以少胜多，就象音乐中的休止符，使人有更多的泪旋浮想的余地，正是此时无声胜有声。要善于借虚以见实，前人曾提出大抵实处之妙，皆因虚处而生是很有道理的。密处在构图中要更集中，更精密地刻画，使墨、色、线充分发挥效果，对比下感到白的更白，密处更密，更突出，更加强烈地给观者留下印象，从而发挥造型艺术的特长。虚与实不可分割，是构图法的两个方面，孤立强调任何一个方面都是不恰当的。疏密聚散与前一节意思相近，这种变化有时也可以用疏、密、聚、散四个字来形容。密与聚是画面上的实处，疏和散是指画的虚处，正如疏可跑马，密不通风一样，观者能在画面上看出大的节奏感来。但空不是简单的空白，而是三中也有象，我们试看八大山人的花与画，常常只画一花～鸟，单纯之极，纸上留出了大面积的空白，整幅．画面空虚处，让读者自己去发挥想象，可以想象为天空，为白云，为水波，造成极大的边旋余地。但只有空白不能成画，所以还要有密处说明问题，最忌的是平均布置，如清吴历《棚天春色图》人与柳树，有聚有散，其土坡按一根S线布置，画的中部和远山，又尽量展开，以求舒散，引起观画者有山曲水幽之感，同时也为我们展示出如何处理疏密聚散的手法。计白当黑这句话也是来自清代书法家邓石如，是由邓的弟子包世臣记录在《艺舟双辑》中。常计白以当黑，奇趣乃出，因为这一规律可通画理，国画家又把他的道理转用在绘画上，与此相近的说法还有，清代华琳在《南宗抉秘》画评中所说：于通幅之留空白处，尤当审慎。中国画强调运用空白，对空白经营很用心，把它当有画的部位，同样费心思去考虑。为什么要留下一些空白呢？这好比戏剧、电影中人物的潜台词，如果把话都说尽了，没留下一点潜台词，这叫做平铺直叙。画面上展现一片空间，我们会感到画家的思想在这段空间里驰骋，这在米氏的云山画中是常见的手法，一片白云横在山腰，山随云活。但邓石如的深意还不止于此，他是要求没有笔画处的白，当和有笔画处的黑一样引起重视，认真经营，让白中也有内容，有画意，而不是一块闲置没有画到的白纸。这就要斟酌白与黑的措趁和呼应，如画一条长桥卧波，桥身是黑，水便是白，桥身如何布置便很重要，讲的位置合度，可以感到桥下的流水，引起对水的联想，类似这种空白，不是可有可无，也不是无话可说了，这是言外之言，物外之趣，意味无穷。艺术贵在含蓄，空白也是诸种含蓄手法之一。布置之法势如清代画家邹一挂在他所著的《小山画谱》里，提出了一个国画的构图原理，这就把画面的布置，安排为三角形的勾股方为得势。勾股的三角形，也可以是直三角和斜三角。勾股的三根线，分别称为勾、股、弦．2．4现代国画章法布局的创新与发展现代中国画对构图的开拓与理解有着极大的发展，呈现出几种类型的构图法。如重视写生，一些画家更加重视人物的具体环境的结合，在人物、事物和环境的典型性和视觉的真实性上下功夫。另一些画家的作品则努力开拓传统的章法技巧，打破时间、空间的限制，在意象空间的表现上下功夫，继承传统的长卷、立轴、屏风、扇面等各种传统构图形式。还有一些画家则从现代西方艺术的创造中得到启发，采用分割、构成、重叠的手法，表现出新的意态和新的审美追求。这三种构图法都有自身美感的因素，我们应相互吸收运用，反复推敲、精心组织、苦心经营，力求创造出新的构图形式在一幅作品的章法布局之中怎样使画景中的物象活起来，这就需要适当的经营布局各个具体物象的位置。古人有:计白当黑疏可走马密不通风具体言的虚与实，疏与密，开与合宾与主，大与小……都是奇与正之间的关系，在黄宾虹老先生的思想中体现，其依据太极的理念，又开创出新的章法，面貌，尤其是他依靠画家所具备的空间组织能力，以画理去打通书理，在章法布局中让其有错让，又起伏，又呼应。其中讲究的虚实结合，并发现实处取法难，虚处更难，虚实相应相生，节节有呼吸，也就犹如太极鱼黑白相应相生。黄宾虹老先生把太极图几乎完全融入他的绘画生活之中，甚至于举手投足无不合太极图，他是现代中国画家之中将太极图原型“道成肉身”最杰出的一位，也是最自觉的将其纳入思性和创造活动中的集大成艺术家。欧洲的西画大师如荷蒙特里安爱用方格式构图，而中国画家之所以爱用三角形构图原理，可能更符合于中国画的表意性，便于表现山水花鸟构图的上轻下重，上小下大，引力向下的心理因素。避免板到。这是就总体而言，当然构图是无限丰富的，很难作执一之论，不应使它束缚每一画家的独创性。正和偏、板和活、齐和不齐、均衡和不均衡、对称和不对称都是艺术表现形式的对立统一规律，在构图时要随时注意它辩证相互对立的关系，从主题出发，从主要的构思去寻找主要的构图之路。新的构图方式。三实例列举进行分析并对其做阐述举出案例进行分析国画构图比其他形式的绘画作品更讲究随意性和个性化，画家在作画过程中常常是随手挥洒而不落俗套具体我们可以从以下几个方面去分析：虚实：如吴作人的《奔》为了强化黑白的对比关系画家省略牛四周可有可无的众多琐碎事件只留下几根淡淡的似有似无的线条曾托墨色浓重的牛，一实一虚赢得了虚实相应生趣的艺术性。黑白：如八大的《鱼石图》为了强调石头和鱼的关系，在石头鱼的创作过程中巧妙地运用黑与白的关系，白中有黑，黑中有白，黑白相生使石头显的沉重,鱼赋予了生命，整个画面活起来。阐述奇正是自然界绝对运功与相对的静止，两种状态的对立与统一运动富于变化而有生气，静止显的统一安定，变化与统一是构图学中的重要法则，“奇”是变化，“正”是统一。在创作中求奇正是国画章法布局不可缺少的方面。构图布局需要我们在万象纷纭，变化万千的复杂事物中找到头绪，理出脉络，分清主次，使画面主题鲜明，内容突出，有节奏感和自然的美感。“奇”“正”的对立与统一更应如此在对立中寻求统一，在统一中求得对立，经过提炼取舍，才能创作出新的好的奇活的构图来。四结论奇正也就是大小，长短，上下，高低，黑白，虚实，奇偶，动静的一些对比，在创作中求奇正是国画构图的主导方面。在对立中寻求统一，在统一中求得对立，经过提炼取舍，才能创作出新的好的，奇的，活的构图来。作品资料

《富春山居图》是元朝画家黄公望八十二岁前后创作的富春江山水长卷，是中国长卷美学发展到巅峰的杰作，被后世誉为“画中之兰亭”、“中国十大传世名画之一”。《富春山居图卷》由美学大师蒋勋执笔导读，对画作的美学价值及历史价值进行深度剖析，引领我们赏析浑厚大气的长卷风景，一一解读画卷中的深刻隐喻，娓娓道尽一条河流在历史中的故事，以及画卷背后独特的东方美学和人生哲学。作者简介蒋勋（1947-），著名画家、诗人、散文家、美学家。福建长乐人，文化大学史学系、艺术研究所毕业。1972年负笈法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台。现任台湾《联合文学》社长，专事写作绘画、艺术美学推广。著有《天地有大美》《美的觉醒》《孤独六讲》《汉字书法之美》等。黄公望（1269-1354），字子久，号大痴、大痴道人、一峰道人，元代画家、书法家，“元四家”之一，江苏常熟人。代表作为《富春山居图》，并著有《写山水诀》，是中国山水画的重要理论著作。

欣赏《蒙娜丽莎的微笑》有感“蒙娜丽莎她是谁，她是否也曾为爱寻觅好几回，她的微笑那么神秘那么美。”曾经风靡一时的歌声，我们都已经淡淡的忘记，现在想起那个微笑，是否你还会去疑惑这中间的迷，是和蔼可亲的温婉的微笑，是多愁善感的伤感的微笑，还是内在快乐的标志？《蒙娜丽莎的微笑》这幅名画，又称为“微笑”。画中的蒙娜丽莎确有其人。她是佛罗伦萨一位富有的女市民。达芬奇刚开始为她画像时，她年仅二十四岁。据说，在此前不久，蒙娜丽莎心爱的女儿刚刚夭折，因此她整天闷闷不乐。为了唤起模特儿发自内心的微笑，画家一边为她画像，一边请人在她身边奏乐，如此这般千方百计引出了这位美人的一刹那的微笑，仿佛稍纵即逝。你看：蒙娜丽莎嘴角微皱，眉宇舒展，脸部则显示出了刚可察觉的微笑。这微笑似乎是从脸上掠过似的，既显示了她内心的激动，又没有失去安详的表情，显露了人物内心深处微妙的心理活动，引人遐想，令人神往。蒙娜丽莎微笑的神秘之处在于：当你注视她的笑容时，先是看到微笑，既而似乎隐去，然后微笑重新出现，过一会儿再次神秘地隐去。 蒙娜丽莎的微笑，有时候让你觉得温文尔雅令人陶醉；有时仿佛内涵哀愁似显凄楚；有时候又略呈讽刺之状，虽则美丽动人却又有点不可接近。这种朦胧又若隐若现的感觉，就是一种艺术吧。

黄公望（1269－1354年），字子久，号一峰，江浙行省常熟县（今江苏常熟市）人。元朝著名画家，“元四家”之首。

据传本名陆坚，后过继永嘉府平阳县（今温州平阳县）黄氏为子，尝自称“平阳黄公望”。中年当过都察院掾吏，皈依全真教，别号大痴道人，在江浙一带卖卜为生。

擅画山水，师法董源、巨然，兼修李成之法，得赵孟頫指授。所作水墨画笔力老到，简淡深厚。又于水墨之上略施淡赭，世称“浅绛山水”。

晚年以草籀笔意入画，气韵雄秀苍茫，与吴镇、倪瓒、王蒙合称“元四家”。擅书能诗，撰有《写山水诀》，为山水画创作经验之谈。存世作品有《富春山居图》《九峰雪霁图》《丹崖玉树图》《天池石壁图》等。

黄公望出生于南宋度宗咸淳五年(1269年)。“幼习神童科”，“天资孤高，少有大志”。南宋亡时，他年仅11岁，成年后对元朝政权并没有强烈的逆反心理，相反，受儒家积极入世思想的影响，他有着热切的参政欲望和远大的政治抱负，希望在政治上一展身手，干一番大事业。

然而，元朝建立初期，贵族统治者并未采取科举取士的用人制度，而是将国人分为蒙古人、色目人、汉人和南人四等。不同等级的人在政治上的地位大不相同，蒙古人地位最高，掌握最高统治权；南人即原南宋统治下的汉人，地位最低，几乎毫无政治权力可言。

黄公望属于南人，按规定不能为官，若想做官须先从吏做起，到一定年限，视办事能力如何，再决定可否为官。即便当吏也需有人引荐。

大概因他办事干练，加之颇有才名，至大四年(1311年)左右，他得到江浙行省平章政事张闾的赏识，被任用为书吏。皇庆元年(1312年)五月，张闾调任中书省平章政事，黄公望也随其赴京城大都(今北京)任职。

但张闾是个贪官，元史却有记载，大德三年(1299年)张闾曾因受贿而遭到御史的弹劾，但被皇帝宽赦，未予追究。延元年(1314年)朝廷派张闾“经理江南田粮”，张到江南后“贪刻用事，富民黠吏，并缘为奸”，搞得“人不聊生，盗贼并起”，并且“以括田逼死九人”，元统治者不得不于延二年(1315年)九月将张闾逮捕下狱。

黄公望因为是张的书吏，好多文书、帐目皆出于其手，也被牵连下狱，时年47岁。而恰恰就在这时，元朝举行了第一次开科取士，他的好友杨载就是这一科的进士，热衷于功名仕途的黄公望却因身陷囹圄失去了这次非常难得的机会，这对他来说是又一沉重的打击。

这一事件纯属巧合，但对黄公望的思想产生了巨大的影响，他“通三教，旁晓诸艺”，对性命之学本来就有研究，这次打击更坚定了他的宿命论思想。出狱后他曾一度卖卜为生，这在很多文献中都有记载。相信他在替人占卜算命时自己也是很诚信的，并非走江湖行。

黄公望出狱时已经年近五十岁。这一时期，子久又开始了绘画生涯。他一方面向赵孟等前辈名家请教，一方面又同一些富豪画家如曹知白等交往，大量摹习古代名迹，以提高绘画的“古意”，并且经常在外游历，遍览江南山水名胜，结交社会各界名流，其中有不少是著名的隐逸之士和佛道两教的高人(详见“交游”)。

在卖卜、作画、交友、游览的过程中，他逐渐对社会现实有了更清醒的认识，而他在绘画方面的名气也越来越大，凭着较高的画名，他受到了许多喜欢附庸风雅的官僚地主的欢迎，得到了其他画家的敬重。

奋斗了半生未能取得的社会地位、名望在仕途无望时到来了，这一意外收获使子久幡然醒悟，从此便绝了仕途之想，开始了真正的隐士生涯，并于天历二年(1329年)和倪瓒一起拜金月岩(蓬头)为师，加入了全真教。

子久从事绘画，且以画山水为主，可能是由于他加入新道教的缘故，他出狱后基本上过着云游的生活，这是全真教的教规之一。经常优游于名山胜水之间，为他创作山水画提供了丰富的素材和灵感，同时也促进了他写实山水画风的形成，他的画作大多数是本于所见过的真山水。

至正十四年(1354年)，黄公望逝于杭州，享年86岁。归葬故乡常熟，其墓至今仍在虞山西南麓白鸽峰(又名鹁鸪峰)下,在盘山公路北侧路边立有石牌坊，上书“元高士黄大痴先生墓道”。

扩展资料：

至正七年(1347)，年岁渐老的黄公望回归浙江省富阳县富春乡，同门师弟无用师同往。黄公望为无用师描绘富春山景色，到至正十年(1350)方完成，这就是《富春山居图》。

当时黄公望已经82岁，是其传世最重要的作品。幅中描绘的是黄氏晩年山居的景色，有春明村、庙山、大岭及富春江等一带的山川景致。画中有坡陀沙岸，房舍散聚，冈陵起伏，山势层层叠叠，林木交错。景物排列疏密有致，墨色浓淡干湿并用，极富于变化。

皴画山石皆用披麻皴法，运笔时快时慢，线条有长有短且不平行排列，所以有巧妙的交错组合。《富春山居图》流传不是很有序，有一段时间不知为何人所藏，甚至多幅《富春山居图》并现于世，于是给后人留下了许多未解之谜。

《富春山居图》是黄公望为同门师弟无用师所作，无用师自然是此图的首位拥有者，他在图上留下了“无用师”印。自无用师后这幅画就不知为何人所收藏，直到成化年间(1465-1487)这幅画才重现于世。

此时被人高价卖给书画家、鉴藏家、“吴门派”的创始人沈周。那么至正十年后到成化年间，这幅画到底是怎样流传的?如果知道那卖画给沈周的人从何人手里得到《富春山居图》，还可以略知一二，可是现在已无从查考。

对这段空白的形成，我们可以进行这样的猜测也许这幅画是被人有序的收藏，但是收藏的人忘了在上面题跋或者是在上面题了跋，有人故意把这一段题跋毁去了。为什么要把这段题跋毁掉，颇令人费解，也找不到一个合理的解释，现在成了一个谜。

参考资料来源：

百度百科——黄公望

百度百科——富春山居图（元代黄公望创作纸本水墨画）

富春山居图赏析论文参考文献

一、书法

自元以后，常熟书法名家累世不绝，尤以清代末年至民国初年涌现的杨沂孙、翁同龢、萧蜕三位常熟籍书法家最负盛名。

杨沂孙自幼潜心研究书法，尤嗜篆籀之学，所作篆书，吸收金文、石鼓文、秦权量诏版、汉碑篆书而自成一格。近代大书法家吴大澄 、吴昌硕、罗振玉等，都曾临习过杨氏篆书。萧蜕幼年即勤于学书练字，盛年时期书法造诣名闻远近。

时人得其片纸只字，辙视为珍宝。《清史稿》等文献称翁之书法“自成一家，又为世所宗”、“同治、光绪间推为天下第一”、“为乾、嘉以后一人。”常熟博物馆藏有杨沂孙、翁同龢、萧蜕书法墨宝多幅，可供观赏。

二、绘画

常熟绘画，可追溯到元代的黄公望。黄氏多才多艺，工书法、诗词、散曲，尤精于山水画。创作注重写生，取材多以虞山、富春一带山水为主，或以浅绛或以水墨设色。

构图气势雄厚，笔下山水，“峰峦浑厚，草木华滋” 被誉为“元四家”之首，对明清山水画影响深远。黄公望传世作品约有二十余幅，被世人视为珍宝。

三、虞山琴派

历史上著名的琴派主要是浙派、虞山派和广陵派。元末明初，浙派名师，被琴界称为“徐门正传”的创始人徐天民之孙徐梦吉（号晓山中人），长期在常熟讲学，故可以说，他为常熟出现虞山派准备了条件。

而一代宗师，虞山派创始人严澄（字道澈，号天池）和徐上瀛（号青山）共同的老师—一著名琴师陈爱桐和子陈星源则为虞山派的诞生奠定了基础。

四、诗词

题破山寺后禅院-常建

清晨入古寺，初日照高林。

曲径通幽处，禅房花木深。

山光悦鸟性，潭影空人心。

万籁此皆寂，惟闻钟磬音。

白话译文

大清早我走进这古老寺院，旭日初升映照着山上树林。

竹林掩映小路通向幽深处，禅房前后花木繁茂又缤纷。

山光明媚使飞鸟更加欢悦，潭水清澈也令人爽神净心。

此时此刻万物都沉默静寂，只留下了敲钟击磬的声音。

这首诗题咏的是常熟兴福寺禅院，抒发的是作者忘却世俗、寄情山水的隐逸胸怀。诗人在清晨登破山，入兴福寺，旭日初升，光照山上树林。

自元以后，常熟书法名家累世不绝，尤以清代末年至民国初年涌现的杨沂孙、翁同龢、萧蜕三位常熟籍书法家最负盛名。杨沂孙自幼潜心研究书法，尤嗜篆籀之学，所作篆书，吸收金文、石鼓文、秦权量诏版、汉碑篆书而自成一格。

篆书丰盈而不臃肿，隶书浑秀见长，草书纯正自然，行书圆润活泼，可谓四书皆精，被誉为“江南第一书家”。两朝帝师翁同龢，早年学欧、褚、柳、赵。

参考资料来源：百度百科--常熟“民俗文化”

常熟简称虞，因“土壤膏沃，岁无水旱之灾”得名“常熟”，是我国历史文化名城，文化资源丰富，形成了其特有的“虞山文化”。

一、诗词歌赋

1、题破山寺后禅院（唐代：常建）

清晨入古寺，初日照高林。

曲径通幽处，禅房花木深。

山光悦鸟性，潭影空人心。

万籁此俱寂，但余钟磬音。

释义：清晨我进入这古老寺院，初升的太阳照在山林上。

竹林中的小路通向幽深处，禅房掩映在繁茂的花木丛中。

山光明媚使飞鸟更加欢悦，潭水清澈也令人爽神净心。

此时此刻万物都沉默静寂，只留下了敲钟击磬的声音。

2、秋晚宿破山寺（唐代：皎然）

秋风落叶满空山，古寺残灯石壁间。

昔日经行人去尽，寒云夜夜自飞还。

释义：秋风吹得落叶满山都是，古寺里只有残灯还在石壁间。

昔日的佛教徒都已经离去走尽，只有那天空中的云还会夜夜飞回来。

3、吴樱桃（唐代：白居易）

含桃最说出东吴，香色鲜秾气味殊。洽恰举头千万颗，

婆娑拂面两三株。鸟偷飞处衔将火，人摘争时蹋破珠。

可惜风吹兼雨打，明朝后日即应无。

释义：要说最好的樱桃还得数东吴这些地方的，这里的樱桃鲜香味浓，气味很独特。

只要抬起头来就可以看到千万棵，微风吹动樱桃树拂面而来。

鸟儿偷偷的闲几颗樱桃，人们为了争抢着去摘樱桃，都踏破了鞋子。

可惜又有风吹和雨打，明后应该都没有了吧。

二、虞山琴派

常熟的古琴文化，名满全国。徐晓山之后，又出现了著名琴家陈爱桐、虞山琴派创始人严天池、徐青山，代有传承，一直到现在，出现了古琴名家吴景略（1907-1987）。虞山琴派直接影响了日本古琴、广陵派、诸城派以及近代今虞琴社的产生和发展。2011年，常熟被联合国教科文组织授予“世界非遗——古琴艺术重要保护地区”称号，可见虞山琴派不止在中国而且在邻国日本以至在世界都产生了影响。

三、虞山画派

虞山画派的源头是元代四家之首的黄公望。黄公望的《富春山居图》誉满全世界。布衣画圣王翚（1632-1717）是此画派的开创者，主持绘制了《康熙南巡图》。他弟子众多，声望煊赫，他所创立的虞山画派是清代影响最大、声誉最著的画派之一，是中华文化宝库中的一颗明珠。

四、虞山印派

虞山印（篆刻）派肇端于元代缪贞，形成在清代初年。林皋、沈龢、王瑾三位篆刻先驱是虞山印派的创始人，但虞山印派的典型代表人物赵古泥（1874-1933）的影响更大，不少论著称赵古泥开创了“新虞山（印）派”。

五、虞山书派

唐代的“草圣”张旭，是常熟书坛的鼻祖。虞山书派的著名人物杨沂孙（1813-1881），是中国书法史上赫赫有名的大家，“古雅”的诉求是他对于书法高端审美的理解，是文人学者型书家所追求的书艺境界。在虞山书派中，翁同龢的书法，“同治、光绪推为天下第一”。到了现代，萧蜕庵（1876-1958）的“诗心剑气”的书风，也被人广泛称道。

扩展资料

常熟文化资源丰富的原因

一是因为常熟重视教育。从唐始，到清末结束科举，这里共出了状元8名，榜眼4名，探花5名，传胪3名，进士486名，举人、秀才数千人。一个县出了这么多高级知识分子是罕见的。这种尚文的风气，客观上促成了虞山文化诸多流派的产生。

二是常熟重视文化创新。虞山的各个文化流派，代有创新；流派中的代表人物，人人创新。“元四家”之首的黄公望，首创“浅绛设色法”，对明清山水画的影响至深。书法家张旭开创狂草艺术之先河。汲古阁主毛晋既是著名藏书家，又是一位大出版家，“影抄”法是他的一大发明。

三是常熟文化拥有独到的理论体系，被当世和后世所珍奉。更为难得的是，常熟文化流派的多位名家，都有商品意识、产业意识。毛晋藏书，以弘扬中华文化为己任，但他刊刻书籍，也讲究“营利”。明清两代，书法家以字养字，已经是他们广泛接受的生活方式。杨沂孙曾经标润格卖字而且价格不菲。实践证明，一个文化流派特别是一个艺术流派，如果他们的作品不能被读者、观众接受，卖不出去，是难以传诸久远的。

参考资料来源：中国经济网-《虞山文化流派》：县市文化研究的首部专著

参考资料来源：百度百科-常熟

《富春山居图》是元朝画家黄公望八十二岁前后创作的富春江山水长卷，是中国长卷美学发展到巅峰的杰作，被后世誉为“画中之兰亭”、“中国十大传世名画之一”。《富春山居图卷》由美学大师蒋勋执笔导读，对画作的美学价值及历史价值进行深度剖析，引领我们赏析浑厚大气的长卷风景，一一解读画卷中的深刻隐喻，娓娓道尽一条河流在历史中的故事，以及画卷背后独特的东方美学和人生哲学。作者简介蒋勋（1947-），著名画家、诗人、散文家、美学家。福建长乐人，文化大学史学系、艺术研究所毕业。1972年负笈法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台。现任台湾《联合文学》社长，专事写作绘画、艺术美学推广。著有《天地有大美》《美的觉醒》《孤独六讲》《汉字书法之美》等。黄公望（1269-1354），字子久，号大痴、大痴道人、一峰道人，元代画家、书法家，“元四家”之一，江苏常熟人。代表作为《富春山居图》，并著有《写山水诀》，是中国山水画的重要理论著作。

常熟山水好风光， 人杰地灵鱼米乡。七溪流水皆通海，十里青山半入城。革命圣地沙家浜，芦荡火种至今唱。阳澄湖中大闸蟹，个大味美任君享。长江之中有刀鱼，人间难得几回尝。桂花栗子鸭血糯，叫花鸡香飘四方。五谷连年大丰收，人民富裕乐安康。闹市中心方塔街，休闲场地状元坊。服装批发招商城，羽绒基地波司登。东南崛起开发区，引资助流促兴盛。旅游文化积淀浓，人文荟萃耀群星。虞山仲雍言子墓，烈士陵园辛峰亭。剑门吴王练武地，绿茶得名天下扬。一代名妓柳如是，随郎定居青山上。两朝帝师翁同和，故居坐落彩衣堂。晚清小说孽海花，曾朴道出世炎凉。两弹元勋王淦昌，赫赫功绩威名响。王毅微雕在核舟，台湾故宫镇宝藏。雕刻精品件件出，常熟自古红木乡。齐梁古刹兴福寺，塑有济公嘻笑像。昭明太子读书台，御笔亲题有乾隆。张旭结缘琴川地，三国配乐古琴声。太公垂钓在湖面，尚湖因此而得名。尚湖筹办牡丹会，中外来宾赛游艇。宝岩举行杨梅节，四方游客品梅忙。百姓忙中亦有乐，白茆山歌勤传承。古里铁琴铜剑楼，藏书万千书味香。梅李宝塔聚沙园，聚沙精神抵列强。众志成城齐心力，建设家园促繁荣。天下常熟露新颜，世上湖山显峥嵘。